Pintar con alas

Dos jóvenes artistas muestran las capacidades diferentes que poseen para expresar sus emociones a través de la pintura

Por: Tlaneci Ortega / Toluca

Fortalezas del espíritu es el título brindado a la muestra de pinturas creadas por María Alejandra Nava Neri y Jorge Alberto Díaz Simental, dos jóvenes artistas con discapacidad.

El nombre de esta presentación refleja precisamente la fuerza y la fe que los pintores han tenido para asumir las fronteras físicas que se les presentan y para vencer las limitaciones que sus discapacidades pueden imponerle a su cuerpo pero no a su alma creadora.

"Cada vez que tomamos un pincel y plasmamos una imagen en el lienzo expresamos lo que somos, nuestras emociones, nuestra fortaleza para seguir adelante a pesar de todo, porque en la vida todo se puede", expresó Nava Neri tras dar una muestra de su capacidad para pintar con la boca en la ceremonia inaugural.

"Al observar a mi alrededor quedo maravillada (...) y no pienso en las limitaciones que tenemos, porque la discapacidad no es un castigo: es un reto de vida para salir adelante", sostuvo la pintora, quien además forma parte desde hace dos años de la Asociación de Artistas que pintan con la boca y el pie.

Al referirse a su principal instrumento para pintar, María Alejandra Nava está convencida de que "con la boca no solamente se pueden expresar palabras, frases dulces o hirientes, poemas o encendidos discursos, sino que por medio de ella también se puede desarrollar todo un paisaje pictórico".

Asimismo, Nava Neri hizo un llamamiento a la sociedad a unirse a la lucha por suprimir la discriminación hacia las personas con discapacidad física o mental, pues "tenemos capacidades diferentes, como cualquier ser humano".

Al presentar sus obras, Jorge Alberto Díaz Simental hizo una descripción detallada de éstas y él mismo las reconoció como "paisajes hermosos". A través de la pintura, el artista revela "su amor por la naturaleza".

Actualmente, ambos artistas se encuentran estudiando para perfeccionar su técnica como pintores, a la vez que desarrollan otras actividades en lo cotidiano.

María Alejandra Nava Neri ha recibido enseñanzas de maestros del arte en el Estado de México como Rafael Huerta Carreón, Luis Nishizawa Flores y Norberto Quintín Valdés López.

Asimismo, la artista ha recibido el apoyo de la Asociación en la cual participa a través de la promoción de su trabajo a nivel internacional, específicamente en Suiza, Estados Unidos y Reino Unido.

La exhibición permanecerá en la Biblioteca Central Estatal del parque Urawa hasta el 26 de octubre.

Profesionalizar la administración del patrimonio cultural

Junto con otras instancias, la UAEM inicia un diplomado para hacer frente a la falta de expertos en gestión y manejo de bienes patrimoniales

Por:Tlaneci Ortega / Toluca

Con intenciones de promover una profesionalización que permita una adecuada gestión y administración de bienes patrimoniales y de fomentar la participación de la comunidad en la conservación y difusión de éstos, la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM), en un esfuerzo conjunto con otras instancias -el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), el Museo "Leopoldo Flores" y la Fundación UAEMex-, inició el pasado 22 de septiembre el Diplomado en Gestión y manejo de bienes patrimoniales.

De acuerdo con José Luis Vera Jiménez, director de la Escuela de Artes de la UAEM, este diplomado pretende responder, como otros programas de especialización universitarios, a una problemática social que en este caso se refiere al patrimonio cultural. Además, como su nombre lo indica, con la emisión de dicho curso se espera atender necesidades "ligadas a la profesionalización en la investigación, valoración, conservación, educación y difusión de bienes patrimoniales", informó.

Para las instancias organizadoras del curso, prima la idea de que "la valoración del patrimonio cultural no sólo debe quedar entre especialistas", sino que debe difundirse y extenderse a toda la comunidad para que se tenga conocimiento al respecto de la conservación y el manejo en general "de lo que es nuestro, sobre todo nuestro país, que tiene una riqueza cultural maravillosa y singular", expresó.

En este sentido, Vera Jiménez hizo hincapié en que se debe tener consideración del valor de nuestro patrimonio en función de lo artístico y cultural, así como de lo económico.

Con el plan de estudios, el cual será impartido por personal del Conaculta, el INAH y la UAEM entre otras instituciones, se aspira entonces a lograr la capacitación de quienes dirigen o se encargan de la gestión de sitios y objetos que forman parte del patrimonio histórico y cultural del país.

