Sólo una constelación

Edgar Serrato y Carlos Cruz presentan en 10 minutos una historia de confrontación con la muerte; hoy se exhibirá en el Teatro de Cámara a las 12:00 y 18:00 horas

Por. Silvia Márquez / Toluca

Una constelación es un conjunto de estrellas que, mediante trazos imaginarios sobre la aparente superficie celeste, forman un dibujo que evoca determinada figura, como la de un animal o un personaje mitológico.

Para Edgar Serrato y Carlos Cruz una constelación es el pretexto para unificar ideas, sueños y criterios en la realización de un cortometraje animado; además, representa la oportunidad de mover el talento mexiquense en festivales internacionales.

"Sólo una constelación" es el nombre del proyecto creado por Serrato y Cruz, ambos egresados de la Licenciatura en Comunicación de la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM). El cortometraje fue incluído en la Selección Oficial del 9º Festival Internacional "Expresión en corto" (2006) y actualmente forma parte del programa del encuentro de cortometrajes "A pantalla abierta", organizado por la UAEM y el 1er. Festival "Cine, Cultura y Vida" que se desarrollará esta semana en Toluca y Metepec.

En el cortometraje, se exploran los significados de la vida y la muerte a través del encuentro de un niño y una anciana. Ambos personajes, ajenos y extraños entre sí, forman un vínculo indestructible a raíz de la muerte de la anciana. La historia está ubicada en un escenario ajeno a este mundo, donde los colores y sonidos dejan ver los puentes simbólicos de los misterios humanos.

Origen del proyecto

Edgar Serrato dijo para IMPULSO que el inicio del cortometraje fue un trabajo de "ubicar los puntos donde confluían las ideas y a tratar de desarrollarlas (...) Nos pusimos en camino de hacer una animación que era lo más factible para nosotros".

Para Carlos Cruz, "Sólo una constelación" responde a la necesidad personal de hacer algo que "fuera más allá de una calificación en la escuela (...) En la plática con Serrato discutimos sobre las ventajas del video digital, que es a lo que hemos tenido alcance y optamos por un stop-motion, que es una técnica de animación que consiste en que fotograma a fotograma se anima un objeto totalmente inanimado".

Durante el proceso de pre-producción, los directores del proyecto dedicaron casi 5 meses al bocetaje de personajes, modelado y selección de los escenarios propicios.

La historia fue otro paso en la larga carrera y ésta fue escrita a cuatro manos, por lo que el proceso "a veces lo equiparábamos con el trabajo que hacen los músicos, quienes sobre la línea que uno escriba el otro improvisa o crea. Así era, ir amarrando puntos nodales. En un diálogo totalmente abierto íbamos poniendo muchos escenarios posibles y hasta que hubiera una conjunción de opiniones, decíamos ‘así se queda la historia’", explicó Carlos Cruz, a lo que Edgar Serrato añadió que a la par "se necesita un poco de humildad; tener en claro que lo principal es el proyecto y nos los egos para poder reconocer que la idea del otro está mejor. Nos dimos cuenta que también teníamos muchas cosas en común y eso permitió que todo fuera fluyendo".

El cortometraje fue hecho en el estudio de grabación del Centro Universitario de Producción Audiovisual de la UAEM. "La producción hubiera costado unos setenta mil pesos entre la renta de equipo, luces, estudio, islas de edición, pero todo el equipo técnico y estudio nos lo prestó la Facultad de Ciencias Políticas" dijeron.

El corto

"Queríamos hacer un mundo extraño que guardara cierta similitud con éste para que fuera verosímil. A estas alturas no podemos descubrir el hilo negro, sin embargo creamos una atmósfera. Los personajes surgieron de alguna parte de nuestro ser, tal vez con alguna influencia del subconsciente y la historia partió de ese punto en común sobre un acercamiento con la muerte" dijo Carlos Cruz.

A partir de esa experiencia, Edgar y Carlos comenzaron a explorar la herencia de las personas que mueren y en pantalla plasman algo "que no es material, que es más espiritual, más etéreo, introspectivo (...) representa una ausencia, pero a final de cuentas las personas que convivimos en este plano, tenemos ciertas conexiones, de ahí viene la trascendencia del ser" dijeron.

Con respecto al escenario en el que se desarrolla el corto, Edgar Serrato dijo que la idea surgió al relacionar los conceptos de desierto y luna, para así crear un "desierto lunar".

"El desierto es un paisaje sobrecogedor que te impone y que te lleva -en la nada- a una introspección. A parte la luna representa una luz".

Esa luz, la luz de la constelación, es el punto de unión de los dos personajes, quienes "comparten un mismo tiempo y un mismo espacio (...) la constelación los une y a partir de esto los dos comparten un mismo sentimiento, eso propicia el acercamiento".

