Inundan de drama el escenario

Mujeres, de Clementina Guadarrama, estrenó temporada. El drama en escena y desenlaces predecibles son el leif motiv de la puesta

Por: Silvia Márquez / Toluca

Un estreno teatral más llegó a Toluca envuelto en las notas de Perfume de gardenias. Mujeres, obra escrita y dirigida por Clementina Guadarrama, abrió el telón, recibió a los espectadores en el Teatro de Cámara "Esvón Gamaliel" y comenzó el drama.

Al principio la propuesta del teatro-danza sirvió como lienzo perfecto para dar las primeras pinceladas de la historia, pero conforme los minutos pasaron, la trama fue cayendo en múltiples lugares comunes y pequeños desenlaces predecibles.

Mujeres enamoradas, hombres aprovechados y al final el drama doméstico del marido golpeador y la esposa ilusionada con que todo cambiará. A la par, una cuarentona que de fracaso en fracaso busca las respuestas a su soledad ante el paso de los años; después la violación, el maltrato psicológico y la búsqueda de valor en el exterior o salidas dignas de melodramas del Canal de las Estrellas. Mujeres es la carta de presentación de Talacha Escénica, grupo que no funcionará como compañía, sino como sociedad teatral que pretende acercar a "otro tipo de público" a los escenarios. Su papel es desempeñarse en la producción de obras teatrales, que irán más enfocadas a reflejar problemáticas sociales.

Bajo ese contexto, Mujeres se maneja desde lo didáctico, la unilateralidad del mensaje y el maniqueísmo en los personajes. La producción y algunos destellos en la actuación salvan la puesta, aunque no se puede pedir un gran despliegue actoral, ya que tienen que ceñirse a la tónica dualista de "los machos" y "las abnegadas".

Según Clementina Guadarrama, el maltrato a las mujeres trató de mostrarse con "un toque diferente", jugando con la propuesta de la danza en el teatro para "hacer la diferencia de lo que vemos en la televisión".

A pesar de que ha sido abordado desde hace varios años, Guadarrama dijo que "todos los temas ya se han visto, simplemente cada quien tiene una visión acerca de...". El mensaje lo califica como "directo", ya que esa "es mi posición (...) Quizás otros la entiendan o prefieran cosas diferentes, pero a eso estamos expuestos, el público dirá", explicó.

Ante el horario (lunes a las 18:00 horas y viernes a las 10:00) y la temática, Clementina dijo que "miedo siempre se tiene", pero esperan recibir a público estudiantil para mostrarle "que como parte integral de una comunidad, tenemos también derecho a la expresión".

En esta obra participan sobre el escenario Beatriz Monge, Clementina Guadarrama, Dolores Sánchez Vicario, Berenice Miranda, Ángel Aníbal Zamudio, Édgar Huitrón y José Juan Hinojosa.

“Ante la novedad, se nos olvida el público”: CG

Por: Silvia Márquez / Toluca 

Clementina Guadarrama, actriz y dramaturga, es también la directora artística de Talacha Escénica. Ella compartió que el grupo buscará un vínculo social y artístico "para abrir compuertas".

"La idea es que la gente pueda responder y que el teatro pueda generar sus propios ingresos, que no necesitemos tanto de la Universidad y que pueda patrocinarnos otra persona si le interesa nuestro trabajo (...) también que sea una sociedad que dé trabajo a diferentes tipos de actores, incluso a otros grupos", dijo.

El contexto en el que surge Talacha Escénica es de "bastante teatro, muchas propuestas, algunas novedosas, otras no tanto", con el problema de "que de repente no sabemos hacia dónde dirigir las obras".

"Cuando hacemos teatro lo hacemos para nosotros y no para la comunidad, por eso la gente no viene, porque no se siente identificada con lo que va a ver (...) Y no es porque las propuestas sean malas, simplemente es que a veces los grupos no saben cómo dirigirse a la sociedad y no son temas que les interesen", explicó Clementina.

"Con esta novedad de las propuestas a veces se nos olvida que hay alguien que es el que va a ver y que está ávido de que lo sorprendan. Si vienen y no los sorprenden, ya no regresan", dijo.

Es por eso que Talacha propone temas más cercanos, aunque con el riesgo de caer en los clichés. "Queremos ver si a través de este tipo de propuestas la gente se puede acercar, no sólo el sector estudiantil, sino otro tipo de público, porque cuando dicen ‘teatro universitario’ se asustan al pensar que ‘son raros los universitarios’".

