Pasión que nos deja Sin Aliento

En la octava edición del Festival Fotoseptiembre, Esmeralda Gutiérrez comparte con el público de Toluca su obra concentrada en fotografías que refieren su visión del sexo

Por: Tlaneci Ortega / Toluca

Un breve espacio del edificio en el que mora la Alianza Francesa de Toluca, el sitio elegido para compartir la obra fotográfica de Esmeralda Gutiérrez que lleva a la luz las imágenes del acto que puede retrasarnos el respiro, la ocasión en que morimos y vivimos al mismo tiempo, en cuyo ápice quedamos "Sin Aliento".

La exhibición de fotografías que se presenta en el mencionado centro educativo denominada "Sin Aliento", es una de las exposiciones que se desarrollan en el marco de la octava edición de Fotoseptiembre, el festival de fotografía más importante de México y de América Latina y que es coordinado por el Centro de la Imagen, el cual se levanta como un evento singular en el mundo por ser efectuado de forma sincrónica en todo un país.

Como un medio para la difusión de la actividad fotográfica en México, Fotoseptiembre se ha erigido en ediciones locales, de modo que esta octava edición representa la oportunidad para Esmeralda Gutiérrez de compartir con el público de Toluca su obra artística concentrada en imágenes.

La artista mexiquense de 27 años de edad, estudió Sociología en la Universidad Nacional Autónoma de México y, años después, formalizó sus estudios en fotografía en el Centro de la Imagen en la ciudad de México. Actualmente radica en Toluca en el desarrollo de diferentes proyectos de fotografía e imagen en movimiento con corte documental sin dejar de lado la visión intimista y tras la vertiente del arte contemporáneo.

En el pasado ha expuesto en diversos foros culturales como el Festival Internacional Cervantino, y en el presente muestra su labor fotográfica en el Museo de Arte Moderno y la Alianza Francesa.

"Sin Aliento" es un proyecto que materializó desde años atrás y que ahora llega a Fotoseptiembre, de hecho una de las fotografías que son parte de esta muestra, fue ganadora en 2005 en la categoría digital del concurso "La ciudad y su gente" organizado por el Tecnológico de Monterrey Campus Ciudad de México.

Por medio de la lente, esta artista traduce siluetas humanas desnudas y otros elementos y técnicas del arte fotográfico, en imágenes palabras que comunican su interpretación en torno a las vivencias pasionales.

La luz y la ausencia de ésta, paisajes nocturnos, la atmósfera y el tiempo en que fueron capturados unos labios rojos, piernas, espalda, cadera y brazos desnudos, edificios, árboles e, incluso, gotas de lluvia, develan la virtud liberadora que la fotógrafa atribuye al sexo.

Relativo a las críticas que la autora ha recibido sobre la ausencia de elementos fotográficos en su creación como el enfoque, afirma que su interés no es "dar una cátedra de fotografía" con su obra; "lo que quiero lograr es que todos los sentidos del espectador perciban de forma diversa la intensa pasión que vivía en esos momentos, que me dejaba sin aliento. Sé manejar las técnicas de forma impecable, pero no es mi deseo emplearla en mis obras, no por ahora", reveló.

La ausencia de enfoque fue un elemento que emplea la autora con intención de representar "de modo honesto y congruente la realidad, puesto que las imágenes en lo cotidiano no siempre son nítidas, aún las que se perciben en el acto sexual", sostuvo. De ahí que el movimiento de las luces, los cuerpos y los objetos fue solícito para con la obra de Gutiérrez y su cometido.

La fotógrafa, quien admite una visible influencia de su colega estadunidense Nan Goldin y del francés Antoine D’Agata, traduce elementos visuales, para algunos, en signos siempre perceptibles y, para otros, en símbolos que transmiten la magia que al alma ofrece una experiencia pasional en la vida, no siempre alusiva al acto sexual.

A su vez, la expositora de fotoseptiembre pretende igualar la honestidad de aquella artista norteamericana pues la admira "porque era honesta y su obra era ella misma, a través de sus fotografías se sincera y no oculta su vida inmersa en ambientes de rock, sexo y drogas excesivos", sostuvo Gutiérrez. "D’Agata, mi maestro de fotografía en el Centro de la Imagen, me enseñó a llevar la vida al extremo, a un límite lejano, y llevar con ella mi obra fotográfica", continuó.

Asimismo, con el aprovechamiento de sombras, luminosidades y formas, la autora refiere alegóricamente que la dependencia sexual no deviene solamente en el sexo sino que aprehende una expresión de romanticismo, de una entrega completa que nos envuelve en vulnerabilidades frente al otro, como en su momento lo enunciara Nan Goldin.

