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IMPULSO Estado de México || Sección Cultural

Cultura local

Ensamble Ónix, entre la pureza y la calidad

El quinteto de música contemporánea se presentó en el Aula Magna de la UAEM, logrando una noche de contrastes y deleites sonoros

Silvia Márquez / Toluca

Precedidos de éxito y críticas favorables en México y el mundo, llegaron uno a uno vestidos de negro con rostros un tanto serios. El silencio permanecía expectante entre las miradas de los asistentes. Minutos después de las 19:00 horas, los cinco integrantes del Ensamble Ónix salieron del camerino improvisado y ocuparon sus lugares en el escenario.

De pronto todas las palabras se borraron cuando la música comenzó a hablar; a veces a media voz, otras a gritos o incluso susurros que inundaban el Aula Magna de la UAEM.

Smash, obra de Jennifer Higdon, abrió la noche. Al principio un acercamiento difícil entre los ejecutantes y el público, que, integrado en su mayoría por jóvenes, se cuestionaban los alcances de los instrumentistas que tenían frente.

Y es que los contrastes de la música contemporánea se prestan para dudar, para ir de la mano del compositor y los intérpretes al borde del abismo. Una nota en falso y todo se va al fondo. Velocidad en las manos al piano, clarinete y flauta; vértigo en los arcos del violín y el cello y seguridad en el Ensamble Ónix.

Los exquisitos silencios permitían escuchar el golpeteo de la sangre y tomar un respiro antes de seguir el camino inexplicable que ofrecían las obras seleccionadas para la velada.

El estreno mundial de la obra de Georgina Derbéz, "For those who secretly listen", mostró la capacidad expresiva del ensamble, logrando emocionar a la compositora presente en la sala. Claroscuros y matices auditivos cuidadosamente llevados fueron el común denominador del universo sonoro que abrió Ónix y que llegó a la piel de cada espectador.

La segunda parte del concierto ofreció mayor intensidad, o tal vez, un entendimiento que permitía la cercanía con la interpretación de las obras de Gabriela Ortíz, Eduardo Gamboa y Armando Luna.

La experiencia de palpar la música contemporánea deja los sentidos despiertos. La experiencia de escucharla en manos de profesionales comprometidos con el arte deja los sentidos satisfechos.

Alejandro Escuer, flautista y director de la agrupación, ofreció unas palabras a los asistentes y unas más a los lectores de IMPULSO, mismas que presentaremos en nuestro próximo número.

El ensamble Ónix cosechó ríos de aplausos. De nuevo caminaron por el escenario buscando la salida del recinto y que significa el próximo paso: una gira por ciudades estadounidenses. Esta vez, su rostro dibujaba una sonrisa.

 

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Programa del concierto

Smash, Jennifer Higdon

For those who secretly listen, Georgina Derbéz

Paramell VI, Steve Montague

El águila bicéfala, Gabriela Ortíz

Onicem Ioqum, Eduardo Gamboa

Pasatiempo concertante, Armando Luna

Ónix está integrado por:

Alejandro Escuer, flauta

Viktória Horti, violín

Krisztina Deli, piano

Fernando Domínguez, clarinete

Edgar Espinoza, cello

Entrevista con Georgina Derbéz, compositora

Estreno mundial de For those who secretly listen

Silvia Márquez / Toluca

Después del concierto del ensamble Ónix, IMPULSO tuvo la oportunidad de conversar con la compositora Georgina Derbéz, quien, visiblemente emocionada por el estreno mundial de su obra "For those who secretly listen", compartió su experiencia de trabajar con la prestigiada agrupación.

Cuéntame un poco sobre la pieza que estrenaste esta noche.

Esta pieza está basada en una obra de piano del compositor Robert Schuman, que es un compositor romántico. Es una pieza que siendo pianista yo estudié mucho y que me gusta. La inspiración está en la armonía de la pieza está extraída mañosamente de la pieza de Schuman pero sobre todo tiene que ver con un epígrafe de un pedacito del poeta Fr. Schlegel del cual extraje un último fragmento y es el título de la obra: "para aquellos que escuchan en secreto".