El próximo proyecto de Talacha Escénica es sobre la mujer indígena y con Mujeres planean presentarse en Centros de atención a mujeres golpeadas.

Una mirada plástica

Arte mexicano

Por: Paul Achar

El Museo de Arte Moderno de la ciudad de México abre sus puertas a la exposición "Arte Mexicano" de la colección del Museo de Arte Moderno del Estado de México.

La muestra está conformada por 46 piezas de temas y estilos muy variados, que nos dejan ver la evolución de la plástica del siglo XX, desde el modernismo temprano con piezas de excelente factura de los maestros Ángel Zárraga y Roberto Montenegro, hasta obras ya maduras de grandes maestros de la segunda mitad del siglo, como Gunther Gerzso, Francisco Toledo y Pedro Coronel, entre otros. Es sin duda una exposición muy interesante que nos lleva de la mano a un viaje dentro de un viaje plástico de principios del siglo pasado hasta nuestros días.

A pesar del buen discurso museográfico que invita a repetir la exposición, debo mencionar que no entiendo cómo abren una exposición de arte mexicano con la obra del guatemalteco Carlos Mérida. Creo que sería más importante abrir la muestra con una pieza de cualquier maestro mexicano como los que están en la exposición: Montenegro, Zalce o María Izquierdo, que a mi juicio sus obras son de las mejores piezas de esta muestra. Si tanto les gustó la obra de Mérida, le hubieran puesto otro nombre a la exposición como "Arte mexicano y un guatemalteco" o algo así, creo que sería mejor omitir la pieza, aun cuando es muy buena y el maestro vivió la mitad de su vida en México hasta su muerte, pero hasta donde yo sé, no se nacionalizó y aun cuando así fuera creo que sería mejor abrir con alguien nacido en nuestro país.

A mi juicio, hay artistas con más peso y mejor factura para abrir un recorrido de arte mexicano, sólo tenemos que dar un vistazo a la exposición y verán con cuánta razón se los comento.

Además, en el resto del recorrido podemos encontrar la obra de otro extranjero: Arnold Belkin, artista plástico nacido en Canadá.

Pero entremos en materia. Lo que encontraremos en esta exposición son obras ordenadas cronológicamente, aun cuando el discurso rompe su continuidad para poder hacer comparaciones entre los artistas y así poder distinguir las influencias. Eso me parece interesante y debo felicitar a las curadoras, que son aquellas personas que seleccionan las piezas a mostrar. Ellas se coordinan con los museógrafos para crear la historia a contar y en esta ocasión nos dan la posibilidad de comparar a grandes maestros en sus discursos, su trabajo y en su similitud, dejando ver la escuela de cada uno. Considero que ya que pusieron un guatemalteco hubiera sido interesante jugar un poco más y hacer una comparación cronológica de lo que estaría sucediendo en Europa en esos mismos momentos y poder hacer una valoración más profunda de la muestra.

En la inauguración, el pasado jueves, comentaron las museógrafas y curadoras que una de las posturas que se utilizó para hacer la museografía era precisamente ir poniendo las obras que marcaban una similitud para poder hacer comparaciones de los lenguajes artísticos de una generación a otra. Aun cuando se trabajó cronológicamente, intentaron jugar con algunos tiempos para darnos la posibilidad de lo que se está hablando.

Sería interesante ver cómo dos expertas cuentan una historia; qué divertido hubiera sido haber visto a dos mujeres poniéndose de acuerdo en los criterios para dar el discurso de la exposición, pero seguro que lo lograron y lo lograron bien, pero juro que me hubiera encantado ver las discusiones y los gustos de cada una, conocer el discurso antes de ser expresado en esta magna exposición.

Vale la pena visitar esta exposición, así que ya saben: no pierdan tiempo y vengan. Estará hasta el 25 de noviembre, pero no dejen para mañana lo que puedan hacer el próximo mes, porque ya quedaría muy poco tiempo y con sus múltiples ocupaciones, que estoy seguro que tienen; si no la programan a la brevedad se va a ir y una más pasaría desapercibida. Hay que hacer un esfuerzo. El Museo de Arte Moderno de la ciudad de México ya lo hizo trayendo esta gran muestra en un esfuerzo conjunto con el Instituto Mexiquense de Cultura, que fue el que promovió esta oportunidad de tener parte de su acervo hoy en el Distrito Federal.