De hecho, la muestra "Sin Aliento" evoca la creación de Goldin, cuya lente enfocó de forma particular el amplio tópico del sexo. Además, la relación entre el trabajo de estas dos artistas se hace ostensible puesto que en la exposición de Gutiérrez se han incluido algunas frases que la fotógrafa estadunidense, reconocida mundialmente por su aportación transformadora a la fotografía documental, asigna a la descripción del sexo.

A la par, Esmeralda Gutiérrez participa como expositora en el Museo de Arte Moderno del Centro Cultural Mexiquense, donde exhibe un video armado con fotografías cuyo título es "Silencio" y el cual alude, no a la ausencia de sonidos, sino a la introspección que cada humano hace en diferentes momentos de su vida, en soledad o bien, en compañía.

Ambas exhibiciones, "Silencio" y "Sin Aliento", fueron inauguradas el pasado mes de septiembre, y permanecerán hasta el próximo 14 de octubre en los respectivos recintos culturales.

Teatro en Toluca, una esperanza seguida por pocos

La cultura teatral está hundida en los escombros de los viejos teatros que ahora son estacionamientos: Édgar Huitrón

Por: Silvia Márquez / Toluca

La palabra teatro viene del griego Theatrón, que significa "lugar para contemplar". El origen de las representaciones se encuentra en los ritos órficos y en los festivales dedicados a Dionisio, donde se escenificaban pasajes de la vida de los dioses acompañadas de los ditirambos, danzas y cantos griegos.

Desde la noche de los tiempos, el hombre ha palpado la inquietud por vivir al otro en la propia piel, por darle voz a lo que habita en el fondo de las pasiones o reflejar disgustos, vidas, sueños.

Generaciones de actores pasan, la geografía se difumina y los años definen los caminos por los que el teatro ha decidido andar.

En esta ciudad, Toluca, las anécdotas se mezclan, juegan caprichosamente y al final construyen la triste realidad tras bambalinas que explota sobre un escenario.

Desánimo hay mucho; las condiciones no son las adecuadas, pero el arte debe ser capaz de surgir a pesar de los ríspidos vientos que se estrellan contra su rostro.

Eso lo sabe Édgar Huitrón, joven actor mexiquense que este año cumple diez sobre el escenario. Como cualquier otro actor avecindado en Toluca, reconoce que "la cultura teatral está hundida en los escombros de los viejos teatros que ahora son estacionamientos", haciendo una referencia al trepidante cambio en la fisonomía tolucense.

"Creo que se está observando muy poco el pasado. Muchos teatristas, sobre todo los egresados de Arte Dramático, no atienden la historia del teatro en esta ciudad (...) a Toluca le gusta destruir su pasado, así como destruye sus edificios, pero en la medida en que la población identifique a su gente de teatro va a empezar a tomar partido", dijo.

Bajo ese tenor, Huitrón opina que "a la gente sí le interesa el teatro", pero que el sistema de difusión e incluso el mensaje de las puestas escénicas es lo que está fallando.

"También nosotros tenemos que hacer una lucha por crear más difusión. Las instituciones que se encargan de la cultura tal vez tienen que resolver problemas de danza, música y otras artes, y difícilmente hay apoyos para la difusión del teatro".

En cuanto al mensaje, Édgar piensa que en primer lugar se deben "llenar las expectativas del público", ya que "a veces nos pasamos de listos (...) Nos negamos a hacer un teatro a nivel de la realidad mexiquense, no queremos asumir que estamos en una zona industrial, que es un sistema político que sí pesa".

Ante ese panorama, la Licenciatura en Arte Dramático no ha respondido a las exigencias, pero "tampoco ha hecho algo por resolver los problemas reales (...) la Licenciatura genera actores, pero no hay directores, no hay escenógrafos que estén en esa lucha. No se hacen cursos especializados o se hacen sólo para ciertas personas", según el actor.

Muestra Estatal de Teatro: le faltan propuestas

Este fin de semana cierra la etapa de selección del Valle de Toluca en la Muestra Estatal de Teatro, promovida por el Instituto Mexiquense de Cultura.

Como sujeto activo del quehacer teatral, incluso participante de dicho encuentro, Édgar Huitrón declaró que a pesar de ser "un logro importante", es "lamentable" que se haya descuidado este proyecto, lo mismo que las Jornadas Universitarias de Teatro.

"Pero dentro de eso hay un poco de luz, hay gente a la que le interesó y está dispuesta a continuar. Espero que sea por una labor verdadera en pro de la cultura y que no sea por una cuestión política".

Sin embargo, del lado de los creadores, los actores y las propuestas, Huitrón considera que "estamos en una actualidad bastante regular cayendo en lo malo", debido a un "descuido" de la construcción dramática, el desarrollo del personaje, el concepto, el discurso, el tema; "todo por tratar de mostrar que somos teatristas.