¿Desde que concibes la idea tenías en mente al ensamble Ónix?

Sí, definitivamente. Tenía que hacer una pieza para quinteto y era como parte de mi proyecto de beca del Sistema Nacional de Creadores y durante el segundo año estaba pendiente una obra para esta agrupación.

¿Y qué pasa ahora que la escuchas completamente realizada?

Hay cosas que me gustan mucho. Es emocionante tener el trabajo que uno en silencio y de pronto haberlo visto ya en vivo, es un regalo. Sobre todo en manos de personas tan profesionales. Esta pieza se la van a llevar de gira a Estados Unidos la van a tocar unas 3 veces y luego la tocarán en el Colegio Nacional que es un marco muy importante para la música contemporánea.

¿Qué otros proyectos estás realizando?

Me encuentro haciendo una pieza de guitarra que es un encargo de Maestro Raúl Zambrano. También dentro del proyecto de la beca. Ésta tiene una inspiración completamente diferente en una música medieval del Siglo XII.

¿Qué riesgo se corre al componer ‘bajo pedido’?

Más que riesgo es una bendición, ya que es una colaboración. Normalmente son amigos los que te conocen y te piden la obra y tienes siempre la posibilidad de trabajar con ellos en un ambiente cordial donde si uno decide hacerle cambios a la obra para que mejore, siempre es posible esta colaboración que finalmente es muy importante. Con el ensamble Ónix esto se ha dado, una colaboración bastante estrecha.

En X aniversario de la Escuela de Artes Plásticas de la UAEM

Confluencias: música de nuestro tiempo, mesa redonda a 3 voces de compositores mexicanos contemporáneos: Lavista, Ortiz y Sosa

Blanca Ocampo

Toluca

En el marco del X aniversario de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM) se han llevado a cabo diversas actividades académicas, entre ellas la mesa redonda titulada "Confluencias: música de nuestro tiempo", con la participación de 3 destacados compositores en el ámbito nacional: Mario Lavista, Gabriela Ortiz y Rogelio Sosa.

Así, en el auditorio de la Facultad de Turismo de la UAEM, el lunes pasado estudiantes de las artes visuales tuvieron oportunidad de acercarse a la propuesta musical contemporánea desde la perspectiva de los propios creadores, un acierto sin duda que merece el reconocimiento a los organizadores, pues si pocas veces es posible escuchar el trabajo musical contemporáneo en las salas o foros, en menos ocasiones se tiene la facilidad de platicar con quienes se esfuerzan por ampliar el espectro sonoro en nuestro país.

La pregunta dirigida a los 3 participantes que dio cuerpo a la mesa redonda fue ¿qué está sucediendo con la música?

Mario Lavista, profesor del Conservatorio Nacional de Música, decidió primero dar una definición de la música contemporánea: "Sería aquello que pone en tela de juicio un lenguaje tradicional que conocemos como tonalidades", y para mejor comprenderlo hizo un símil entre arte figurativo y la música tonal, en contrapropuesta del arte abstracto y la música atonal.

Agregó que una de las características del fenómeno musical moderno es su pluralidad: "El hecho importante es que hay una multiplicidad de voces, lo que da rostro a la música contemporánea (...) En México sucede así, hay compositores con voces distintas buscando nuevas maneras de decir las cosas" y mencionó, entre muchos otros ejemplos no sólo de nuestro país, el caso de John Caige.

Por su parte, Gabriela Ortiz, quien ha dedicado parte de su trabajo al cine, apuntó que lo fundamental también en cómo el público asiste a los nuevos lenguajes musicales, donde la melodía, el ritmo y la armonía, si bien no están agotados aún, dejan lugar a otros parámetros y formas de construcción, tales como la densidad, el color, la textura, la dinámica y el volumen.

Asimismo resaltó la relación estrecha entre la música y la tecnología en la actualidad, cuando incluso "el ruido per se tiene un valor estético".