Hay que comenzar a visitar exposiciones para que desarrollen el gusto por la pintura. No les garantizo que a la primera exposición que vayan le van ha encontrar algo o les va a gustar, pero les aseguro que con el tiempo hasta podrán viajar dentro de esos mundos donde el espectador se hace uno con la obra. No se tiene que saber nada, sólo se tiene que disfrutar y si no les gusta cambien de museo o de exposición hasta que encuentren lo que es para ustedes y así lo puedan compartir.

Platicando mientras recorría la exposición, encontré un punto en común con uno de los visitantes de la muestra. Es muy triste ver cómo los museos del extranjero están abarrotados de personas tomando apuntes y sacándose la foto para presumir, ¿qué pasa con los nuestros? ¿No se siente bonito decir que visitaron una exposición fabulosa de grandes exponentes de la plástica mexicana o que descubrieron el talento de un joven pintor en una casa de cultura, el cual los motivó para iniciar su coleccionismo?

Ya lo dije antes: comprar arte no es comprar, es invertir; pero bueno, ya dejaré de soñar. Espero que cuando despierte las exposiciones tengan tanto éxito como el esfuerzo que se hace para llevarlas a cabo. De verdad cuestan mucho dinero y no nada más eso, estamos dejando pasar patrimonio universal frente a nuestras narices. Como siempre pasa, ya que se muere el artista o que en el extranjero lo beatifican, en ese momento hay que ver al gran maestro, ¿pero que nos sucede? Debemos formarnos un criterio plástico, veamos antes que el resto del mundo cómo se formaron esos que mañana serán los íconos de la plástica mundial.

Dense la oportunidad de decir "yo apoyé a ese artista cuando empezaba"; no es necesario comprar su obra para apoyarlo, pero si pueden qué mejor y si no, asistiendo a exposiciones es una forma, además de ir creando un ejemplo, para todos los que los rodean.

Yo sé que los que leen esta columna es porque están interesados en el arte y si de verdad están interesados hagamos fuerza, hay que crear una verdadera sinergia para que las autoridades se den cuenta del valor del arte en la vida diaria de cada individuo, démosle color y vida a las muestras, compartamos con las personas cercanas y enseñemos cómo es que se disfruta viendo, platicando y recreando historias a través del arte.

Heredemos una cultura del arte a nuestros hijos para hacer una historia llena de color, alegría y amor por la belleza, que es lo que da verdad y armonía a nuestras vidas.

Hoy es un buen día para dedicarlo al arte.

Habilidades ancestrales del país rojo

La música tradicional China llegó hasta la Sala "Felipe Villanueva"; el recorrido incluyó más de 8,000 años de historia

Por: Silvia Márquez / Toluca

Cientos de años antes de que la música europea comenzara su camino, la tradición China llevaba buena parte del recorrido con una compleja teoría musical; pero más allá de las diferencias entre Oriente y Occidente en ritmo, compás y tono, el sonido de instrumentos de cuerda, madera y percusiones es capaz de colocar al borde del abismo sonoro a más de uno.

El miércoles pasado, el Conjunto Mariposa, integrado por jóvenes de la Orquesta China Tradicional de Zhejiang, abrió la puerta a historias orientales contadas con instrumentos como el erhu, pi- pa, guzheng, dulcimer y suona, entre otros.

La tradición china llenó de misticismo y ligereza el ambiente en la Sala "Felipe Villanueva", que lamentablemente no registró una entrada considerable. Las notas alcanzaron a algunos cuantos cuando se abrió la primera parte del concierto con la "Alabanza para Jiangnan", pieza milenaria que tomó vida entre las manos de las jóvenes ejecutantes.

Poco después, la "Danza del pequeño arco iris" recibió entre cuerdas y vientos los pasos de la bailarina que recreó el baile de seres feéricos en los bosques de oriente.

En cada pieza, un cambio: de vestuario, de ritmo, de instrumentos. El recorrido de casi noventa minutos resumió más de 8,000 años de historia musical china. Ambientes campiranos, el renacimiento de los dragones y festejos populares; todo se unió en el prisma multicolor que propuso el ensamble musical de Zhejiang.

Para la segunda mitad, el sonido de los tambores se abrió paso entre quienes aún luchaban por llegar a sus lugares, pero sólo fue el preámbulo de una de las obras más íntimas de la velada.