"Nos falta ser más coherentes con las propuestas, que sean verdaderamente propuestas, que lo que nos defina como grupo sea un propósito real. Pero actualmente estamos en un nivel muy malo y no es cuestión de producción; ya sabemos que no vamos a tener la producción de las grandes obras del teatro comercial, pero en el sentido de la creación, el quehacer artístico, el comunicar. Estamos pecando de fanfarronería y de pretensión".

Huitrón piensa que se debe "dejar la teoría y volverla acción sin perder de vista lo que nos rodea". Además, que en esa búsqueda no se queden las propuestas para "adjudicarnos que somos magníficos, sino en centrarnos en que hacer arte siempre es para ser mejor persona y si alguien lo cree, ya tiene el primer paso en la convicción".

El teatro que merece Toluca

Según Édgar Huitrón, Toluca necesita un "teatro más sensible". La espectacularización "no tiene más que un resultado muy inmediato, te sorprende pero no deja nada. Ver gente sensibilizada, eso sí motiva".

El "regreso al origen de la teatralidad, a que las cosas que se digan en escena sean importantes, den un ejemplo" es la apuesta que Huitrón cree que se debe hacer.

"El teatro nunca va a parecerse al cine y al público le gusta ver a actores entregados en escena. Depende del replanteamiento de los creadores; en esa medida vamos a ganar terreno o a dar una alternativa diferente", dijo.

Desde su trinchera, el grupo teatral Argonautas, del cual es director y fundador, Édgar espera "consolidar una propuesta". Eso "es lo complicado porque sólo la madurez nos va a dar una propuesta mucho más segura porque los proyectos que tenemos ahora pues sí llenan una expectativa popular y eso nos orilla a no hacer trabajos mucho más personales o experimentales".

Abren la puerta al folklore indígena en el Segundo Festival de la Cultura Mazahua

Del 10 al 14 de octubre, los organizadores pretenden "rescatar las costumbres y tradiciones y así mostrar la importancia de la cultura"

Por. Silvia Márquez / Toluca

El origen de la palabra mazahua permanece aún incierto. Investigadores como María Carro Xochipa opinan que proviene del nombre del primer jefe de ese pueblo, Mazatlí-Tecutli o tal vez viene del náhuatl mazahuacán que significa "donde hay venados".

En el Estado de México la región mazahua está situada en Almoloya de Juárez, Atlacomulco, Donato Guerra, El Oro, Ixtlahuaca, Jocotitlán, San Felipe del Progreso, Temascalcingo, Villa de Allende y Villa Victoria. En Zitácuaro, Michoacán, también hay presencia de dicho grupo.

Después de varios procesos, el pueblo mazahua ha conservado sus expresiones culturales por medio de la lengua. Así el patrimonio oral, su música, danza, artesanías, forma de vestir, visión del mundo y prácticas rituales y religiosas, mantienen abierta la puerta de cosmovisión y del tan trillado concepto de identidad cultural.

Para este mes, del 10 al 14 de octubre, se organizará el 2º Festival de la Cultura Mazahua, donde pretenden "rescatar las costumbres y tradiciones y así mostrar la importancia de la cultura", según Patricia Serrano, directora de Servicios Culturales del Instituto Mexiquense de Cultura.

El programa de actividades incluye danzas tradicionales, presentaciones de libros sobre el tema mazahua, la presencia de editoriales con temas sobre la cultura indígena, cine, música tradicional, gastronomía de la región y presencia de grupos alternos de Veracruz, Oaxaca y Michoacán.

Según el presidente municipal de San Felipe del Progreso, Eduardo Zarzosa, lo que se busca es "que no sólo volteen a ver a los indígenas cuando se hable de marginación y pobreza, sino también cuando muestren su cultura".

Para lograrlo, el eje rector del Festival será "reinventar lo propio (...) los saberes ancestrales de pueblos originarios, saberes que crecen de manera silenciosa, por lo que hay que mostrarlos y rescatarlos en esta época de globalización", dijo Felipe González Ortiz, rector de la Universidad Intercultural, que también participa en el evento.

En medio de tanto rescate, reconstrucción y difusión, los organizadores buscan un "hermanamiento" entre las diferentes comunidades para que logren "interactuar" con otros grupos y sus manifestaciones culturales, pero con respecto a la relación con grupos mazahuas de Valle de Bravo, por ejemplo, el presidente municipal dijo que "no se puede invitar a todas las comunidades y tampoco queremos entorpecer al Festival de las Almas".

El Festival de la Cultura Mazahua contó con una inversión de 400 mil pesos, un "costo reducido gracias a que se invitó a grupos locales y cercanos", dijo Zarzosa, quien aclaró que esperan una afluencia de entre 20 y 25 mil visitantes en los tres foros de actividades (la Plaza Cívica, Casa de Cultura y el auditorio de San Felipe).

La inauguración será el próximo miércoles, a las 16:00 horas, en la Plaza Cívica de San Felipe del Progreso, lo que abrirá el paso a las 50 actividades programadas.

Las razones del diablo

La figura del Che

Dionicio Munguía J.