Todo lo cual, de acuerdo a Gabriela Ortiz, quien en 1990 obtuvo la beca del Consejo Británico para cursar estudios en The Guildhall School of Music and Drama, enriquece el panorama musical de hoy en día. Resaltando a su vez la nueva relación entre el intérprete y el compositor: "También hay evolución en los intérpretes descubriendo formas distintas y más ricas", propiciado por la construcción de nuevos instrumentos.

Ortiz, sin embargo, opinó que "la música orquestal tiene grandes rezagos", al no incluir en su repertorio estos nuevos lenguajes.

Rogelio Sosa, con la experiencia, entre muchas otras, de haber estado en el laboratorio de creación musical con el maestro Julio Estrada, explicó que el arte sonoro se vale de muchos medios para concretarse y que no necesariamente puede ser generado por músicos en el sentido estricto, entendiendo al arte sonoro "como una extensión de la música contemporánea".

A lo cual propuso un paralelismo, siendo difícil catalogar el fenómeno, el arte sonoro se acerca al performance, hablando del terreno de las artes visuales.

En opinión de Sosa, la aplicación de la tecnología abrió un campo amplio de posibilidades: "Se está gestando un interés por el sonido" que antes no había, en aras de una mayor precisión por parte de los compositores que apuestan por la utilización de nuevos medios de generar sonidos sin, necesariamente, el factor instrumental, sino por ejemplo de manera sintética.

En este sentido, Lavista agregó que mientras en la música instrumental es fundamental la existencia de la partitura y el intérprete, en la música contemporánea, en su mayor parte electroacústica y almacenada en modernos dispositivos, el proceso interpretativo se equipara al proceso creativo sin necesidad de una notación, el compositor va directo al oyente. Aunque también mencionó la existencia de una música mixta.

Luego de estas consideraciones, los compositores ofrecieron a los asistentes una muestra de su trabajo. Lavista dejo escuchar una pieza basada en el mito de Marcias –sátiro que retó al dios griego Apolo– para oboe y 7 copas de agua. Gabriela Ortiz expuso 3 de 5 partes con la intervención de una soprano y un cuarteto de cuerdas al que se integra la cosmovisión maya concentrada en el Chilar balam. Rogelio Sosa ofreció una composición para flauta y medios electrónicos, la cual fue calificada como la "más rabiosamente contemporánea".

Llega a Toluca un clamor artístico de paz

La World Peace Arte Exhibition 2006 llenará el vestíbulo del Museo de Arte Moderno del CCM

Silvia Márquez

Toluca

El próximo 21 de septiembre, el público mexiquense podrá disfrutar de obras plásticas que son un llamado a la paz mundial. La World Peace Art Exhibition en, en su edición 2006, llegará al Museo de Arte Moderno el próximo 21 de septiembre y estará abierta al público solamente por 4 días antes de comenzar un nuevo recorrido por el mundo.

En la misma fecha se inaugurará un mural donado por artistas japoneses al museo, ubicado en el Centro Cultural Mexiquense. Dicho mural está elaborado de piedra volcánica de la montaña más alta de Japón y está grabado con láser. El motivo que aparece es el mural "Guernica" de Pablo Picasso.

A partir de 1993, la World Peace Art Exhibition es un esfuerzo de un grupo de artistas japoneses que retoman el arte como un medio de expresión para pugnar la paz mundial. Después de exhibirse en Japón, Francia, China. Suiza, Cuba, Alemania, Turquía, Vietnam, India, Estados Unidos, Argentina y Noruega, llegarán a México 200 piezas de artistas contemporáneos.

En conferencia de prensa, el titular del Instituto Mexiquense de Cultura, Agustín Gasca Pliego, explicó que éste "es un movimiento artístico japonés que habla de la unidad en el mundo. La exposición (...) ha estado viajando desde hace 13 años por todo el mundo y por primera vez estará en México, derivado de la gran amistad que tenemos con el pueblo japonés, particularmente con la provincia de Kaitama, Urawa".