"Dos fuentes reflejan la luna", obra contemporánea creada por un invidente, contó la historia de un hombre ciego y su lucha por la vida. La unión de voces del yang-chin, instrumento de origen persa que fue adoptado por China, y el erhu o violín chino, lograron el ambiente descriptivo de la emotiva pieza.

La combinación de baile, música y voces hizo de cada tema una alegoría de la vida cotidiana en China, lo que fue aplaudido por el público, que a su vez recibió como agradecimiento la interpretación de música mexicana en instrumentos chinos.

Después del color, el movimiento y las ejecuciones de las 12 integrantes del grupo musical, Ma Lin, ejecutante de erhu, dijo que la música que compartieron con el público mexiquense "es tan vieja como China, de miles de años atrás, como 3 a 4 mil años. Las flautas que vieron tienen una historia de 8 mil años, son elaboradas recientemente de acuerdo a las encontradas en excavaciones".

Además, aclaró que el Conjunto Mariposa está integrado por más de 30 personas, aunque la orquesta tradicional puede ser mucho más grande, por lo que "esto fue sólo una parte muy pequeña de lo que somos".

En esta gira por México, estuvieron en el norte del país donde se presentaron en el Fórum de las Culturas en Monterrey antes de llegar al Estado de México. Para este fin de semana tienen programadas presentaciones en Atizapán y Naucalpan, el sábado a las 20:00 y domingo a las 11:00 horas respectivamente.

“Acéfalo” el proyecto de la séptima generación de Artes

A partir del 3 de octubre en el Museo "Leopoldo Flores" exhibirá una obra en común de la séptima generación de la Escuela de Artes

Por: Silvia Márquez / Toluca

Sin cabeza, el cabello, los cortes, la recolección, materia orgánica colectiva. Conceptos enlazados que son el pulso de "una pieza de todos, una pieza de nadie, una pieza de algunos".

La definición de Jesús Antonio Morales, estudiante de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México, tiene que ver con el proyecto de despedida de la séptima generación de dicho organismo universitario.

Como se ha hecho desde hace seis años, el Museo Universitario "Leopoldo Flores" recibirá la muestra de egresados de la Licenciatura en Artes a partir del próximo 3 de octubre a las 18:30 horas.

Pero para este año no se ha preparado una exposición colectiva que presente obras de cada uno de los jóvenes. Más bien se exhibirá un proyecto en común, en el que "se aglutina una generación heterogénea", según Édgar Miranda, subdirector académico de la Escuela de Artes.

Dicho proyecto lleva por nombre "Acéfalo" y el concepto gira en torno a las ideas del escritor, antropólogo y filósofo francés Georges Bataille, quien considera que el acéfalo "es aquel que al dejar correr el flujo de sus sentidos en el abismo del instante pierde signo, pero que al regresar al sitio de los sueños, se desgarra, se corta la cabeza, mantiene su cabeza en la mano, actúa".

Esa "sensación de corte" fue explicada por Estefanía González, una de las involucradas en la pieza, quien piensa que "terminas la escuela, una Licenciatura en Artes, y dices ‘¿y ahora qué hago?, ¿me pongo a hacer bodegones o a vender separadores?’. Esto es una especie de nacimiento, una especie de corte, cortarnos la cabeza, cortarnos de la madre que es la escuela".

Esa ruptura, corte o separación que proponen no se queda en lo teórico, sino que "también está relacionado con el material, con la acción de cortar el cabello para cambiar. Lo que hicimos fue ir recolectando esa memoria de la gente que va a cortarse el cabello", explicó Florencia Alva.

Al final, cien módulos de cabello humano serán el juego teórico, que pretende volverse artístico. Más allá del fetichismo en estado puro, la pieza "no es una forma de representar (...) ahí está el fenómeno que presenta la materia tal y como es", dijo Jesús Antonio Morales.

La interpretación quedará sobre los hombros de cada visitante a la muestra (que estará reforzada por módulos interactivos para que el visitante se involucre con el "proceso creativo").

Las masas de cabello estarán a la vista con la difícil tarea a cuestas de tocar puntos sensibles, tanto en lo intelectual como en lo emotivo de cada persona que se acerque al "producto vivencial y personal".

Sin embargo, más allá de las teorizaciones del arte conceptual, los jóvenes se reconocieron a sí mismos como "un grupo que se caracteriza por individualista y apático", por lo que una vez que adquirieron el compromiso "se tenía que sacar" la exposición.