Experiencia en festivales

Aunque "Sólo una constelación" surgió por una necesidad de expresar, la idea de los Festivales de cine empezó a rondar por la mente de Cruz y Serrato, "para entrar en el circuito de la gente que está haciendo audiovisuales en México".

Por eso, para Edgar, el antecedente de uno de los festivales más importantes de México, ‘Expresión en corto’, fue "un reto en el que nos podíamos medir".

En la más reciente edición de "Expresión en corto" (2006), el trabajo de los mexiquenses entró en la Selección Oficial, lo que les ayudó a presentarlo tres veces: en Bellas Artes, el Auditorio del Estado y el Teatro Principal de Guanajuato.

"Era una satisfacción estar con la gente viendo tu trabajo. Fue una duda el por qué no entramos en la categoría de animación, pero algo vieron que lo pusieron en la Selección Oficial de cortometrajes, eso fue un orgullo" opinó Carlos.

La experiencia en Guanajuato, hizo que los jóvenes realizadores incubaran un sentimiento de seguridad: "traemos bajo el brazo un trabajo bueno, ya sabemos que puede competir con gente de diferentes lugares en un circuito más selecto", afirmaron.

Por lo pronto, "Sólo una constelación" se presentará hoy en el Teatro Universitario de Cámara "Esvón Gamaliel", en el marco del encuentro "A pantalla abierta". Los horarios en los que se exhibirá son a las 12:00 y 18:00 horas.

Además, el corto forma parte de la programación del 1er. Festival "Cine, Cultura y Vida", organizado por la Asociación Nydra y que se lleva a cabo esta semana en diferentes foros de Toluca y Metepec.

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Numeralia

"Sólo una constelación" en cifras:

Cinco días de montaje en la maqueta

Tres días de realización

Dos días de edición

Cinco días para preparar el audio

Nueve personas involucradas en el proyecto

Se hizo con dos cámaras reflex digitales

Dura nueve minutos, cincuenta y siete segundos

Esvón Gamaliel, más que un pretexto

En el marco del homenaje videográfico al desaparecido creador mexiquense, Oscar Esqueda y Octavio García anunciaron la creación de la Asociación Artística Esvón Gamaliel

Por: Silvia Márquez / Toluca

De nueva cuenta el Teatro Universitario de Cámara "Esvón Gamaliel" abrió sus puertas a un homenaje al desaparecido creador mexiquense con la presentación, ayer, del VideHomeNaje "Vendaval", creado por Oscar Esqueda, Octavio García y Bani Calvillo.

Oscar Esqueda dijo a los asistentes que el video fue creado "para complementar el pasado homenaje a Esvón Gamaliel con la denominación de esta sala con su nombre. Por cuestiones técnicas y frustrantes no pudimos mostrarlo y tuvimos que conseguir esta nueva fecha para hacerlo".

Durante la proyección tomaron forma testimonios, música, fotografías y fragmentos de películas y series en las que participó Esvón Gamaliel. Incluso, casi al final, la oscuridad del teatro combinada con la voz en off de Esvón dirigiendo una puesta en escena, permitió crear el momento emotivo de la mañana.

Al final, las palabras que Esqueda dirigió a Gamaliel quedaron flotando en el aire, sobre todo cuando mencionó que "hace cuatro años nos abriste una herida que hasta ahora todavía no sabemos si ya se ha cerrado (...) Por lo que hemos vivido en estos cuatro años de espera en que el teatro se quedó estático y tembloroso, parece que empieza a desgranar el quehacer interrumpido (...) En este reto diario de vivir y sobrevivir te invitamos, te exhortamos y te invocamos a ti artista, teatrista o teatrero joven o viejo, experimentado, aficionado o profesional; a ti escritor, poeta, pintor, músico, compositor, fotógrafo, acuarelista, escultor, intèrprete, ejecutante, cantante, payaso de la calle o Clown, mimo, bailarín, coreógrafo, cineasta, videoasta, periodista, reportero, corresponsal, locutor, conductor, crítico o criticón, merolico, rey o paje del escenario del país a que continúes, a que no interrumpas el quehacer o lucha que hayas escogido. Y que en el tiempo que te queda te unas a crear la Asociación que hoy empieza a respirar: la Asociación Artística Esvón Gamaliel".

Al término de la presentación, IMPULSO conversó con los realizadores de "Vendaval", quienes hicieron un llamado a la sociedad en general para compartir el material y testimonios que enriquezcan el corto y que permitan convertirlo en un largometraje.