Yosuko Kobayashi, representante de la Asociación Internacional de Arte por la Paz (IPAA) dijo que el arte "es un lenguaje común para comunicar sentimientos, pensamientos y es el medio por el que se pretende dar un mensaje de paz", dicho sentimiento de paz por parte de los japoneses "no sólo es contra las armas nucleares, o las guerras mundiales. La mayoría de las generaciones del Siglo XXI son gente joven que buscar actuar más allá de recordar los eventos trágicos".

Kobayashi explicó que cada año hay un tema principal en la exposición, siendo el del año pasado la celebración del premio Nobel en Oslo, Noruega. Este 2006 se dedicará al aniversario de la Asociación México-Japón.

Por último Carlos Olvera Avelar, Director del Museo de Arte Moderno dijo que quienes habitamos en el mundo occidental "no estamos muy acostumbrados a ponernos frente a obras cuyos orígenes son milenarios. Vamos a estar frente a obras de arte que están profundamente marcadas por la filosofía, la cultura y la propia historia del pueblo japonés. Esta es una oportunidad excelente para los públicos que visitan este museo de tener la oportunidad de apreciar una panorama general y muy completo de lo que es el arte japonés contemporáneo".

Muestras de caligrafía, tradición pictórica japonesa, pintura japonesa hecha a "la manera occidental" y artesanía japonesa contemporánea componen la muestra (seleccionada por el Mtro. Luis Nishizawa) que en breve estará en otro lugar del mundo poniendo un grano de arena a los llamados por la paz.

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La World Peace Art Exhibition se ha presentado en:

1995 Galerie du Tamble, París, Francia

1996 Hong Kong Convention Center

1997 Palais des Nations, Suiza

1998 Capitolio, Cuba

1999 Kunsuthalle, Berlín, Alemania

2000 Cultural facility in the Dolmabahce Palace, Turquía

2001 National Art Museum, Vietnam

2002 Lalit Kala Akademi, India

2003 Landmarl on the Park, New York, USA

2004 Palais de Glace, Argentina

2005 Henie Onstad Kundtsenter, Noruega

 

 

 

La condición del arte electrónico en México

La conferencia dictada por José Luis Barrios, ahondó en la teoría, praxis y panorama de la práctica del arte electrónico en nuestro país

Silvia Márquez / Toluca

La Escuela de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México, comenzó su programa de actividades por los festejos de su décimo aniversario. El pasado viernes, el Dr. José Luis Barrios Lara acudió al auditorio de la Facultad de Turismo de la UAEM para dictar la conferencia "Arte y tecnología en la idea de la construcción contemporánea en México".

Barrios Lara, también director de la revista Curare, propuso un ejercicio de aproximación a algunos creadores que usan la tecnología en la producción artística. Por tal motivo, aludió a la sintomatología de la práctica del arte electrónico en México.

Antes de comenzar con el desarrollo de la temática, se sentaron las bases históricas en las que se habló de la estrecha correlación entre arte y tecnología. "Siempre han estado unidos, el uno sin el otro no existiría (...). Desde la elaboración de los pigmentos para la fabricación de pinturas se está utilizando tecnología, la relación no es nueva, es tan vieja como la historia de la humanidad" explicó Barrios.

De acuerdo con la postura teórica de Walter Benjamin, la tecnología produce una utopía (producciones de sueños y producción de ideologías). El sueño, visto como engaño, nos ayuda a percibir los procesos que vive la sociedad, mientras que la utopía está estrechamente relacionada con la producción ideológica. Ambos tienen como lazo de unión el discurso estético.

Uno de los primeros supuestos de la conferencia fue la construcción del artista. "¿Cómo se construye el artista en esta era de la globalidad y de sociedad de la información?" cuestionó el ponente. "Uno de los factores que se debe de tomar en cuenta es el movimiento de territorialización y desterritorialización. El modo de desplazamiento del artista gracias a la movilidad mundial física e informática".

En la actualidad, la complejidad de las artes tecnológicas apela no sólo a un sentido de la percepción, sino a la totalidad de la percepción.

A manera de ejemplificar lo anterior, los síntomas que manejó José Luis Barrios fueron los siguientes:

Primer síntoma

El video entre el documento y la fábula poética. Con el uso de material videográfico en las artes plásticas, el artista realiza un trazo que marca el camino entre la verdad y la ficción de la imagen en el mundo contemporáneo.