Por estas fechas siempre se recuerdan figuras relevantes, algunas no tanto, otras con algo más pero sin la importancia debida. Cerca de un aniversario más de su muerte, la figura mítica del Che Guevara anda rondando las librerías y los foros de discusión. Paco Ignacio Taibo II (PITII), biógrafo oficial del Che, ha dado a conocer una serie de escritos perdidos del guerrillero argentino. Se han planteado diversas teorías alrededor del manuscrito, pero en realidad eso es lo que menos importa. La figura del Che ha traspasado los límites de la historia y continúa vivo, a pesar de todo.

Pero no debemos olvidar que era un hombre, con virtudes y defectos, hombre que tenía limitaciones, que se obligaba a realizar cosas que una persona normal no haría. Sobrepasaba los límites físicos humanos y se lanzaba a proyectos ambiciosos que no siempre obtenían resultados adecuados. Intuía las soluciones, pero en muchas ocasiones no aceptaba las consecuencias de sus actos. Quizá, eso nunca lo sabremos, esa fue la causa del rompimiento con Fidel.

Pero la figura de Ernesto Guevara existe en una dimensión que va más allá de lo humano. El concepto revolucionario fue un tanto incongruente con los resultados, pero funcionó como un medio publicitario, diríamos en estos tiempos, de marketing absoluto. La Revolución Cubana tuvo los medios a su favor. De alguna forma, las imágenes de Korda, tanto de Fidel como del Che, fueron un vehículo que llevó al encumbramiento de los guerrilleros.

Pero no es sólo la imagen. Sus escritos, tanto de Fidel como del Che, obtuvieron un reconocimiento mundial. Fueron leídos y releídos por cientos de miles, como dice la canción de Inti Illimani, analizados por agentes tanto de la CIA como de Rusia, extrajeron lo extraíble y con el paso del tiempo se han vuelto incunables. Quizá por eso no sorprende la aparición de este manuscrito ni la resonancia que de seguro tendrá en los próximos meses.

He sido un seguidor crítico del Che. Los libros de Paco Ignacio Taibo II han sido un referente a seguir. Desde La batalla de Santa Clara hasta Ernesto Guevara también conocido como el Che, además de pasar por los libros rescatados y los Diarios los cuales siempre me han dado desconfianza. No todo es bueno, pero tampoco malo. Posiblemente no sea completamente literario, pero es un documento histórico.

Lo más seguro es que no compré este nuevo libro, no recuerdo el nombre mientras escribo esta nota, pero es casi seguro que dentro de algunos años, cuando el "boom" que acaba de empezar termine, ese libro llegará a mi librero y será leído de una sentada, como siempre lo he hecho con los libros que hablan sobre el Che.

P.S. El 2 de octubre no se olvida, a pesar de los años.

Pasión en seis cuerdas: la visión de Daniel Morgade

"El artista debe ser un reflejo de su época y para serlo debe tener la madurez para hacer algo con convicción, no puede tratar de repetir la carrera de otro", opina el guitarrista

Por: Silvia Márquez / Toluca

Daniel Morgade, uno de los guitarristas uruguayos más reconocidos de su país, visitó Toluca antes de continuar su viaje hacia la ciudad de Morelia. En la ciudad colonial, impartirá una clase magistral mañana y un día después ofrecerá un concierto en el Espacio Cultural Fray Bartolomé.

Para el sudamericano, México se sitúa en un plano importante en el escenario musical de Latinoamérica, pues la relación de Manuel M. Ponce con el guitarrista Andrés Segovia "marcó no sólo una época, sino un quiebre en la historia de la guitarra en la que por primera vez un compositor de peso le dedicó obras del mismo calibre que un compositor de una sinfonía. Por primera vez tenemos un repertorio que está a la par de cualquier otro instrumento", dijo.

Sin embargo, Morgade considera que las cosas han cambiado, pues si bien el panorama de música compuesta para dicho instrumento es amplio, "los mexicanos no son compositores difundidos en Sudamérica". El círculo se mantiene vicioso pues "como no llegan partituras, algunas veces no son grabadas; si son grabadas los sellos discográficos no lo distribuyen y es casi imposible enterarse".

Es por eso que él lleva en la bolsa de los sueños el compromiso de ser mediador de compositores que no tuvieron la oportunidad de ser conocidos. En sus seis producciones discográficas, Daniel Morgade ha abordado un repertorio, primero de uruguayos y después de latinoamericanos en general, siendo su próximo proyecto un disco completo de obras de Manuel M. Ponce.

Europa mira a Latinoamérica

Hace años "los músicos académicos miraban mucho hacia Europa, obviamente por la tradición y porque el Viejo Continente ha dado compositores de gran calibre, lo que es difícil de igualar", explicó.