Oscar Esqueda dijo que el VideHomeNaje es "el primer paso de lo que empezamos a hacer desde hace tres años (...) Octavio (García) instó para que reuniéramos el material para poder hacer un reconocimiento a Esvón, pero lo que yo le dije es que debemos crear una asociación. Esto lo hablamos en el 2004, en 2005 repetimos la misma idea, se pasó el 2006 y no pudimos concretar y en este año dijimos, ‘en el momento en que presentemos el video va a ser el parteaguas para anunciar nuestro interés por crear la Asociación Artística Esvón Gamaliel’".

El primer objetivo de la Asociación es resguardar las obras creadas por Gamaliel, algunas de las cuales están en coautoría con Delfina Careaga. "Delfina está en la desprotección completa, me preocuparía mucho pensar que está en una fase final de osteoporosis, nos importaría muchísimo platicar con ella para que se lleve a cabo el registro de las últimas obras que se hicieron, para que se activen, porque las obras sin activarse no producen dinero, esto sería para la ayuda de manutención tanto de la familia de Delfina y la de Esvón.

"Esvón como persona siempre estuvo procupado por el aspecto cultural y educacional del pueblo y sobre todo de la gente de bajos recursos, entonces queremos rescatar las obras para hacer altruísmo, que puedan también llevarse el apoyo a otros artistas que estén en momentos difíciles. Existen actrices y actores, aquí mismo en Toluca, que son de la tercera edad y están en el abandono completo, no nada más Delfina Careaga está en esa situación, también Juanita Meiss y otros actores de la época de los sesenta y setenta (...) queremos rescatarlos para trabajar en algunos proyectos idóneos para ellos como también de los jóvenes, de los grupos independientes y de los artistas que se acerquen, todos los que quieran".

Debido a lo anterior, se pretende que la Asociación tenga el apoyo de las insituciones, "de la Universidad misma, del Instituto Mexiquense de Cultura y de la Secretaría de Educación, Cultura y Bienestar Social porque sabemos que deben reconocer que Esvón Gamaliel le dio posicionamiento al Estado de México en el mapa cultural" mencionó Esqueda, quien agregó que sostuvieron una charla con Agustín Gasca Pliego, director del Instituto Mexiquense de Cultura, "para que el IMC sea el protector de las obras de Esvón, por eso vamos a hacer una donación oficial del video al IMC, instancia que lo difundirá en sus bibliotecas, en las escuelas".

Con respecto a retomar la Compañía Universitaria de Teatro, Oscar dijo que el panorama teatral de Toluca se caracteriza por la división entre las agrupaciones teatrales. "Cada quien está luchando desde su propio lado y esto ha sido muy negativo a lo largo de dos décadas. La idea es retomar el tema para lanzar una convocatoria muy formal con objetivos profesionales para que se ponga en marcha la Compañía Universitaria de Teatro y también la Compañía Estatal de Teatro por parte del IMC (...) esperamos que sea una efervescencia en el nombre de Esvón, para realmente surtir de actividad. Si de pronto TunAstral hace una coma, nosotros sacamos el momento de despegar".

Por otra parte, Octavio García explicó que "Vendaval" es la consecuencia "de un pretexto" que es "hacer un homenaje al trabajo de (...) Esvón Gamaliel, que nos enseñó a ser profesionales, a mostrar nuestro corazón en escena, a morirnos en escena y a respetar la escena. Él nos enseñó a subirnos a un estredo y transformarnos en otra persona, transformarnos en actores".

El video empezó como un juego de edición. "Encontrábamos materiales aquí, materiales allá y empezamos a tratar de ver en dónde y cómo podían quedar. Muchos materiales quedaron afuera y otros no se pudieron conseguir, pero sin duda el corto empezó siendo un pegado de imágenes y circunstancias, sobre todo de emociones porque el video no trata de ser académico, sino emotivo" dijo García.

De esta manera, el video comienzó a crear la necesidad de mostrar las cosas con orden. "Así se empieza a reelaborar el orden de las piezas y entonces se logra esculpir un boceto del trabajo de Esvón y de la imagen de la personalidad de Esvón. Pero no queda ahí, lo maravilloso del asunto es que el corto todavía está corto, queda corto como homenaje y a nosotros nos parece que esta etapa es la de un embrión a punto de nacer pero tendrá que crecer; esto dejará de ser un corto y será un largometraje".

De esta manera, los realizadores piensan que "la dignificación de todos los actores que participaron en la Compañía Universitaria de Teatro va a ser la complementación de este video", que por ahora cuenta con una edición "bastante lineal que tendrá que adquirir riqueza a partir de la incorporación en las partes actuadas, en las partes comentadas, más videos que tendrán que entrar".