A diferencia de la primera emisión de este diplomado, la cual se planeó para un público más amplio, en esta ocasión se busca la integración de personas inmersas en disciplinas cuyo perfil se encuentre ligado a "la producción artística, la difusión cultural, la conservación, gestión o restauración de bienes patrimoniales, así como a la museografía, museología, e incluso a la arquitectura".

Además, reveló que el curso, cuyas sedes son la Escuela de Artes, la Facultad de Arquitectura y Diseño y el Museo "Leopoldo Flores", tiene la intención de cumplir una función interna y social, puesto que está pensado también para la propia capacitación de la gente que trabaja en las instancias que convocan al mismo.

La intención general de este curso es hacer frente "a la falta de promoción a nivel estatal y nacional acerca de la formación de profesionales en estos campos", pues regularmente quienes se encargan de tomar decisiones respecto a la conservación, manejo y difusión del patrimonio cultural de nuestro país "son las personas menos capacitadas". A lo anterior se suma el hecho de que en México no se tiene una cultura de cuidado y apreciación de estos bienes; "al contrario, con frecuencia nos enteramos a través de los medios de comunicación sobre los robos, saqueos y daños que sufren", señaló.

Asimismo, Vera Jiménez explicó que el curso, aunque es "muy general, casi una introducción a esta área del conocimiento tan amplia" incluye temas fundamentales de la misma. Mencionó además que el diplomado es la antesala para la creación de una Licenciatura en Restauración, en la cual está interesada la UAEM. Sobre este tema, dejó en claro que la viabilidad de dicha licenciatura aún se encuentra en un proceso de diagnóstico y análisis, en el que se considerarán los recursos económicos y académicos necesarios, además de un seguimiento de los egresados de este curso en sus dos emisiones. Indicó que en la etapa de diagnóstico de los programas de estudio se tiene contemplado un perfil de ingreso pero también de egreso, para vislumbrar los posibles niveles de inserción en el ámbito laboral de quienes cursan estas carreras.

"La necesidad está presente y la Universidad cumple su función de formar gente capaz de atenderla, pero son las instancias gubernamentales o privadas quienes no contemplan el perfil profesional de quienes emplean. En nuestro país, esta problemática de desempleo tiene muchas aristas y no sólo ataca a este tipo de profesiones".

En su opinión, se trata de proponer alternativas a la educación y a la solución de problemas en áreas del conocimiento que han sido poco consideradas y, por otro lado, de buscar caminos que permitan el avance en el cuidado y valoración de nuestros bienes patrimoniales.

Declaró que para hacer real la instauración de este nuevo plan de estudios, se pretende la integración de varias disciplinas y recursos humanos de esta misma universidad, principalmente. Aquí cabría la participación de la Escuela de Artes y varias facultades, como la de Arquitectura y Diseño, Humanidades, Química e Ingeniería, sin descartar el apoyo de otras instituciones.

Finalmente, puntualizó que la realización de este segundo curso se debe a los logros de la primera emisión del diplomado a nivel universitario. "Lo que falta ahora es crear un seguimiento de los egresados para evaluar lo que están haciendo y de qué forma ha servido este curso a la sociedad".

Mantarraya

La predominancia del silencio

Por: Heber Quijano

 

Estamos acostumbrados a alabar la palabra, acostumbrados a referir el mundo a través de significados referenciales, la base primordial de la lingüística de Saussure, acostumbrados pues a estructurar el mundo verbalmente, así, hemos hecho del silencio un lugar inhabitado, distante y pedestre. Incluso en la vida cotidiana el silencio se ha convertido en un lugar, por paradójico que suene, en el que no ocurre nada, en el que uno está desorbitado o indefenso, vulnerable, indemne, ya sea en el "silencio incómodo" o porque "el que calla otorga", pierde. A pesar de que "una imagen vale más que mil palabras" (lo cual es muy dudable), una fotografía está descontextualizada y vive casi en un limbo si no tiene un pie de foto en el cual se esclarezca su ser, lugar, fecha o referencia, como ha señalado Bourdieu. En la música, nos extraña escuchar una canción sin letra, a pesar de que el principio fundamental de la música es el silencio mismo, tan magistralmente utilizado por Mahler, por ejemplo.