La pasión por el arte será la cuestión que se posará sobre la pieza. Quizás se resuelva el día de la inauguración; o tal vez, aún después, siga rondando en la mente de cada uno de los partícipes en el proyecto.

Silencios Estereofónicos

La UNAM obtiene el galardón de Patrimonio Mundial de la Humanidad durante su aniversario 456

Por: Félix Morriña

El pasado viernes 21 de septiembre, la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) cumplió 456 años de su fundación y lo celebró con la designación de un área de su campus como parte de la lista del Patrimonio Mundial de la Humanidad que otorga la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco), al recibir de manos del director general de ese organismo, Koïchiro Matsuura, el pergamino oficial que acredita dicho reconocimiento.

El mencionado director de la Unesco entregó el documento al rector Juan Ramón De la Fuente en una emotiva ceremonia celebrada en el campus de la UNAM.

Los dos funcionarios dieron a conocer una estampilla postal conmemorativa y develaron una placa alusiva al reconocimiento en la que se lee: "Campus Central de la Ciudad Universitaria de la UNAM. Patrimonio Cultural de la Humanidad".

Un espectáculo de juegos pirotécnicos y una exposición fotográfica sobre la construcción del campus acompañaron la celebración con la que dieron inicio los festejos conmemorativos.

La UNAM, fundada el 21 de septiembre de 1551, es "un organismo vivo y dinámico", sostuvo De la Fuente. Por su parte, Matsuura recordó que en la UNAM "están plasmados muchos de los profundos valores de excepcionalidad del arte mexicano" y es la "más grande exponente de la educación en México", indicó.

Al ser inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial de la Unesco, la CU "forma parte del selecto grupo de universidades del mundo consideradas como Patrimonio Cultural de la Humanidad, junto con la de Alcalá de Henares, en España, y la Universidad Central de Venezuela, en Caracas", destacó el centro académico universitario.

El reconocimiento incluye el primer circuito universitario, inaugurado en 1952 (entre los pocos patrimonios mundiales modernos) y sus más de 50 edificios dentro de la llamada zona núcleo, de 176.5 hectáreas, lo cual representa el 25 por ciento de las 730 hectáreas que comprende el campus universitario. La Ciudad Universitaria de la UNAM, que ingresó en la lista del Patrimonio Mundial el pasado 28 de junio, fue diseñada por un grupo de 70 arquitectos encabezados por Mario Pani y Enrique del Moral.

El campus está asentado sobre la lava petrificada del volcán Xitle, que hizo erupción hace 2.400 años.

El Comité de Patrimonio Mundial de la Unesco emitió la decisión durante sus sesiones que se realizan en Nueva Zelanda, con lo que se incluyó el llamado "antiguo casco" de CU. En el campus central se encuentran la Torre de Rectoría, la Biblioteca Central, las llamadas "islas", las facultades de Filosofía y Letras, Derecho, Medicina, Odontología, Economía, Arquitectura y la Torre II de Humanidades, así como jardines, entre otras construcciones.

Como límites de esta área se tienen: hacia el poniente, el Estadio Olímpico Universitario; al sur, las canchas de frontón y la zona deportiva; al oriente, la Facultad de Medicina, y al norte, los edificios de las facultades de Filosofía y Letras, Derecho, Economía y Odontología.

Al recorrer esta zona se puede contemplar la obra representativa del muralismo mexicano, tanto en la Biblioteca Central, cuyos murales fueron creados por Juan O'Gorman; los de la Torre de Rectoría, que son de David Alfaro Siqueiros -una de esas obras fue dañada durante la huelga universitaria de 1999-2000-; los del estadio, realizados por Diego Rivera, además de obras de otros muralistas como Benito Messeguer, Mario Omar Falcón, José Chávez Morado, Francisco Eppens Helguera, Federico Silva, Mathías Goeritz y Guillermo Ceniceros.

Recientemente la institución ha sumado un conjunto de reconocimientos internacionales, como estar entre las 100 mejores universidades a escala mundial, en el sitio 74, y ser la primera de Iberoamérica, "demostrando así su liderazgo educativo, científico y cultural". Es la más grande del país, con una matrícula de 290 mil alumnos y una planta académica que alcanza 33 mil 500 profesores e investigadores, además de que 50 por ciento de la investigación que se realiza en el país se genera en su seno. Promueve, además de la investigación, la ciencia, la tecnología, la cultura, la academia y el deporte.