Silvia Gruner (artista contemporánea que reside en la Ciudad de México) logra explorar la función poética del video en tres ejes: el potencial, estético y poético. En sus trabajos de video-instalación se mueve entre el tiempo, el símbolo y el deseo.

Segundo síntoma

La telepresencia. Rafael Lozano-Hemmer presenta en sus trabajos una lógica de la complejidad y están basados en el uso de las matemáticas complejas. La formación de físico químico de Lozano-Hemmer lo lleva a realizar intervenciones interactivas en espacios públicos, normalmente usando nuevas tecnologías e interfaces hechos a medida. Utilizando robótica, proyecciones, sonido, conexiones de internet y celular, sensores y otros artilugios, sus instalaciones intentan crear "antimonumentos de agenciación alienígena". De esta manera convierte la expresión lúdica en expresión estética.

Tercer síntoma

El arte en la red. Como ejemplo de este síntoma, el artista Alfredo Salomón juega con los imaginarios en la simulación de los videojuegos. Él genera una acción cultural y política en los espacios virtuales de internet. Se ayuda de los conceptos de activismo y comunidad, así como del flujo de información lo que le permite crear "arte en red".

A través de un performance mediático pretende crear "espacios de tierra digital", evitando la política del mercado en los servers de internet.

Quinto síntoma

¿Por qué temer al futuro?. Carlos A. Morales trabaja con la imagen en movimiento bajo la técnica de stop-motion para crear mundos que cuestionan el carácter del ser por medio del video y la animación.

Arte contemporáneo Vs. Artes electrónicas

Las conclusiones de José Luis Barrios propusieron que la división entre los conceptos de arte contemporáneo y artes electrónicas se basan en que el primero responde a la lógica del mercado internacional, mientras que el segundo propone un trabajo en espacios de lógica experimental,

Presentando "Cerraduras, sombras y sentimientos"

Presentando "Cerraduras, sombras y sentimientos"

de Jesús Ricardo Vázquez

Silvia Márquez / Toluca

Arte-objeto llena la galería "Bateau Mouche" de la Alianza Francesa de Toluca.

La muestra cuestiona al visitante, quien en sus uso cotidiano, se apropia de objetos que dicen más que su propia esencia. Jesús Ricardo Vázquez retoma elementos naturales como madera, lodo, papel, caracoles y metales para mostrar "el secreto, la espera, lo escondido, el aprisionar, el sujetarse, el encierro, el descubrimiento, el crecimiento... la actitud de destrozar nuestros candados que atan el espíritu libre y creativo".

La profesionalización, una necesidad

La UAEM promueve el diplomado en gestión y manejo preventivo de bienes patrimoniales

Muchos nos hemos hecho sobre la marcha, pero creo que esa es una etapa que ya el Estado de México debe dejar atrás: Héctor Serrano

Blanca Ocampo

Toluca

El maestro Héctor Serrano, catedrático de la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM), anunció en conferencia de prensa la próxima apertura del Diplomado en gestión y manejo preventivo de bienes patrimoniales, el cual tendrá como sede principal la Escuela de Artes Plásticas a partir del 8 de septiembre.

El diplomado, que contempla una duración de 200 horas y un costo de 3 mil pesos (esto gracias al apoyo interinstitucional, pues el monto normal es de 10 mil), tiene como objetivo contribuir con el resguardo y manejo adecuado de aquellos bienes que tienen un valor histórico o artístico, es decir patrimoniales.

Esto a través de apoyar la "formación a nivel introductorio y brindar información básica sobre las medidas preventivas y correctivas que requiere el personal que, con distintos niveles de responsabilidad, resguarda, exhibe, clasifica, estudia, comercia, valúa o investiga obras patrimoniales, tanto a nivel artístico como histórico o monumental del Estado de México", explicó Héctor Serrano.

