Desorganización y sorpresas, en el homenaje al tenor José Bosada

La Universidad Autónoma del Estado de México organizó un concierto-homenaje al cantante a unos meses de su muerte

Por: Silvia Márquez / Toluca

La noche del lunes, la Universidad Autónoma del Estado de México ofreció un concierto - homenaje Post Mortem al tenor José Bosada (solista y parte del elenco artístico universitario) en la Sala Felipe Villanueva de esta ciudad.

La Sala tuvo su aforo casi lleno; además fue el escenario de la presentación del grupo de lectura en atril "Voces y ritmos", la Orquesta de Cámara "Amigos de Bosada", el Coro "Renaissance", el Coro "Cant’arte", así como la intervención de varios músicos y cantantes.

En esta ocasión, se colocaron dos pantallas en las que se mostró una entrevista con el tenor y posteriormente la Orquesta de cuerdas presente en el escenario acompañó a Bosada en el video, quien interpretó "Non ti acordar di me" de E. Di Curtis.

A pesar de que todo estaba dispuesto, al momento de que la Orquesta "Amigos de Bosada" tomó parte en el concierto, no brilló la música y se notaba a los ejecutantes desganados, tocando por tocar.

El tiempo pasó y tocó el turno al Coro "Renaissance", mismo que fue fundado por José Bosada en septiembre de 1996. De nueva cuenta, las voces no fueron explosivas en el sentimiento de los asistentes, entre los que se encontraba el rector José Martínez Vilchis acompañado por diferentes secretarios de la UAEM, directores de Facultades y centros culturales.

Después de escuchar dos fragmentos de la banda sonora "La Ventisca" y del Réquiem de Mozart, la "Meditación de Thais" de Jules Massnet tomó forma entre el arco y cuerdas del violín de Félix Parra y la interpretación de Pablo Masariegos en el piano

Obras de Manuel M. Ponce y Gori Cortez fueron las siguientes en el programa para dar paso a la lectura de Maricarmen Maldonado e intervención de "Renaissance" con "Los epitafios sobre la tumba del Quijote, Dulcinea y Sancho Panza", que no resultaron más que un punto en el programa y no aportaron emotividad ni sorpresa.

Casi al final de concierto, tomó el piano la hija de Bosada, Tamara de ocho años, y tocó al lado de la Orquesta de cámara el primer movimiento del "Concertino en Do Mayor para Piano y Orquesta" de Joseph Haydn, en lo que resultó tal vez el momento más llamativo de la velada.

Cuando llegó el momento para el coro "Cant’arte" de la UAEM, dirigido por Manuel Flores, un apagón inundó la Sala, lo que no impidió que las voces del Réquiem de Faure subieran por los pasillos y corredores del recinto ubicado en la calle de Quintana Roo. En dicha agrupación coral se puede escuchar un trabajo más constante, debido a que la mayoría de sus integrantes también forman parte del Coro de la Orquesta Sinfónica del Estado de México.

Para finalizar, cantantes de media tabla participaron en un popurrí de música mexicana, lo que convirtió el concierto en una revoltura de estilos, técnicas, compositores y obras.

El homenaje no resultó ser lo que se esperaba y sólo mostró que a la Universidad le falta apostar por el desarrollo musical, sobre todo en la formación vocal de los cantantes que forman parte de su elenco artístico y que presenta en conciertos de "gala".

SILENCIOS ESTEREOFÓNICOS

Pormenores del Festival Iberoamericano de Cultura Musical, Vive Latino 2007

Por: Félix Morriña

Un total de 68 bandas hispanoamericanas de diferentes estructuras sonoras, estilos, corrientes, géneros e incluso idiosincrasias musicales estuvieron presentes el pasado fin de semana en el Foro Sol de la Ciudad de México, dentro de la octava edición del Festival Iberoamericano de Cultura Musical, Vive Latino 2007.

De nueva cuenta fueron dos días (sábado 5 y domingo 6 de mayo) los empleados para este encuentro musical en el que los organizadores, medianos empresarios mexicanos y diversas marcas patrocinadoras internacionales ofrecieron una oferta ecléctica de lo más sobresaliente de la industria latina establecida en los mass media, provocando cada vez más polémica entre el público exigente de mayor calidad entre las agrupaciones seleccionadas y provocando malestar en algunos melómanos respecto a la manera en la que son programadas las bandas en los tres escenarios por día dispuestos para la ocasión.