El 18 de julio de 2005, Ciudad Universitaria fue declarada Monumento Artístico de la Nación y con este reconocimiento consigue la máxima categoría a escala mundial, después de casi cinco años de gestiones realizadas por la universidad, tanto en el ámbito nacional como en el internacional. La categoría de Patrimonio Cultural de la Humanidad se le otorgó a CU al demostrar "de manera sobresaliente" la consolidación de la arquitectura moderna en América Latina, con acentos locales, además, de que se ejemplificó el desarrollo de la ingeniería aplicada a la construcción, así como la "extraordinaria" planificación urbana, con base en el paradigma del urbanismo y el funcionalismo modernos con reminiscencias de la arquitectura prehispánica.

Este lugar ha sido escenario de varios movimientos estudiantiles trascendentales para la vida del país, como los de 1968, 1971 y 1986-1987 (en la que este interlocutor participó, siendo rector Jorge Carpizo McGregor y en la que se vio "boletinado" por varios años, gracias a las intervenciones de las entonces autoridades y amenazado con jamás obtener méritos académicos, titulación y demás beneficios a los que tengo derecho. Para mi fortuna, eso quedó en el pasado), y de la última huelga estudiantil de 1999-2000, lo que significó el paro de actividades más largo en la UNAM, así como de innumerables actos políticos y sociales.

Esta zona de Ciudad Universitaria es de los pocos espacios arquitectónicos modernos a los que se ha otorgado dicho reconocimiento. Hace pocos años que la Unesco incluyó el patrimonio moderno entre sus reconocimientos, entendiendo por éste a aquellos elementos materiales e inmateriales creados en épocas recientes.

El campus de la UNAM se convierte así en el octavo sitio moderno en obtener dicho nombramiento internacional, pues en la anterior lista se encontraban la ciudad de Brasilia, Brasil; la Bauhaus, de Alemania; la casa Schröeder, de Holanda; la Ciudad Universitaria de Caracas, Venezuela; la Casa Tugendhat, en Brno, República Checa; la Ciudad Blanca, en Tel-Aviv, Israel, y la Casa Estudio Luis Barragán, de Tacubaya, México.

Dicho conjunto ilustra una etapa significativa de la historia de México al fundirse ahí el humanismo, las artes, la tecnología y la arquitectura en un momento clave de la historia de la cultura universal: la mitad del siglo XX.

La Unesco inició esta serie de reconocimientos en 1978, y hasta antes de su más reciente sesión contaba con un total de 830 bienes (hasta mayo de 2007), divididos en tres grupos: 644 culturales, 162 naturales y 24 mixtos. Únicamente ocho de todos los anteriores corresponden a bienes patrimoniales de la modernidad del siglo XX.

El Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), la Dirección de Patrimonio Mundial, el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), la Secretaría de Educación Pública (SEP), la Comisión Mexicana de Cooperación con la Unesco y el Comité Internacional de Sitios y Monumentos fueron algunas de las instancias que se sumaron al apoyo a la candidatura del campus universitario, hasta llegar a obtener el apoyo del Centro de Patrimonio Mundial de la Unesco, con sede en París, Francia.

La grandeza de la UNAM destaca al recordar que los mexicanos galardonados con el Premio Nobel proceden de esta universidad: Octavio Paz (Literatura), Alfonso García Robles (Paz) y Mario J. Molina (Química); todos los connacionales que han obtenido el Premio Príncipe de Asturias son egresados de esta institución: José López Portillo, Emilio Rosenblueth, Pablo Rudomín Zevnovaty, Marcos Moshinsky, Francisco Bolívar Zapata, Ricardo Miledi, Juan Rulfo y Carlos Fuentes; además de que todos los mexicanos distinguidos con el Premio Cervantes -considerado el más importante de la lengua castellana- son universitarios: Octavio Paz, Carlos Fuentes y Sergio Pitol.

Además de CU, dos sitios naturales y 13 culturales fueron integrados a dicha categoría, durante la sesión; entre éstos está el Fuerte Rojo, de la India, y el Centro Histórico, de Burdeos, en Francia.

Para todos los que somos universitarios, egresados o en proceso de la UNAM, para todos los que somos Pumas de corazón, para todos los que vivimos a diario con la consigna del maestro José Vasconcelos de "Por mi raza hablará el espíritu", sirva esta columna para recordarnos que esta noticia nos motiva a ser mejores seres humanos y para sentirnos orgullosos de nuestra mexicanidad. ¡Goya, Goya! Cachún, Cachún ra, ra. ¡Goya, Universidad!