"Los músicos académicos ven en los compositores europeos una fuente casi inagotable de calidad. En Latinoamérica el movimiento musical fue más lento, posterior y en nivel de calidad no todos los países latinoamericanos dispusieron de buenas escuelas que hayan dejado un patrimonio de composición.

"La composición en Latinoamérica ha sido bastante diversa en cuestión de calidad y en algunos países se han centralizado los mejores exponentes de música latinoamericana; esa es una de las razones por las que los propios latinoamericanos no hemos mirado hacia nuestros actores", según Morgade.

Hoy en día, después de más de un siglo de tradición musical, "podemos encontrar ejemplos de mejor calidad, a la altura de los mejores europeos, pero todavía estamos acostumbrados a ver siempre como lo mejor lo que viene de afuera".

Así, Morgade considera que en los últimos cuarenta años, la situación musical latinoamericana está a la par de cualquier parte del mundo.

"Los conservatorios más importantes del orbe tienen docentes latinoamericanos (...) tal vez ahora se está dando la vuelta, lo que falta es que los estudiantes y el público se acostumbren a reconocer a los latinoamericanos como algo de excelencia".

La guitarra: instrumento satélite

En la música antigua, la vihuela o el laúd, antecedentes directos de la guitarra, eran instrumentos fundamentales en las normas musicales de la época. La evolución de las corrientes artísticas hizo que en el Romanticismo la búsqueda de la grandeza en las composiciones, dejara relagada a la guitarra a la música de salón para una élite social.

La tradición parecía ser la que mantendría a la guitarra en el plano de "instrumento satélite", pero Morgade considera que gracias a la intervención de Andrés Segovia las cosas dieron un giro.

El camino todavía es largo pues entre búsqueda y búsqueda, el uruguayo considera que "para tratar de hacer algo autóctono muchos compositores solamente utilizan rasgos nacionalistas o folklóricos", aunque también "hay otros que tienen una corriente de composición universalista y donde las cuestiones geográficas no tienen nada que ver. Creo que lo que podemos hacer los intérpretes es cumplir mejor nuestro rol de mediadores entre el compositor y el público".

Él, como partícipe del juego entre el emisor y el público receptor, considera que lo mejor es que "un guitarrista asesore a un gran compositor y le pueda sugerir cambios para desarrollar la destreza manual".

Investigación, deber del intérprete

La investigación musical de Daniel Morgade lo ha llevado a encontrarse frente a frente con obras que lo retan, que lo invitan y provocan, pero que al final se convierten en el motor de su trabajo.

Bajo la premisa de que "el artista debe ser un reflejo de su época", Morgade reconoce que "en el caso del músico intérprete es elemental que conozca el repertorio –y- debe que tener la madurez y la formación para hacer algo con convicción, no puede tratar de repetir la carrera de otro".

Dentro de esa búsqueda, Morgade regresará a su país con composiciones mexicanas bajo el brazo, con la intención de proyectarlas, presentarlas sobre escenarios sudamericanos y tal vez hacer grabaciones.

Como ejemplo puso la obra del mexicano Julio César Oliva, que calificó como "una escritura musical que parece de una persona que no es guitarrista, no porque no sepa de guitarra, sino porque el estilo de composición está lejos de lo idiomático y más cerca de un pensamiento artístico universal. Su calidad musical es superior a guitarristas que escriben piezas".

Al final de los encuentros, Daniel Morgade reflexiona y pocos segundos después expresa que la guitarra latinoamericana debe ir hacia la profesionalización; "a sacarse ese lastre de ser solamente el instrumento popular".

"La guitarra ha sido vista como un instrumento popular en el que también se puede tocar clásico, tal vez eso esté cambiando. Todavía sentimos prejuicios en el repertorio: ‘si se toca con una guitarra debe de ser fácil’. Quiero pensar que pronto la guitarra en Latinoamérica va a ser considerada como un instrumento académico y profesional".

Mantarraya

Herencias a las universidades

Por: Heber Quijano

Aunque nuestra sociedad posmoderna y globalizada parezca abandonada a su propia gula antropófaga, aunque la mecánica del poder limite cada vez menos el acceso a quienes están alejados de los círculos dinásticos del poder, aunque el mercado someta todas las posibilidades de elección, aunque cada vez perdamos más la esperanza, aún vemos actos revitalizantes. Uno de ellos es la gratitud. Pero no nos llamemos a equívocos bochornosos y absurdos. No hablo de la gratitud mercantilizada, bono de corrupción y nepotismo, letra de cambio que en la oligarquía iguala a zurdos con diestros, a adelantados con cavernícolas, cuaternarios, hipócritas y toda la sarta de adjetivos, o verdades, que ustedes quieran ir sumando a esa especie antropomórfíca que se hace llamar "políticos". No hablo de la gratitud como el principio fundamental del político, como enarbolaba cierto profesor empoderado de nuestro ilustre estado de México. No.