Pero hablemos ahora de lo importante: Marcel Marceau y la pantomima. Con gran consternación descubrí hace unos días que el gran mimo había fallecido y me reproché con ahínco el no haberlo visto nunca "actuar" en vivo. Heredero de la gran escuela francesa, Marcel se convirtió en un ícono, en el gurú mayor de la pantomima; su Monsieur Bip sólo puede tener un lugar en nuestros altares privados, al lado de Andrés Bustamante, el Güiri Güri, Cantinflas antes de su etapa moralina, Andy Kaufman, los hermanos Marx, Buster Keaton y Charles Chaplin; estos dos últimos fueron una motivación para el Marcel.

Gran crítico desde su trinchera, sobreviviente de la Segunda Guerra Mundial, hijo de un padre exterminado en el holocausto, Marcel Mangel usó el Marceau en homenaje a un militar que vinculó las fuerzas del general estadounidense Patton con la Resistencia francesa, de la que él era partícipe. La capacidad de expresar sentimientos, de hacer poesía con los gestos y con la imaginación hizo de Marcel un héroe del silencio, le devolvió la dignidad expresiva que tanto ha perdido en la risible comedia televisiva.

Es un buen momento para redescubrir la pantomima como parte fundamental de la actuación y de la danza. Aprovechando que hace poco tiempo estuvo Jean Bernard Laclotte en Lumbrales, podemos reivindicar a Alfonso Vírchez, quien también participa de este lenguaje silente, y de paso al teatro universitario que hace grandes esfuerzos para poder presentar obras que si bien no siempre cumplen con las expectativas de calidad, sí nos sorprende en muchas ocasiones y de manera muy grata. Vayamos a disfrutar del arte que tenemos cerca y a la mano: no es necesario cruzar el verde muro de Berlín, como precisamente le decía un amigo teatrero, que es la Marquesa.

 

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3ª Bienal de Arte Universitario en su fase final

Lo que se logró con esta edición de la Bienal Nacional de Arte Visual Universitario fue crear polémica al transformar la forma en que se crea este tipo de concursos

 

Por: Tlaneci Ortega / Toluca

 

Desde su primera edición, en 2003, "la Bienal Nacional de Arte Visual Universitario tuvo como propósito capital el estudio del amplio panorama de la creación artística en el ámbito académico del estado y del país", dijo el director de la Escuela de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM), José Luis Vera.

En 2007, con la tercera emisión del concurso, los alumnos y académicos de las escuelas de artes de México participaron con obras realizadas en cualquier técnica, soporte, material y tema. En la convocatoria se especificó que cada artista debía ubicarse él mismo en una de las tres categorías previamente establecidas por los organizadores, a saber: Corazón, Mano y Ojo.

Sobre esto, Vera Jiménez explicó en entrevista con IMPULSO que la intención de esta clasificación de proyectos fue la de "valorar tanto las intenciones del autor como la forma, la materia, la técnica y su argumento".

Destacó además que el desarrollo de esta Bienal es innovador en diversos sentidos, tanto en la clasificación de las obras participantes como en el proceso mismo de planeación del certamen, pues hubo además un concurso previo para la selección del jurado.

Las modificaciones realizadas por la Escuela de Artes suponen la concepción de un certamen diferente, "inédito", pues no se pensó en función de la cantidad de propuestas que se esperaba recibir. "El cambio se hizo más bien con la intención de observar la reacción de quienes se encuentran en el ambiente de la producción artística visual ante el rompimiento de un esquema establecido en este tipo de concursos", señaló.

Según Vera, lo que se pretendía desde un principio y se logró con la Tercera Bienal Nacional de Arte Visual Universitario fue crear polémica al transformar la forma en que se crean estos concursos y en que se eligen a las personas, quienes se encargan de evaluar los proyectos participantes. "A pesar de tal polémica suscitada por el desarrollo de esta Bienal, hubo mucha gente interesada en participar", expresó.

Comentó además que una de las principales problemáticas que se deseó atender con la realización de esta bienal "inédita" fue la valoración de "los espacios de legalización o de reconocimiento de las obras artísticas, pues "en un mundo tan subjetivo es necesario cuestionar quién califica el arte, quién decide qué obra está bien y bajo qué tipo de parámetros se toman esas decisiones".