"Vendaval" se presentará al inicio de las jornadas de encuentro de videos cortos de la UAEM, el 28 de mayo, 4, 11 y 18 de junio a las 12:00 y 18:00 horas en el Teatro Universitario de Cámara "Esvón Gamaliel".

Este atractivo patán

La ley de Pareto

Por: Edgar León Meléndez

En la práctica, esta ley es más simple que en teoría, sin embargo, ya de por sí en teoría es demasiado sencilla; el asunto es que mi compromiso en esta columna es experimentar el arte en carne propia, sólo entonces me pregunto: ¿Cómo embonar la ley de Pareto en el arte? No puedo más que como negocio hasta el momento, pues el compromiso del artista es de un cien por ciento en su proyecto, por lo que esta ley sólo aplica a los negocios que con el producto del arte se hagan. Dicho esto:

Gánate el pan con el sudor del de enfrente, sí, del de enfrente.

La ley de Pareto dice más o menos algo así.

Del cien por ciento del trabajo a realizar, de trabajar el ochenta por ciento, sólo se habrá concretado el veinte por ciento de la producción, pero, si se aplica uno sólo al veinte por ciento se alcanzará un ochenta por ciento del trabajo. ¿Cómo?

Bien, primero hemos de entender que no es lo mismo un trabajo a un negocio. Un trabajo es lo que uno hace para ganar dinero. Un negocio es lo que mi dinero hace para ganar dinero. Para entender mejor esto voy a ponerlo con la ley de Pareto.

Es una cuestión de prioridades es un trabajo. Si tu como dueño de… digamos… una ferretería, tienes un empleado, es a él al que le pagas para atender a los clientes y hacer el trabajo pesado, es decir, el ochenta por ciento, el cortará tubos, despachará thinner, etc. Pero sólo habrá producido un veinte por ciento de lo necesario para comer todos como gente decente. Pero me imagino que para eso lo has contratado a él ¿Cierto? Para que él trabaje, de otro modo trabajas tú ya que no lo necesitas. El asunto es que ese trabajo pesado lo estás delegando pues tú tienes que atender las prioridades, hacer las compras del negocio, mover el dinero que está llegando y aplicarte con los grandes clientes, y no los que vienen a comprar tornillos. Tú puedes dedicarte sólo un veinte por ciento a ver dónde vas a colocar ese dinero de mejor manera para que rinda mejor. Ese escaso veinte por ciento puede generarte un ochenta por ciento de utilidades pues te estás enfocando en las prioridades. ¿Cierto?

Bueno, es más fácil aún. Más del noventa por ciento de los ciudadanos del mundo son pobres, sólo un escaso porcentaje tiene dinero para vivir como gente decente. ¿Qué vas a hacer? Venderles un kilo de clavos a cada uno de la mayoría de tus clientes te hará ganar una pequeña suma por diez horas de trabajo, pero qué tal si te aplicas sólo un par de horas a ver empresas constructoras que en una sola compra te pueden pedir material suficiente como para tu comprarles una casa al final del día. ¿Cómo? ¿No tienes tanto material? ¿Has escuchado a tus proveedores? ¿Tienes crédito con ellos? Mejor aún ¿Cómo quieres vivir?

Al final del día tu empleado te habrá vendido tres mil pesos en promedio, pero tu habrás ganado decenas de veces más. El asunto es ponerte las pilas. Yo tengo por ahí una cantidad de trucos que podrías usar para ganar más dinero, pero no van a ser gratis. Si los quieres, tienes que pagarme por ellos de otro modo yo tendré un trabajo y no un negocio.

¿Cómo aplica al arte? Bueno, es más sencillo de lo que parece. [e-mail] hablemos de negocios.

Entre aprietos... Calderón de la Barca se hace presente en escenario universitario

Bajo la dirección de Jorge Arredondo, "El mayor encanto, amor", estrenó temporada en el Teatro Universitario de Cámara "Esvón Gamaliel"

Por: Silvia Márquez / Toluca

Tarde de lluvia, público expectante, sobrecupo en el teatro recién bautizado. Todos estaban puntuales a las llamadas, (incluso la actriz nominada al Óscar Adriana Barraza en su paso por la ciudad) y justo cuando se levantó el telón la aventura de la adaptación de "El mayor encanto, amor" de Pedro Calderón de la Barca, dio inicio.

Como dicta el teatro barroco español, canto, música y actuación iniciaron sobre el escenario. Al principio los movimientos estilizados y precisos de los actores parecían ser el puente premonitorio de una buena propuesta teatral.

Poco a poco la historia de Ulises, mítico héroe salido de la pluma de Homero y plasmado en La Odisea, se despertó frente a los ojos de los presentes.