Hay una gratitud que alienta a los peatones como yo, aquella en la que las instituciones que más apoyo necesitan salen beneficiadas. Me refiero a la donación de libros que recién acaba de protagonizar Carlos Fuentes, como homenaje a Julieta Campos, otro referente de la generación de Medio Siglo y de la literatura mexicana, pues aun siendo originaria de Cuba, se asumió mexicana durante más de 60 años de residencia en nuestro país. Acompañado de intelectuales de primer nivel, incluyendo al Gabo Garcia Márquez, su gran amigo y partícipe del "boom" literario latinoamericano, Fuentes donó 300 libros de sus obras en primera edición y traducciones a más de 20 idiomas a la Biblioteca Nacional, dirigida por el escritor e intelectual Vicente Quirarte, a quien por cierto será homenajeado en el Festival de las Almas. Graduado de la UNAM, Fuentes conformó una generación dorada de universitarios con Vicente Leñero e Ignacio Burgoa, y le reconoció a la máxima casa de estudios su "legado humanista" y su "acento en la ciencia, la tecnología y la informática".

El gesto filial de Carlos Fuentes se equipara con el de otros intelectuales. Sergio Pitol confesó que su biblioteca pertenecerá a la Universidad Veracruzana. Nuestro Premio Cervantes posee una vasta obra literaria tanto en su calidad de escritor consagrado como en la de agregado cultural, embajador y traductor, que seguramente se sumará a la propia herencia que legó el otro pilar literario de Veracruz: Sergio Galindo. El poeta Ruben Bonifaz Nuño donó una casa a la UNAM, cuando ser poeta aun permitía vivir bien.

Por nuestro rumbos, Luis Mario Schneider, a pesar de haber realizado gran parte de su trabajo literario y de investigación en la UNAM, privilegió a la UAEM con su casa y su biblioteca, de proporciones considerables, que ahora verán el primer impulso digno de atención constante al albergar el Departamento de Filología de la UAEM. Bienaventurada la universidad pública que asimila la gratitud edificante.

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Silencios Estereofónicos

El FIC, inicia la edición 35 de la fiesta cultural del espíritu

Por: Félix Morriña

Este día inicia la edición 35 del Festival Internacional Cervantino (FIC) con la participación del Ensamble de Canto y Danza de Jilin, representante de China, país invitado de honor a esta fiesta de la cultura que termina el 21 de octubre. La compañía china se presentará en la explanada de la Alhóndiga de Granaditas con un espectáculo de danzas y números acrobáticos representativos de la milenaria cultura de ese país asiático.

El Festival Internacional Cervantino (FIC) abrirá dando paso a 19 días de las más diversas expresiones artísticas en la ciudad de Guanajuato, declarada patrimonio cultural de la humanidad por la UNESCO. Cabe recordar que el Cervantino comenzó como un homenaje a don Miguel de Cervantes Saavedra hace 35 ediciones y en esta ocasión participarán dos mil 400 artistas de 27 países.

El Cervantino conjuga en su seno todas las expresiones artísticas existentes, mismas que se muestran al público en las calles del centro histórico de Guanajuato, fundada en 1546 y que conserva con celo la herencia arquitectónica dejada por sus primeros habitantes.

Las calles de la ciudad se visten con escenarios donde saltimbanquis, titiriteros, músicos y artistas plásticos comparten su arte mostrando en ocasiones obras clásicas, en otras, creaciones renovadoras. Además de la ciudad de Guanajuato, la capital del país y otras ciudades del interior participan en este festejo cultural, considerado el más importante de México.

La explanada de la Alhóndiga de Granaditas albergará a artistas como la mexicana Eugenia León, la africana proveniente de Benin, Angelique Kidjo, o el espectáculo Tanghetto de Argentina, hasta El Ballet Nacional de China y la coreana Compañía de Danza Didim de Kook Soo-ho. Todos estos eventos son gratuitos.

El arte también acudirá a ese escenario con La Fondazione Aida, agrupación teatral italiana que promueve teatro para jóvenes, la orquesta Freiburger Barockorchester del estado alemán de Baden-Württemberg, hasta las Marionetas Legendarias de Sichuan, del suroeste de China que, con 300 años de antigüedad, siguen dando vida a títeres gigantes que llegan a alcanzar hasta dos metros de altura.

Los artistas que participan llegan de Bélgica, Cuba, España, Estados Unidos y Senegal, así como de los distintos estados mexicanos, quienes envían a sus mejores exponentes tradicionales o de nuevas expresiones. Este año, el estado invitado es San Luis Potosí. La pasada edición reunió a 559 mil 533 personas que acudieron a las 415 actividades culturales, artísticas y académicas que ofreció el Cervantino, según indica la memoria oficial.