De hecho, considera que de las tres formas de clasificación que se establecieron en esta convocatoria, emanan criterios acertados para valorar una obra artística. Dichos criterios tienen que ver "con el espacio subjetivo del artista, con el espacio tradicional referente a lo formal y la técnica de la obra, y con los procesos de producción artística relativos a lo virtual y a lo conceptual".

Insistió en que es necesario construir de forma diferente este tipo de concursos, "hacer un cambio en las jugadas", pues en un contexto académico crítico "planear una bienal no tendría sentido sino tiene una intención de cuestionamiento".

En cuanto al tipo de obras que fueron recibidas, mencionó que hubo variedad en el registro de proyectos, puesto que se pueden hallar entre ellos "tanto las formas tradicionales de las artes plásticas como las formas más recientes de arte visual". Señala que fueron percibidas 500 obras, entre las cuales existen pinturas, fotografías, gráficas, performance y videos.

Al respecto, comentó que en comparación con las bienales anteriores, en esta última creció el número de recepción de videos, lo que obedece, desde su perspectiva, a un establecimiento y afirmación cada vez mayores del empleo de medios electrónicos para la producción artística.

Recordó que el límite para la recepción de proyectos fue el pasado mes de agosto, de entre los cuales ya hay una preselección e indicó que será hasta el próximo 28 de septiembre cuando se conozca la selección final y se otorguen los premios respectivos.

Finalmente, comunicó que se planea la creación de un "catálogo-memoria" y que el lugar de exhibición de los proyectos, por segunda ocasión, se llevará a cabo en el Museo "Leopoldo Flores".

Escaramuza

Los artistas mexicanos, un grupo vulnerable

Por: Polo Castellanos
 

Resulta alarmante la situación de los artistas en nuestro país según un informe del Observatorio Mundial para el Estatus del Artista de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura UNESCO. Los artistas mexicanos practicamente viven en el hoyo, según el balance México ocupa uno de los últimos lugares (para variar) en atención al artista, muy por debajo de paises como Cuba que, pese al bloqueo y la estigmatización del socialismo, se mantiene firme y a la vanguardia en materia de salud y cultura. 
 

Pero como no va a ser cierto si nada más hay que ver el apabullante informe sobre cultura que se presentó el primero de septiembre y en el que inevitablemente a varios se nos reventó un oido de la pura carcajada. Sobra decir que además de vergonzoso y ante todos los síntomas de enfermedad que padecen las políticas culturales, la demagogia impere en todos los ámbitos. 
 

La cultura resulta ser uno de los temas más escabrosos para nuestros políticos y gobernantes. ¿Por qué? quién sabe, ni las divinas musas de la inspiración se explican como razonan estas dos especies. Lo que es un hecho concreto es que la ignorancia que ronda a nuestra clase política parece ser el común denominador, bueno, hay quien todavía cree que el arte y la cultura son lo mismo, que un artista plástico es un especie de obrero que trabaja en alguna fábrica de polímeros y que un artista es el que enseña sus atributos físicos y los del cirujano plástico en el canal de las estrellas. 

La triste realidad es que los artistas mexicanos viven en las peores condiciones incluso peor que un obrero que recibe un salario mínimo. No cuentan con seguridad social, con un sistema de pensiones, salarios, prestamos, no son sujetos de crédito, ni reciben los beneficios de ley que tiene cualquier trabajador y más grave aún, tampoco participan de las políticas culturales que se crean para ellos. Ni qué decir de los sistemas de becas y apoyos económicos que son una verdadera limosna comparada con los recursos que destinan las instituciones culturales para sostener su aparato burocrático y la ilimitada prepotencia con la que los funcionarios atieneden a los artistas . Instituciones dirigidas por verdaderos profesionales de la usura, en las que contadorcillos sin escrúpulos son los que deciden las partidas presupuestales a su antojo. Qué pena. 

Como decía Jim Morrison “nadie sale vivo de aquí”. También las autoridades locales y federales son cómplices de este atropello. Cuando se llega concretar algún proyecto (porque siempre hay “buena voluntad”) los recursos pueden tardar meses si no años. Como dice el Son de la Negra: “Negrita de mis pesares… a todos diles que sí pero no les digas cuando, así me dijiste a mí por eso sigo penando”. 

Sin embargo, en estos últimos años y a través de un largo debate y una larga, pero muy larga lucha que han llevado los artistas, parecen verse algunos rayos de luz en esta larga noche. 