En la narración teatral, después de travesías en la isla de Eolo y la de los Lestrigones, Ulises y sus compañeros llegan a los dominios de Circe, donde deberán de luchar contra la magia, inteligencia y poder de seducción de la hechicera. En este punto, Calderón de la Barca colocó a sus protagonistas, Circe y Ulises, en un plano alegórico-moral como encarnaciones de la concupiscencia y de la razón, respectivamente.

El problema fue cuando el entramado histórico-histriónico no mostró una solidez digna de actores con formación en la licenciatura de Arte Dramático. Por momentos los matices de los personajes pasaron a segundo plano, sólo para dejar al descubierto que los actores no se encontraban cómodos con los parlamentos en verso.

Un arma de doble filo fue que Pamela Torres, Casylda Esquivel y Pilar Gallegos compartieran el personaje de Circe, por lo que no pudimos apreciar el desarrollo dramático de la protagonista. Al principio dicha herramienta pudo ser el conducto idóneo para mostrar los diferentes rostros de la multifacética hechicera, pero finalmente no se sintió ese trabajo en las actrices.

Por otra parte, cuando "El mayor encanto, amor" estaba preparándose para su estreno en 1635, el escenógrafo Cosimo Lotti tuvo un curioso enfrentamiento con Calderón, debido a que el primero había concebido el espectáculo para usar el mayor número posible de tramoyas, relegando el texto a un segundo plano en el que los diálogos servían como mero apoyo narrativo. Por ese hecho, Calderón tuvo como respuesta una carta entre la que se puede leer: "...aunque está trazada con mucho ingenio, la traza de ella no es representable por mirar más a la invención de las tramoyas que al gusto de la representación".

La adaptación universitaria podría insertarse en ese contexto, pues a pesar de que los recursos técnicos son limitados, se les brindó un mayor peso en la puesta.

Algunos pasajes de la obra como el encuentro del marinero Clarín con el cíclope Bruntamonte o el encuentro de Ulises con el espíritu de Aquiles resultaron risibles, casi caricaturescos, algo que se podría haber evitado con el uso de símbolos creados con un juego de luces y voces, por ejemplo.

El grueso de los actores de "El mayor encanto, amor", participó en la clásica de Federico García Lorca "Bodas de sangre", que se presentó el año pasado en el Centro Cultural Universitario "Casa de las diligencias". El hecho es que la mayoría se mantiene en el mismo tenor, sin notar la diferencia entre una historia épica y un poema trágico.

Esperamos que a lo largo de la temporada (que concluirá en agosto), se note el trabajo de los jóvenes actores arriba y abajo del escenario para que ofrezcan una propuesta de calidad, tal como la espera el teatro universitario.

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Ficha técnica

 

"El mayor engaño, amor" de Pedro Calderón de la Barca

Dirección y Producción ejecutiva: Jorge Arredondo

Coreografía: Christa Lledias

Música original: Horacio Rico

Escenografía, iluminación y vestuario: Dolores Sánchez Vicario

Asistencia de Producción: Pamela Torres / Rocío Chávez

Asistencia de Dirección: Yarosly Picazo / Rocío Chávez

 

Temporada Mayo – Agosto 2007

Jueves a domingo. 17:00 horas.

Teatro Universitario de Cámara "Esvón Gamaliel". Edificio central de Rectoría, Instituto Literario No. 100 Col. Centro, Toluca, Estado de México.

SILENCIOS ESTEREOFÓNICOS

Esta semana, vamos de la propuesta creativa de Cienfue a La Noche de los Publívoros, pasando por Jodorowsky

Por: Félix Morriña

El debut discográfico del cantautor panameño llamado Cienfue ha sido todo un hit, al menos en América Latina, porque su primer álbum viene siendo como la muerte de un puerquito, es decir, no se desperdicia absolutamente nada. Es un "producto redondo".

Cienfue sacó su primer disco al mercado latino en el 2006 titulado "El disco es cultura", con una compañía discográfica española, cuyo nombre para algunos puede ser altisonante y para otros divertida. Yo les invito a que lo investiguen.

Lo que si les puedo decir es que esta compañía disquera independiente ibérica se atrevió a grabar un disco ampliamente recomendado por este interlocutor, por su estructura sencilla, pero no por ello fácil y mucho menos digerible. Es un disco muy bien elaborado de 10 temas, los cuales pueden destacar uno del otro y a su vez ser consecutivos, y en la suma de los 10 hacer un producto terminado digno de cualquier fonoteca particular.