Largo ha sido el camino de este encuentro de arte y cultura que nació en 1972. Algunos críticos y músicos consideran que el Cervantino, actualmente bajo la dirección de Mini Caire, está en un buen momento. Sin embargo, otros consideran que está de capa caída o que requiere de adecuaciones para seguir siendo el festival más importante de nuestro país.

El flautista Horacio Franco indicó recientemente que el Cervantino es una buena oportunidad para dar a conocer a los grupos jóvenes, como Secuencia Sur, grupo que está haciendo una labor notable en Yucatán, o Chelo Alterno, con jóvenes que verdaderamente están haciendo buena música.

En el plano internacional, el flautista y director de orquesta no sólo consideró a los artistas extranjeros, sino también a nacionales, como Eva María Zuk (que nació en Polonia pero se nacionalizó mexicana), a quien califica como una gran pianista. Señala que uno de los grandes conciertos correrá por cuenta del violista Mikhail Tolpygo, quien se unirá al pianista Manuel González.

Por su parte, el crítico, compositor e investigador mexicano Eduardo Soto Millán (quien usualmente cubre las actividades del Cervantino y colabora en la sección de Cultura de Proceso) aseguró que en materia de teatro la programación "es muy raquítica, como muy desbalanceada. Claro, casi siempre el Cervantino es más música, pero ahora prácticamente no hay nada de teatro. Curiosamente, en música hay cosas interesantes, pero también adolece de cosas que no son nuevas".

A su juicio la programación musical, al contrario de otros años, es "contrastada, rica e interesante en las distintas músicas. Por ejemplo, está el Ensamble Continuo, que maneja la música de concierto y las músicas tradicionales". Sin embargo, dice que en los programas en general, sobre todo los de los ensambles mexicanos, "seguimos viendo que la oferta de la creación contemporánea de nuestro país sigue siendo como parcial. No debemos olvidar que el FIC es una ventana de México hacia el mundo y tiene vista hacia los dos lados".

El crítico Lázaro Azar confía en que la oferta nacional "dé la cara este año", pues asegura que no hay grandes figuras internacionales. A diferencia de los anteriores organizadores Ramiro Osorio o Sergio Vela —éste último hizo lo mejor que pudo con lo que le tocó—, los mejores Cervantinos fueron los que tuvimos en la época de doña Carmen Romano de López Portillo, acotó el analista cultural.

Para apoyar su idea, comenta que el FIC no presentará ningún solista importante. "Se esperaba que viniera el pianista chino Yundi Li, ganador del concurso Chopin, pero por problemas con su agenda no se pudo concretar. No es el único artista chino de gran renombre que pudo haber sido invitado, pero creo que se cerraron los ojos a quien tiene más nombre. También se dijo que vendría Tan Dun, hoy en día el compositor chino con mayor presencia en Occidente, pero no va a venir, aunque se va estrenar una obra suya".

Como podrán darse cuenta queridos lectores, las voces encontradas a favor o en contra de la programación de este año del Festival Internacional Cervantino (FIC) han sido leídas por usted de algunos de los representantes de la cultura nacional, que de paso estarán ofreciéndonos sus puntos de vista en relación a este importante festival. Mientras tanto, les invitamos a que vean la cartelera y escojan las actividades de su preferencia.

Escaramuza

Elefantitos Rosas. Las reglas no escritas del muralismo contemporáneo.

Por: Polo Castellanos

¡2 de octubre no se olvida!

El muralismo mexicano a lo largo de su historia ha sufrido una serie de traspiés, sobre todo a partir de la llamada "ruptura" que cayó como anillo al dedo al Estado mexicano para poder deshacerse de una vez por todas de los discursos revolucionarios y contestatarios que planteaba la pintura mural. Pese a este tropiezo, el muralismo de una u otra forma sobrevivió incluso actuando desde la clandestinidad. Hoy, el muralismo mexicano se enfrenta a varios retos, algunos de ellos siguen siendo los mismos del pasado: la censura y los presupuestos. Sin embargo, se han abierto nuevos caminos que el mismo muralismo y los artistas han conseguido como parte de su proceso creativo y evolutivo natural.

Pero la censura sigue siendo el parteaguas más duro que enfrenta el muralismo contemporáneo. La falta de cultura, de visión y educación de parte de las autoridades que, influenciadas por pseudo especialistas y las mentes más retrógradas que insisten que el muralismo está muerto y fuera de contexto y que los recursos deben destinarse hacia el desarrollo de las nuevas "vanguardias" artísticas, mismas que como siempre, en nuestro inherente malinchismo, importamos de otros países, dan como resultado que una de las manifestaciones artísticas endémicas de nuestro país y de las más importantes en el mundo, no encuentren un cauce y un desarrollo digno.

El muralismo mexicano se debate, sí, pero se debate con artistas de otros países, se debate entre las autoridades culturales y los "especialistas" pero no con los muralistas mexicanos. Se debate sobre el discurso que debe tener el muralismo porque el "político-social está fuera de contexto" en estos tiempos neoliberales. Oídos sordos y visiones muy cortas, cuando hemos demostrado que el muralismo no sólo está vigente sino que además tiene una demanda y es necesario.