En meses anteriores se presentaron ante el pleno de la cámara varias iniciativas de reforma constitucional sobre la materia y gracias a la presión de las distintas sociedades autorales aparentemente van por buen camino. Una de ellas, presentada por los artistas plásticos del Movimiento de Muralistas Mexicanos y la Sociedad Mexicana de Autores de las Artes Plásticas contempla elevar la investigación artística a rango constitucional, específicamente al artículo tercero de nuestra Constitución y que de aprobarse, la cultura en México tomaría otro giro. Los artistas finalmente tendrían el estatus que merecen y la aportación de estos al desarrollo nacional no tendría límites. 

Hay que tomar en cuenta que la cultura aporta casi el 8% del Producto Interno Bruto, casi a la par del sector turismo y que a cambio recibe menos del 0.08%. y que la verdadera imagen de México en el mundo son sus artistas y su cultura, no sus burócratas. Son los artistas y la cultura los que fomentan el turismo, los que representan a México en los foros y certámenes internacionales. Son los que generan divisas. ¿Cómo es posible que en su propio país se esten muriendo de hambre?. ¿Hasta cuándo tendremos que soportar las políticas demagógicas sobre cultura, políticas que solo fomentan la fuga de cerebros y la cruda realidad de un país que no tiene escrúpulos en materia cultural?.

Una mirada plástica

Francisco Iturbe coleccionista. El mecenazgo como práctica de libertad 

Por: Paul Achar

Abrimos el día de hoy nuestra sección con una frase de Adolfo López Mateos, "el destino último de las grandes obras de la plástica sólo  se cumple cuando pueden ser disfrutadas por el pueblo”.

Con un total de 137 obras entre pinturas, dibujos, fotografías y esculturas, el Museo de Arte Moderno nos presenta la exposición “Francisco Iturbe coleccionista. El mecenazgo como práctica de libertad”, con trabajo de los maestros  Manuel Rodríguez Lozano, esculturas de Madornio Magaña, fotografías tomadas por Guillermo Dávila de Frida Kahlo (ahora que esta de moda, es una oportunidad para seguir creciendo su opinión acerca de la maestra), Carlos Orozco Romero, María Izquierdo y hasta un  Picasso, que es con la que se abre la muestra.

Es una gran oportunidad para ir educando la vista plástica, a través de la colección de uno de los grandes estetas y mecenas que ha tenido nuestro país como Francisco Iturbe, tan sólo hay que imaginar cómo ven los ojos de un coleccionista y así conocer la mirada de un amante del arte. Igualmente es una oportunidad el poder apreciar una composición clásica, que no es otra cosa que los elementos de una pintura que se encuentran estáticos; esto se logra creando equilibrio del peso óptico de la obra, sólo se necesita cargar el peso de ésta hacia el centro para que nuestra vista lo perciba estático. Sé que se dice muy fácil pero entenderlo cuesta mucho trabajo, hay que echarle ganas, ver mucha obra para ir educando nuestra vista, pero en lo que eso sucede, con esto nos damos una idea ¿o no?, bueno eso espero, también ir ayudándolos a acrecentar su gusto por la plástica dando algunos tips para cuando escuchemos acerca de algún termino plástico, tengamos un criterio para que no nos tomen como neófitos, bueno, pero hacia donde iba la composición, hacia la libertad, que es sentir el movimiento dentro del trabajo plástico que Lozano nos deja ver parte de ese cambio.

Iturbe se introdujo en la historia del coleccionismo mexicano, marcó la carrera y la producción de muchos artistas no consagrados en aquel momento pero ahora son grandes maestros de la plástica mexicana. Sin duda un buen ejemplo a seguir una buena forma de heredar una gran fortuna para aquellos que más quiere, ahora que están de moda los testamentos, así que una obra de arte puede sacarlos en un futuro de un gran problema. Imagine a aquellos que apoyaron a Picasso en los inicios de su carrera, sé que una de sus obras alcanzó la no despreciable suma de 180 millones de dólares, ¿verdad que si les fue bien a aquellos que creyeron en él? Siempre es buen momento para ser coleccionistas y fomentarnos una cultura de apoyo a las artes, por eso yo insisto que el comprar arte no es gastar si no invertir y si lo hacemos bien veremos como crece nuestro capital e igualmente nuestro gusto por la plástica. Se dirán "bueno si, si, si, el coleccionismo ¿y la exposición por qué la recomiendas?". Nada más para ver como veía otra persona, no para educar nuestra vista y es el resultado de un coleccionista  pero hay muy buenas piezas, con una museografía maravillosa, qué les puedo decir, es el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México.