Si bien, aclaró que el diplomado no pretende hacer restauradores ni sustituir con 200 horas la preparación que da una licenciatura, sí persigue introducir a los asistentes en el ámbito de la conservación y prevención para no esperar a que el daño llegue a las obras patrimoniales y que la gente sepa cómo acudir a ciertas dependencias o instancias.

Por lo tanto, resulta importante para el investigador que miembros de las comunidades de nuestro estado, que tengan bajo su resguardo algún bien patrimonial, puedan acercarse también a este tipo de actividades interdisciplinarias convocadas por la UAEM, pues en tanto se cuente con información, se podrá hacer frente al robo y deterioro de piezas significativas: "Queremos convocar a la sociedad civil, no es un diplomado para especialistas", aseguró.

Respecto a los problemas que enfrenta la conservación de los bienes patrimoniales, Héctor Serrano mencionó el robo y el mercado negro:

"Lamentablemente el Estado de México y Puebla continuamente están sufriendo el robo de arte novohispano. Es ya alarmante el número de obras afectadas, tanto pictóricas como escultóricas; están devastando retablos, están mutilando templos que tienen un candado nada más en la parte exterior. Hay robo de piezas prehispánicas también, pero se ha acentuado últimamente este mercado negro de obras novohispanas que aparecen después en subastas de EU; es un comercio ya alarmante, pensamos que inclusive haya una plática con INTERPOL y que nos digan qué hilos se deben atar de inmediato para que una obra pueda ser detenida antes de que salga del país, por ejemplo".

Otro de los problemas que se desea disminuir es la intervención empírica de las obras, pues lejos de ayudar, la falta de profesionalización provoca daños irreversibles: "La gente de buena fe ha estado interviniendo obras y lo que hace son unos daños tremendos".

Luego de la conferencia de prensa, donde también participó Celina García, directora del Museo Universitario ‘Leopoldo Flores’, IMPULSO preguntó a Héctor Serrrano sobre el eje que ha logrado impulsar diplomados de este tipo en la UAEM, pues anteriormente ya se impartió uno en curaduría y otro más en historia del arte en México:

"Este esfuerzo en esta área específica permitirá que la Escuela de Artes pueda medir la respuesta para, en un futuro mediato, ver la posibilidad de incluir un posgrado más formal con algunos de los contenidos de este diplomado, pero ya en forma de una especialidad o, eventualmente, a futuro en una licenciatura".

Ante la necesidad urgente de profesionalización en esta área humanística, Héctor Serrano comentó a IMPULSO que el diplomado no sólo es para quien resguarda bienes patrimoniales, sino también para:

"Los que manejan obra en exposiciones, los que están laborando en museos, los periodistas, todos debemos tender a la profesionalización (...) Hay mucho empírico, personas que no tienen una formación y un perfil profesional adecuado para las funciones que están desarrollando; pero no es una crítica, yo mismo entré a manejar 2 museos sin tener mayor información sobre museología, por ejemplo. Y así como un servidor, yo creo que muchos nos hemos hecho sobre la marcha, pero creo que esa es una etapa que ya el Estado de México debe dejar atrás. Debemos entrar en una fase donde el artista es profesional, el crítico es profesional, el museógrafo es profesional; es decir, equipos multidisciplinarios y a la vez con perfiles ya de una formación universitaria".

A propósito de esta carencia profesional, platicó sobre una experiencia en Toluca:

"Sin decir nombres, en alguna ocasión a mí me comentó un directivo de una fundación muy importante de la ciudad de México que estaban haciendo una exposición sobre este gran pintor novohispano, Cristóbal de Villalpando, en el Palacio de Iturbide. Esta persona tenía noticias de que en Toluca había una obra de él. Vinieron a verla y la vieron tan intervenida, es decir con tanta falsificación –quisieron retocarla con pintura al óleo sin criterios de reversibilidad que es lo que manejan los restauradores con un sentido de ética muy serio–, y me dijo esta persona ‘maestro, fue una pena, desistimos de solicitar esa obra de Villalpando porque ya no es Villalpando, ya no existe’, se quedó en capas de alguien que de muy buena fe, muy bien intencionado y que seguramente no cobró por eso; pero que dañó para siempre una obra que es patrimonio de todos".