En "El disco es cultura" de Cienfue, podrá escuchar temas de corte folclórico centroamericano, típicos de Panamá, fusionados con rock pop, algo de música contemporánea, surf, hip hop y blues que recuerdan algunos de los mejores trabajos solistas de Manú Chao y de aquellas bandas que experimentan con la música popular propia de su nación, tal y como lo han hecho los integrantes de Café Tacuva con México, por ejemplo.

El disco fue producido por Cienfue. Todos los temas fueron creados, interpretados, grabados y mezclados por él mismo, en un cuarto oscuro y cargado de humo en algún lugar de la ciudad de Panamá. "El disco es Cultura" en parte fue elaborado en Boston, Estados Unidos, donde fue masterizado en los prestigiosos estudios M-Works por Jonathan Wyner, conocido por su trabajo como ingeniero de masterización para artistas como David Bowie y Nirvana, entre otros.

Según el propio Cienfue, la dirección que toma "El Disco es Cultura" es la de ver a la música folklórica panameña como una base de la cual partir hacia nuevas expresiones artísticas modernas genuinamente panameñas. El mismo rumbo que toma el género conocido como rock moderno partiendo de la base de la música folklórica del sur de los Estados Unidos, es decir, el blues.

Actualmente sus videos de "Mi Colombiana" y "Medio alcohólico melancólico" se encuentran en rotación continua en varias cadenas de videos televisivos. Cienfue consagra su popularidad al ganar en los Premios Panamá Rock 2006, los rubros a Mejor Solista, Artista Revelación y Mejor Video del Año.

Les recomiendo ampliamente a este artista centroamericano y todas las rolas del disco, pero yo me quedo en este momento con la pieza "Medio alcohólico melancólico".

Una gran noticia del séptimo arte llega hasta esta redacción, resulta que este 2007 se cumplen 30 años de la realización de una de las películas más importantes del multifacético artista Alejandro Jodorowsky, "La montaña sagrada" y la Cineteca Nacional realiza durante este mes de mayo un ciclo homenaje a la trayectoria fílmica de este director escénico, tarólogo y polémico literato de origen chileno, radicado actualmente en París, Francia.

Tarántula Films tiene el orgullo de presentar la proyección en 35 mm de "La montaña sagrada" (1973) del director de culto Alejandro Jodorowsky, considerado por la crítica especializada como cineasta que produjo un filme esotérico, mezclando sus fascinaciones contraculturales con filosofías orientales, elementos estilísticos del barroco y gótico con el pop y la psicodelia.

Para muchos es la película de medianoche más ambiciosa y monumental; una obra de arte estrafalaria y maldita que aparece como un gigante al lado de "El Topo", otra de sus cintas, tan estimulante e ingeniosa que sería imposible repetirla hoy en día por otros cineastas.

La proyección de "La montaña sagrada" en el Festival de Cannes de 1973 aseguró que se convertiría en una instantánea obra de culto.

Grotesca, mística y sacrílega, es una excursión hacia el significado de la riqueza terrenal y la inmortalidad. La película estará todo el mes de mayo en la sala Jorge Stahal de la Cineteca Nacional en horarios diversos.

Por otro lado, les informo que el próximo sábado 26 de mayo se llevará a cabo la edición 2007 de La Noche de los Publívoros en el Teatro Metropólitan, ubicado en la calle de Independencia, número 90, Colonia Centro, México Distrito Federal.

La cita es a las 20 horas y en esta ocasión los asistentes invertirán aproximadamente cinco horas de proyección de los más variados spots publicitarios y comerciales que no pasan día tras día en los canales de televisión de su hogar. El acceso tendrá un costo de 300 pesos en preventa y el día del evento aumentará 50 pesitos.

Esto quiere decir que desde hace una década, el promotor de La Noche de los Publívoros, el francés Jean Marie Boursicot, se ha dedicado a conseguir los comerciales más raros, más elaborados, los calificados como anticomerciales, los más exquisitos tildados de cultos y los más bizarros del mundo para meterlos todos juntos en una programación de una sola noche para que los espectadores presentes tengan mayor información sobre lo existente en esta materia y género del videoarte o del séptimo arte inclinado a este estilo a nivel internacional.

Este año, Jean Marie Boursicot tiene planeado un programa con muchas referencias al séptimo arte y grandes directores como Emir Kusturica, Roman Polanski, David Lynch, por mencionar algunos; también habrá material de actores como Nicole Kidman, Gerard Depardieu y George Clooney.

Habrá comerciales fuertes, bonitos, chistosos, sorprendentes, estúpidos, geniales, cachondos, deslumbrantes…

La publicidad es, como Hollywood, una fábrica de sueños con la gran diferencia de que te invita a que compartamos esa noche, porque es más rico soñar en grupo.