Una vez más, ¿qué nos esta pasando? no había nada de gente. Yo sé que esto no es Frida ni  Egipto pero hay que seguir acrecentando nuestra cultura general, así tendremos más y mejores formas de disfrutar nuestra vida, la exposición está llena de color, con unos rojos luminosos, unos altos contrastes hasta llegar al blanco y negro, y resalta la obra de Rodríguez Lozano, me gustó la obra del holocausto del maestro como su políptico que cuenta una historia que si van a la muestra la podrán ver y leer, así que no se la pierdan, sólo estará hasta el próximo 14 de octubre.

Hay que hacernos el propósito de visitar una exposición por lo menos una vez a la semana o cualquier acto cultural ya sea danza, ópera, ballet, lo que sea pero háganlo, no dejen que la falta de apoyo seamos nosotros porque cuando las autoridades se den cuenta del gusto que tenemos por el arte, seguro que ellos también lo desarrollarán y así la cultura no será olvidada en nuestro país, un país con una cultura milenaria llena de misticismo y en esta Era de Acuario que es la del llegar a la sabiduria, qué esperamos para dar los primeros  pasos hacia la libertad, la cual se logra con el conocimiento. Ya lo dijo el gran escritor José Martí “sólo la cultura nos hará libres”, seamos libres y no olvidemos que el arte aumenta la calidad de nuestra vida, qué esperamos para ser mas felices, hoy los invito a esta exposición con el propósito de ver mas allá de nuestra visión con los ojos de un gran coleccionista.

Museo de Arte Moderno 
Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec   

Obras vivas que “observan” al espectador

La propuesta plástica de Magnolia Rivera recorre temas arquetípicos, mientras busca un encuentro del espectador con su mística interna

Por. Silvia Márquez / Toluca

Pinceladas llevadas al lienzo envueltas con recursos oníricos y místicos, fueron la apuesta del Museo de Arte Moderno del Estado de México, que ayer abrió la exposición Espejos y Grimorios de Magnolia Rivera.

La serie compuesta por 41 obras muestra el lado oculto del contacto con la naturaleza espiritual. Como su nombre lo dice, la autora colocó metafóricos espejos en cada uno de los lienzos que, como ella misma explica, manejan un concepto diferente del reflejo.

"Plasmo el espejo que se utilizaba en la antigüedad, sobre todo en la simbólica sagrada, como aquello que permite encontrarte. No es necesario un reflejo físico, sino más bien una proyección espiritual. La obra te ayuda a cuestionarte o te dice algo, te mueve interiormente, ahí te estás reflejando. Por eso es un espejo metafórico, metafísico y espiritual".

Los grimorios, esos famosos libros de magia, no quedan atrás, pues en la piel de las obras se marcan como entramados sígnicos que "pueden ser descifrados solamente por algunos", eso "no quiere decir que los demás espectadores sean ignorantes, significa que cada uno va a comprender la obra en una dimensión distinta, nada más. El ir desentrañando esos significados es ir comprendiendo los grimorios", dijo Magnolia Rivera.

Los óleos, acrílicos, dibujos al carbón y pastel expuestos están dentro del realismo simbólico. Recorrerlos implica una apertura a otros puntos de contacto con la obra, pues según Magnolia "toda realidad es aparente".

Cada rostro, mirada o figura humana encerrada entre las fibras del lienzo, cobran vida, cual mítico Golem, cuando la artista posa el soplo de vida en sus frentes. Los ojos se abren y las palabras escritas entre las partículas de vida las convierten "en imágenes reales y vivas".

Más allá de la superchería, Magnolia Rivera busca ir a las raíces de la "forma más seria". Según explicó, "en la antigüedad se escribían libros con mucha seriedad de estos temas, que están muy relacionados con lo que trato en mi obra: geometría sagrada, numerología, metafísica. No es un juego y no estoy tomando símbolos para manejar una superchería. Estoy haciendo una representación de las mancias, el tarot, de todo lo que llaman magia pero que nada más es un conocimiento de la naturaleza".

Ese devenir artístico y de investigación, "no es gratuito, es un estudio de muchos años, de búsqueda de libros antiguos, pero siempre buscando asentarme en escritores serios, aceptados a través del tiempo, incluso artistas como Leonardo Da Vinci, que también manejó este tipo de temas", explicó la también escritora y periodista.