Silencios Estereofónicos

Hernan Hecht, una mezcla de hard pop, free jazz, jazz tradicional y música aleatoria en el Rojo Vivo Pub de Metepec

 

Por: Félix Morriña

 

El baterista de jazz argentino Hernan Hecht es en el mundo de la contemporaneidad cultural una de las figuras serias del género de la síncopa en habla hispana. Es una figura connotada y respetada, como querida en el jazz hecho por latinos, aunque no haga precisamente jazz con esa tendencia. De hecho, no le gusta que lo tilden de músico encasillado en un estilo único y exclusivo, porque prefiere ser calificado como una mezcla de hard pop, free jazz, jazz tradicional y música aleatoria como electrónica.

Hernan (así, sin acento), es también uno de los músicos que en más proyectos trabaja en la actualidad, ya sea bajo su propia cosmovisión sonora y directiva, como en la experimentación musical ajena al modus operandi y vivendi de los demás músicos tradicionales jazzistas. Colabora en muchos proyectos semejantes o similares a su forma de ver el mundo del jazz o de la música contemporánea.

Hecht es un ser con una disciplina que pocos ejercen dentro del poco espacio existente para el jazz en México y eso lo podrá constatar el público conocedor y amante del jazz que se dé cita la noche de este jueves 27 de septiembre en el Rojo Vivo Pub de Metepec (ubicado en la Avenida Estado de México #433, Metepec, México, a un costado de la gasolinería de La Virgen y a 100 metros de Radio Mexiquense).

Le informo que el baterista Hernan Hecht se hará acompañar en esta ocasión de su Gru-B Project, en el que participarán Lary en la guitarra, Aarón Cruz en el bajo y Chatrán en las percusiones. La cita será a las 21 horas y el cover para este único concierto de este cuarteto será de 50 pesos más el consumo que usted haga de los alimentos y bebidas de calidad que ahí se ofrecen.

 

Perfil de un mago de las baquetas

Este bataco nacido en el 18 de junio de 1975 en Buenos Aires, Argentina, es también compositor y diseñador reconocido entre la comunidad musical. Cursó la carrera de Performance en Batería (así indica su propia página de Internet) en el Instituto Tecnológico de Música Contemporánea (ITMC) con profesores de talla nacional e internacional como Héctor Ruiz, Sebastián Peyceré, Jorge Araujo, Carlos Riganti y Fernando Martínez en batería; Alberto Caletti y Juan Raffo en audio perceptiva y armonía.

Tomó clases particulares de batería con Pablo LaPorta. También ha participado en Master-Class y seminarios internacionales a cargo de músicos del nivel de Alex Acuña, Will Kennedy, Hill Bruford, Pat Masteloto, Allan Holdsworth, Gary Husband, Danny Gotillieb, Mike Stern, Joel Heredia, Joe Zawinul, Alphonso Jonson, Makoto Ozone, Jhon Scofield, Giovanni Hidalgo, Dave Weckl y Clarence Penn. Como podrán darse cuenta, puros monstruos del jazz, del rock progresivo y de la música contemporánea.

Realizó cursos en 1995 en la Universidad de Berklee en Argentina y en México en 1997. Además, le da tiempo de ejercer la docencia particular e institucional (lo ha hecho desde 1994) en el ITMC de Argentina, la G. Martell, la Fermatta y el DIM de México, aparte de las clases particulares. Vive bien este joven treintañero con excelente futuro en otros continentes. Seguro algún karma ha de estar pagando para seguir viviendo en México con ese currículum. De eso seguro nos hablará mañana cuando se presente en Metepec.

Hasta el momento ha grabado más de 40 discos en México, de los cuales 12 están editados en diferentes partes del mundo, entre los cuales se encuentran bandas sonoras de películas como "Amores perros", "De la calle" y "Amar te duele".

Ha trabajado como músico de sesión acompañando a Cristian Castro (¡señores, el dinero sirve para mantenerse y mantener proyectos!), Miguel Botafogo, Ely Guerra, Shakira, Lila Downs, Magos Herrera, Heder & Queso, Álvaro Abitia, Pulpo, Edgar Oceransky, Ragazzi (¡les digo que el dinero salva vidas!), Sánchez & Ruiz, Hebe Rosell, entre otros.