La OSJEM mejora aunque el público no responde

Como hija menor de la Orquesta Sinfónica del Estado de México, debe conformarse con escasa publicidad y programas móviles según intereses ajenos

Por. Silvia Márquez / Toluca

Cada concierto que pasa entre los atriles de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de México demuestra que el trabajo constante comienza a cosechar recompensas en el lado artístico, no así entre el público de esta ciudad, que sigue sin asistir a las presentaciones a pesar de que son gratuitas, ofrecen programas digeribles y tienen una buena calidad.

Para ejemplo sólo basta el concierto del pasado martes, perteneciente a la temporada XIII de la OSJEM, que se engalanó con la presencia de Conchita Julián, reconocida soprano mexicano-española que forma parte del grupo de cantates de ópera del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Las primeras notas de la Obertura Leonora op.72b de Beethoven en la batuta de Mario Rodríguez Taboada, director titular de la OSJEM, recibieron a las 40 personas que se dieron cita en la Sala "Felipe Villanueva", al mismo tiempo que daban muestra de la calidad que poco a poco, a lo largo de meses de trabajo, fue llegando a las interpretaciones de los jóvenes músicos.

La composición del músico alemán dio paso a la del austriaco Wolfgang Amadeus Mozart y a la voz de la soprano mexicana-española Conchita Julián. Con la obra "Exsultate Jubilate", Julián bordó pasajes exquisitos que llevaron a los asistentes a un cálido aplauso de pie.

La velada musical siguió con el Adagio en G minor de Albinoni para finalizar con la Suite del Ballet "Karelia" de Jean Sibelius.

El concierto resultó una pequeña joya musical, perdida entre la inercia de las autoridades que manejan la cultura estatal, quienes todavía no apuestan por apoyar realmente a la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de México.

La OSJEM, compuesta en su mayoría por jóvenes músicos mexicanos, tiene que conformarse con ser la "sombra" de la Orquesta Sinfónica del Estado de México, dirigida por Enrique Bátiz.

Como "hija menor", debe quedarse con una escasa publicidad y falta de planeación en sus programas, ya que estos son movibles de acuerdo a la disponibilidad de espacios para ensayos y presentaciones.

Valdría la pena que se unificaran criterios de apoyo y difusión, sobre todo ahora que parece que la Juvenil se ha ganado con trabajo y calidad un lugar más importante en la lista de prioridades de la música de esta entidad.

Lanzan la tercera Bienal Nacional de Arte Universitario

Desde la Escuela de Artes de la UAEM se pretende crear reflexiones teóricas y prácticas sobre la producción plástica académica

Por : Silvia Márquez / Toluca

Como desde hace tres años, la Escuela de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México lanzó la convocatoria para participar en la Tercera Bienal Nacional de Arte Visual Universitario.

Dicha actividad buscar ser más que una muestra de carácter nacional, para convertirse en una incubadora de reflexiones teóricas y prácticas sobre las artes dentro de un contexto académico.

Para lograr la clasificación de la producción artística contemporánea, el criterio de la Bienal se manejará en tres categorías que en lugar de delimitar las posibilidades de lectura de una obra, diluirán los contornos de las categorías que tradicionalmente ubican a la producción plástica, dando además importancia a características internas de una obra de arte que permita asignarle un espacio de validez.

Retrospectiva: Primer acercamiento

Fue en marzo de 2003 cuando en el marco del 175 aniversario de la UAEM, la Escuela de Artes convocó a la primera Bienal Nacional de Arte Visual Universitario. En esa ocasión se logró captar 768 propuestas de 500 estudiantes y catedráticos de todo el país, del cual se seleccionaron 96 piezas de 85 participantes en las categorías bidimensional y tridimensional.

El jurado estuvo formado por Karen Cordero Reiman, académica de la Universidad Iberoamericana y de la UNAM; Priamo Lozada, curador del Laboratorio de Arte Alameda en México, D.F.; Luis Rius Caso, crítico y promotor de arte; Luis Felipe Ortega, académico y artista visual y Richard Moszka, promotor y curador de arte, quienes eligieron tres primeros lugares en cada una de las categorías: Bidimensional Profesores, Bidimensional Estudiantes, Tridimensional Profesores y Tridimensional Estudiantes.

Segunda Bienal

Para el año de 2005 salió la segunda convocatoria donde se propusieron nuevas categorías de participación. Estas clasificaciones se manejaron como conceptos generales que permitieran a los artistas la posibilidad de postular sus piezas de acuerdo con los modos propios de creación.