Aunque el proceso de investigación es largo, Magnolia encuentra en los sueños y la imaginación las nuevas obras que quieren ser hechas. "Respeto mucho ese proceso creador porque me gusta jugar con el lado onírico, dejar que los sueños me traigan la nueva obra, pero también existe una reflexión en cuanto a los colores, las formas y cada detalle del cuadro".

La apreciación a detalle, es una de las aristas que interesan a la creadora, ya que pretende que ante cada pieza el espectador tome su tiempo "porque puede llevarse la sorpresa de encontrar en la pintura lo más insospechado".

La búsqueda del equilibrio, propio y de los demás, ha llevado a Rivera a considerarse una artista "preocupada por la sociedad" que "no está desconectada de nosotros, al contrario, se supone que tenemos esa sensibilidad de transmitir lo que está pasando en nuestro entorno". A pesar de no pintar "derrumbes o inundaciones", ella propone una búsqueda que "nos llevará a encontrar otra vez la armonía y equilibrio".

Actualmente la obra de Magnolia Rivera estará en el museo ubicado en el Centro Cultural Mexiquense hasta el próximo mes de noviembre. Su obra circula de manera digital en la red de Internet y a partir del viernes se podrá encontrar en una galería de Milán, Italia.

Contar la historia con objetos

El Centro Cultural Mexiquense da alojamiento a una parte de la colección del Museo del Estanquillo con la exposición En orden de aparición

Por: Tlaneci Ortega / Toluca

Transmitir el conocimiento de la historia de un país no sólo es posible a través de lo que presenta un autor con palabras escritas o del testimonio oral de quienes han estado presentes en tal o cual época. Aunque en la mayoría de los textos escritos hay una labor de investigación y los relatos que fluyen de generación en generación son en buena medida verídicos, existe otro espacio para la enseñanza y el aprendizaje de la epopeya de una nación como la nuestra, a saber, el contacto con las dimensiones reales de objetos de uso doméstico, fotografías, cartas, carteles publicitarios e, incluso, inmuebles.La existencia humana es impensable sin objetos, aunque éstos se transformen o desaparezcan en el desarrollo histórico de las sociedades. De hecho, los objetos dan sentido al pasado y éste al presente. Un objeto es más que una simple superficie, es una traducción material de la cultura, de modo que los intrumentos que empleaban nuestros antecesores no son sólo eso, son testimonios, son precisamente el pasado y algunos se han extendido al presente.

La observación y el análisis de los objetos pueden transmitirnos un pedazo de historia, eso es lo que motiva al escritor Carlos Monsiváis y a Rodolfo Rodríguez Castañeda, director del Museo del Estanquillo, "pasear" por diferentes sitios y compartir con los mexicanos parte de la colección de dicho recinto. Ubicado en Isabel la Católica y Madero, en el edificio La Esmeralda de la Ciudad de México, el Museo del Estanquillo presenta el acervo que Monsiváis ha adquirido y guardado durante más de 30 años.

En Orden de Aparición, es uno de los títulos dados a este proyecto "que contiene un acervo de riqueza cultural, plástica y estética que sólo un coleccionista con la complejidad e ironía de la percepción de Monsiváis puede ofrecer", dijo Rodríguez Castañeda a IMPULSO.

La colección consta de una serie de maquetas, miniaturas de hueso, cajas y pequeñas esculturas de plomo, caricaturas, historietas, grabados, fotografías, pintura, entre otras piezas, que en conjunto ofrecen una visión de los mexicanos de la capital y también dan cuenta de los cambios físicos de la ciudad. Rodríguez Castañeda reveló el interés que tanto él como el escritor tienen de "pasear la colección por otras ciudades mexicanas", de hecho se tienen planes, "no concretos aún, de trasladar estos objetos también a otros espacios y museos nacionales y extranjeros", indicó.

En esta ocasión, el Centro Cultural Mexiquense dará alojamiento hasta el 19 de noviembre a una parte de esta colección privada del también periodista Carlos Monsiváis.

Con la curaduría a cargo de Rafael Barajas, mejor conocido como "El Fisgón", En orden de aprición es presentada al público mexiquense en el Museo de Artes Populares, ubicado en el citado espacio cultural.

La muestra es parte de las actividades organizadas por el Instituto Mexiquense de Cultura (IMC) previas al Bicentenario de la Independencia de México.