Por lo que afirmó: "Eso es lo que perseguimos con el diplomado: si alguien va a meter la mano debe ser un especialista y tener un perfil, y si no que no lo haga, que acuda a quien sí lo tiene".

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Instituciones y dependencias que participan en la realización del diplomado:

Por la UAEM:

Facultad de Arquitectura y Diseño

Escuela de Artes Plásticas (sede)

Dirección de museos universitarios

Además de:

Fundación UAEMEX

CONACULTA

INAH

Para complementar...

Si nuestros lectores se interesan en el arte novohispano, es momento de ir al museo ‘Felipe Santiago Gutiérrez’ del Instituto Mexiquense de Cultura (IMC), donde se exhibe una muestra de Museo Soumaya. O al museo de Bellas Artes, también del IMC, donde se resguarda ‘La sagrada familia’, obra de Cristóbal de Villalpando, la cual, puesto que en diversas ocasiones ha sido intervenida, ya cuenta con daños irreversibles, pero de buena fe.

Eblen Macari Trío: fusión postmoderna en Toluca

Eblen Macari Trío: fusión postmoderna en Toluca

El próximo 13 de septiembre, en la Sala Felipe Villanueva, el público toluqueño podrá disfrutar de la propuesta musical en la que confluyen la improvisación con exploración de lenguajes musicales de vanguardia y tradiciones sonoras milenarias

Silvia Márquez / Toluca

Uno de los primeros eventos organizados por la nueva mesa directiva de la Fundación "Amigos del Museo-Taller Nishizawa A.C.", es el concierto del Trío Eblen Macari.

En conferencia de prensa se anunció que el 13 de septiembre próximo a las 20:00 horas, los músicos se presentarán en la Sala "Felipe Villanueva" de esta ciudad.

Al respecto, Patricia Mawad, Presidenta de la nueva mesa directiva, dijo que la propuesta de Eblen Macari es "música contemporánea con un gran bagaje cultural".

El guitarrista mexicano de origen libanés, expresó su orgullo por participar en este concierto, que servirá para recaudar fondos para el Museo-Taller. "Somos un trío en el que nuestros orígenes libaneses nos han llevado a buscar otras músicas, pero sin perder la raíz mexicana que es de donde nacimos".

Sobre lo que ofrecerán para el público de Toluca, Macari señaló que será un "concierto especial en donde mezclaremos mis composiciones contemporáneas, para guitarra de 8 cuerdas, con las percusiones de Eblen Macari Martínez, mi hijo. Además tenemos la gran participación de Jesús Cuevas, músico de Hidalgo que se ha destacado por investigar muchos tipos de música y tocar instrumentos que son nuevos para el público: gaitas, no nada más celtas, sino húngaras, los kens de Egipto y Líbano, el daduk armenio, voces tibetanas, etcétera".

El programa que podremos escuchar próximamente ha sido tocado en "casi toda la República Mexicana, Canadá y Líbano". El plus de la presentación será la interpretación de composiciones recientes relacionadas con el conflicto en Líbano. "Costa Fenicia" es el nombre de las piezas que resultaron de la gira por el Líbano, más la inclusión de otras "que estamos haciendo a partir del evento triste que se lleva a cabo en dicho país, tan chiquito y tan frágil. La cuestión está más enfocada a la causa libanesa, sobre todo el homenaje a los niños que han muerto en el combate".

Posteriormente, el programa se tocará en Cincinnati, Estados Unidos para recaudar fondos para el Líbano.

El trío Eblen Macari está compuesto por el guitarrista, que ha incursionado en la composición de música de cámara, para planetarios y documentales y largometrajes; Jesús Cuevas, especialista en instrumentos de aliento y canto armónico y Eblen Macari Martínez, con influencias del jazz y rock que combina en los tradicionales djembé y darbuka.

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Boletos a la venta en:

Museo-Taller Nishizawa

Museo de Arte Moderno del Centro Cultural Mexiquense

El Laberinto

Rayuela

Shefali

Costo $80