 

Su proyecto X-Pression Quartet

El grupo se forma a comienzos del 2003, por la iniciativa de Hernan Hecht, al querer profundizar más en las posibilidades que el jazz contemporáneo ofrece, dejando claro que la música del cuarteto es una fusión de estilos sin caer en lo que hoy es llamado Jazz Fusión.

El cuarteto está conformado por Gabriel Hernández en el piano; Fender Rhodes y Ken Basman en las guitarras; Aarón Cruz en el contrabajo y Hernan Hecht en la batería. Todos talentosos músicos activamente propositivos dentro de la escena del jazz en México.

La propuesta principal del grupo se basa en el "interplay", uno de los elementos más importantes que se desarrollaron en todo el proceso creativo que aportó el jazz al siglo XX, donde cada vez más se pueden percibir las actitudes humanas transformadas en lenguaje o sistemas de comunicación.

De esta manera es como un grupo puede profundizar no sólo en un estilo musical, sino en su capacidad personal de comunicarse, dándole a la música intensidad, humor, contemplación, sinceridad, lógica, originalidad, complicidad, entre otros aspectos en esencia y todo tipo de buena actitud humana.

El grupo se ha presentado en el Festival Jazz Hábito, Papa Beto Jazz Bistro, El Convite, ArtLife JazzFest, Jazzorca, Festival del Sur (Argentina), Notorius, Festival de Jazz de la Escuela Superior de Música 2003, Festival Internacional de Jazz Alternativo en Guadalajara, Festival Internacional de Puertas de Las Américas, Festival de Jazz Tlalpan 2004, Festival Internacional de Morelia, Festival Internacional de Mérida, Festival de Jazz de Campeche y fue invitado al Festival Internacional Heineken en Tailandia y al Festival "Patagonia Jazz" en Argentina.

No me queda más que decirles que disfruten de este concierto en el Rojo Vivo Pub.

Las razones del diablo

Silencio por Marcel

Por: Dionicio Munguía J.

Esta nota tendría que estar en blanco. Debería escribirse con la mímica de Bip, el personaje de Marcel Marceau. Sólo las señas de alguien que pasó su vida en silencio, frente al público, fascinando con su trabajo artístico. Sí, este año se ha llenado de muertes innecesarias, pero al fin y al cabo, muertes. Marceau, Pavarotti, Bergman, y todos aquellos que en estos meses se adelantaron en el camino. Es triste llenar de obituarios esta columna, pero los que se murieron tuvieron algo que ver con lo que aquí intentamos hacer: cultura.

Hace muchos años que vi a Marcel Marceau en Bellas Artes. Su figura un tanto triste aparentemente no llenaba el escenario; era tan pequeña, tan mínima, que el teatro se volvía inmenso conforme esperábamos el inicio del espectáculo. Muy pocos de los que esperaban se habían dado cuenta que el mimo tenía ya un buen rato en el escenario. Sólo hasta que apagaron las luces de la sala se dieron cuenta de lo que pasaba en el escenario.

Sorprendido, desde el momento en que me senté en el lugar pagado, vi la figura en el centro del escenario tan quieta, sin movimiento, que pensé era un maniquí. Fue sorprendente contemplarlo. Nada cercano se comparaba con la calidad de Marceau, nada, ni los mimos que habían aparecido con cierta fama en el espectro de nuestro país.

Yo miraba con cierto placer y respeto, con la certeza de que ya no lo volvería a ver en vivo nunca más, como finalmente sucedió. Y en ese momento no era por la cercanía de su muerte, sino por la certeza de que los precios de entrada subirían demasiado para el pobre presupuesto de un jodido artista que no vivía en la ciudad de México. Y tal como lo había predicho, nunca pude volver, en los dos o tres ocasiones después de ese año que volvió el mimo francés a México.

Sólo me quedó el placer de verlo por televisión, videocasetes o ya modernamente en dvd’s. No había ni hubo otra forma de verlo en vivo. Y definitivamente enterarme de su muerte fue un duro golpe a mis recuerdos, a la memoria que se ha ido acumulando con el paso del tiempo y que, en ese instante, brotó como disco duro siendo limpiado, mientras aparecen archivos que no usaba nadie.

Y si Marcel decidió dejar este mundo, su recuerdo y Bip estarán siempre a nuestro lado, en la pantalla de cine o televisión, en dvd’s o vcd, o lo que de pronto salga para capturar esos recuerdos.