Pero el muralismo, incluso para los gobiernos de izquierda, quienes lo aplauden y se han apoyado históricamente en los artistas, les resulta molesto. No tenemos una cultura de la obra pública; hemos perdido obligadamente la conexión entre el pueblo y sus artistas, entre el discurso y la realidad. Los gobiernos en su demagogia aclaman el muralismo; es más: cada vez que pueden citan al muralismo mexicano como el orgullo nacional. Lo cierto es que la obra pública no está contemplada en ningún proyecto cultural, ni en ninguna partida presupuestal de los gobiernos municipales, locales o federales, cualquiera que sea su ideología o su discurso.

Así, desde el resurgimiento del nuevo Santo Oficio en el año 2000 ahora vestido con su sotana blanquiazul de tintes tricolores, y hasta la versión posmoderna de las tribus aztecas, hoy uniformadas de amarillosácamelosojos, el muralismo sigue siendo una incomodidad. Sea por ignorancia, sea porque no hay presupuesto "para eso", pero básicamente por ideología.

Los primeros temen que el muralismo sea emancipador y que el pueblo, en todas sus versiones, se salga del gallinero. Los segundos, porque temen que la realidad y las contradicciones del sistema queden plasmados para la posteridad en los muros de la Nación que tanto unos como otros pretenden dirigir. Incluso los gobiernos, artífices de algunos artistas que mueven la cola según cae la morralla dentro del sombrero, argumentan a través de ellos que no debemos pintar cosas violentas "…por nuestros niños, ¿no?" "… hay que pintar florecitas, ¿sale? Propuestas".

¡Pero claro! ¿Por qué no? Pintemos florecitas mientras nos ¡matan de hambre! Es más, pintemos elefantitos rosas para nuestros niños que viven asolados por el ejército mexicano y los helicópteros black hawk de los GAFES en el sudeste mexicano y las zonas zapatistas; hablemos de democracia en el país del robo, la injusticia y la persecución. En pocas palabras, finjamos que aquí no pasa nada y escondamos la verdad sobre la realidad bajo la alfombra, ¿o es que también la realidad va a ser espuria?

De todo esto podemos deducir fácilmente las reglas no escritas por el Estado para pintar un mural narrativo. Pero antes que nada, ahora que vamos a festejar el bicentenario de la independencia, hay que borrar cualquier obra monumental que haga referencia al legendario "Pipila", no importa que sea el representante de aquella lucha popular, y aunque existan muchas Alóndigas que quemar, "no existe y punto".

Primera regla: "No se valen ni mentadas de madre, ni ofensas a Dios, ni ponerle paliacates a los santos, ni a la Virgen de Guadalupe (La Comandanta Lupita), porque se ofenden las ‘Damas de la Vela Perpetua’, el Opus Dei y el Santo Oficio, como ha quedado demostrado en reiteradas ocasiones."

Segunda regla: "Estrictamente prohibido pintar la realidad social que vive el país; es una cosa pasajera y después no se verá bien. Además aquí no hay represión ni desapariciones forzadas, ni presos políticos, ni periodistas muertos, ni miseria, ni hambre. Eso es mero surrealismo creado por las mentes más torcidas y enfermas de los pobres, los artistas, los intelectuales, los guerrilleros y ahora también por los terroristas".

Tercera regla: "Queda también estrictamente prohibido pintar al pueblo levantado en armas con mantas que digan ‘¡el pueblo unido, jamás será vencido!’ y menos empuñando ‘Cuernos de Chivo’ o ‘artefactos explosivos activados con celular’; se vale pintar palos, piedras y hasta resorteras, no más".

Cuarta regla: "Jamás se debe alterar el Lábaro patrio. El águila siempre debe de estar como encaramada al nopal, nunca con las alas extendidas hacia arriba y mucho menos volteando altiva a su izquierda".

Quinta regla: "Se pueden pintar ‘inditos’ y todas las garambainas folklóricas que se les pueda ocurrir, porque son parte de nuestras raíces y hay que respetar, con sus vestimentas tradicionales, de preferencia que tengan cara de oprimidos y como pidiendo clemencia. Siempre en la parte de debajo de los murales, sin pasamontañas y nunca levantados en armas".

Sexta regla: "Los muralistas no podrán cobrar lo que vale su trabajo. El gobierno y sus usureros decidirán cuál es el monto que los artistas deben de recibir".

Última regla: "Se pueden pintar casitas de dos aguas con chimenea, florecitas, animalitos de muchos colores, arcoiris, juegos infantiles y por supuesto elefantitos". Claro, para que nuestros niños sigan pensando que los elefantitos rosas son bonitos siempre y cuando no interfieran con los planes del terrorismo de Estado.