Imagen instante (que supone al objeto artístico como un espacio de inmovilidad encaminado a la estabilización del tiempo en el marco de una lectura fragmentada), imagen movimiento (que dinamiza el espacio a partir de la movilidad de los objetos artísticos y desde la cual puede originarse cierta estrategia narrativa) e imagen tiempo (en que la noción de "concepto" vivifica el efecto transformador del pensamiento-imagen), fueron parte de la clasificación de las obras que situaron a las piezas de acuerdo con la la temporalidad, a diferencia de las clasificaciones tradicionales que las encuadran desde sus características materiales o técnicas.

Este año, la tercera

La convocatoria para este año marca tres categorías o "paradigmas" de participación.

La primera se denomina "El corazón", donde podrá participar cualquier tipo de obra, realizada con cualquier material, donde la estrategia será mediar las intenciones de la imagen y las intensidades del autor, del material, de la técnica, la forma y su argumento.

La segunda es "La mano" que recibirá cualquier tipo de obra, realizada bajo la selección cuidadosa de materiales y estrategias formales abiertas a la pluralidad de formas dadas por la naturaleza y el contexto.

La última categoría es "El ojo" y podrá participar cualquier tipo de obra, material e inmaterial, donde la técnica, la materia, la forma y el discurso con controlados, la imagen es un objeto interminable, procesual y en el que se ejerce la visualidad.

En esta Bienal podrán participar alumnos y profesores mexicanos o extranjeros (con mínimo de cinco años en este país) adscritos a licenciatura o postgrado en artes plásticas o afines con obras de cualquier tipo cuya realización esté entre enero de 2006 y julio de 2007.

El estímulo económico para profesores en cualquiera de las categorías es de $40,000 y de $25,000 para alumnos.

La fecha límite para la entrega de obras es el 17 de agosto del presente año, directamente o por paquetería en la Escuela de Artes de la UAEM, Cerro de Coatepec s/n Ciudad Universitaria, Toluca, Estado de México.

Para mayor información, la convocatoria se encuentra en la página electrónica: http://www.uaemex.mx/fartes/ o directamente en la Escuela de Artes.

El Ojo Criticón. Crítica al Cine contemporáneo

Cómodas Mensualidades

Los noventas se consideraban como la época en que el cine mexicano se renovaba y encontraba una nueva luz para el desarrollo de una industria perdida y casi inexistente en la década anterior. El Nuevo Cine Méxicano se bautizaba a ésta época en que el cambio de guiones hacia temáticas más actuales y sociales, dejaba de lado y, a caso, la fantasía, relegada a la televisión.

Julian Pastor, un director, actor y guionista; comprometido con la industria cinematográfica hace cine por encargo, es decir, participa como director al estilo Hollywood ésta película. Desarrollando el área que le corresponde con gran maestría es así como observamos un filme bien dirigido sobre las desventuras y complicaciones de una joven pareja citadina, que se enfrenta a la realidad diaria en un país emergente.

Cargada de humor negro, "Cómodas Mensualidades" nos establece un mundo lleno de ironías y de cambios paradigmáticos que en cierta medida está más cercano a la esfera de la mexicanidad que a la ficción particularizada de un par de sujetos ingenuos e idealistas. En un año prolífico para el cine mexicano, Julian Pastor nos ofrece una dirección rica en matices, con momentos dignos de estudios propios, basta observar el movimiento de cámara y su relación con el espacio filmado y el movimiento de los personajes, creando una especie de coreografía de la vida diaria.

En su narrativa es una película convencional que nos ofrece una postura de fácil acceso para entender la manera como la sociedad mexicana se abre paso a la modernidad y la idea de desarrollo que se promovía en aquellos años. La globalización, el consumismo como estilo de vida y la actualización constante del sujeto laboral son elementos que nos dictan durante el film. Un joven matrimonio debe enfrentarse a su nueva vida de casados a partir de la visión, las ideas y los consejos de las personas que les rodean; haciendo uso de estereotipos y clichés que permiten darle a éste filme un tono de comedia acida pocas veces visto en el cine nacional. Los padres de la mujer, los amigos del prometedor empleado, el jefe de la compañía, el banquero que busca venderles créditos para el futuro. Todo encaminado al deseo del matrimonio de comprar un "automóvil de agencia" sin importar el modo de compra y las dificultades durante el proceso.

Éste filme de índole social se diferencia claramente del cine de otro crítico de lo social como es Gabriel Retes (El Bulto, México, 1992) quien marca un discurso y una visión muy particular sobre los mismos temas, pero desde la perspectiva de la tensión romántica de un sujeto que despierta de un coma veinte años después. Julián Pastor lleva la temática más hacia la parodia y la comedia ligera y entretenida que al filme de crítica reflexiva. Esto no significa una película mala, al contrario, de una manufactura de calidad y una historia que nos hará reírnos un poco de nuestra sociedad actual.

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