Para miles de asistentes a lo largo de las anteriores siete ediciones (desde 1998, el Vive Latino se ha venido consolidando como uno de los festivales juveniles más atractivos para dar a conocer grupos de rock, música electrónica, experimental, música pop, vanguardia y demás ramificaciones de la música contemporánea), el cartel cada vez es de menor perfil, mucho más pop o "fresa", como lo califican muchos, convirtiéndose en un festival muy digerible que no muestra propuestas genuinas de habla hispana.

Se respiró en el aire una programación basada en el práctico formulismo villamelón, complaciente y sobre todo light para mentalidades domesticadas y sometidas por maniqueístas medios masivos de comunicación, principalmente radiofónicos, y no en un festival que equilibre las corrientes sonoras existentes.

Por un lado, es normal que se programe a este tipo de agrupaciones en el Vive Latino cuando hay muchas marcas de renombre detrás que exigen resultados redondos y productivos, por lo que el público asistente ya debe saberlo y no ponerse difícil, ya que actualmente para todos los gustos hay oferta y demanda.

También, es necesario ubicar al Vive Latino como el festival que nació siendo la vanguardia en este tipo de encuentro masivos en México, y que luego se fue transformando, tal y como lo hizo el Tianguis del Chopo, antes era "la neta del planeta" y ahora es sólo un sitio de encuentros de personas con intereses musicales afines, cuando antes era el sitio que incitaba a la búsqueda de mundos musicales distintos.

Lo importante de todo, es que ya hay otros festivales en México que van creciendo poco a poco, encargados de presentar a las bandas con un perfil distinto al mostrado en el Vive Latino y que atiende a ese sector de la población exigente. Aún así, apoyo a los melómanos inconformes que piden a gritos mejores bandas de habla hispana, mejor programación y que se incluyan a esos etiquetados como rarezas sonoras.

Pasando a la edición de este año, las bandas estuvieron divididas en tres escenarios por dos días, 34 el sábado e igual número el domingo. Con este cartel, los melómanos tienen la última palabra, mientras tanto les diré que una de las bandas participantes que seguro llamaron la atención fue la española Columpio Asesino, quienes tiene dos discos en el mercado: "El Columpio Asesino" (2003) y "De mi sangre a tus cuchillas" (2006).

Trajeron como respaldo el apoyo de la prensa especializada de su país de origen (España) y de México, más la buena reputación de los conciertos y su aportación al rock en la Lengua de Cervantes. El Columpio Asesino es una agrupación a la que hay que ponerle mucha atención a lo que hagan porque resultó una excelente sorpresa en la música contemporánea.

En su música podrás descubrir que sus influencias rockeras están fundadas en Pixies, The Clash, Iggy Pop, Sonic Youth y los Dead Kennedys por mencionar algunas bandas de importancia, como también te darás cuenta que hay mucho del literato, dramaturgo, cineasta, tarólogo, novelista y terapeuta chileno Alejandro Jodorowsky.

La influencia de Jodorowsky en El Columpio Asesino radica principalmente en el baterista, vocalista y compositor Albaro Arizaleta, quien es fiel lector del sudamericano y lo toma como su guía moral y espiritual. Arizaleta asume la influencia de Alejandro, sobre todo porque una frase que puso por dedicatoria en el libro de su autoría "La danza de la realidad", terminó afectando al músico.

La frase que puso Alejandro Jodorowsky dedicada a la banda y a su baterista fue: "De mi sangre a tus cuchillas, para El Columpio Asesino". Desde ese momento, Albaro Arizaleta supo que el nombre del segundo disco de su agrupación tendría que ser precisamente ése y todo el proceso creativo, el de producción, post producción y hasta la salida al mercado tendría que estar marcado por Jodorowsky.

Este segundo material está integrado por 11 cortes más un desliz sonoro (o bis) como quieran llamarle, con una estructura que permite a cada rola tener su propia unidad, su propia identidad sonora y al mismo tiempo todo en su conjunto es un pieza suficientemente armada para ser un concepto disco que va más allá del rock básico, la electrónica, el pop y la experimentación.

Si el disco termina por gustarte, en vivo estos navarros te atraparán, porque además se presentan con atuendos hasta cierto grado ridículos o con vistosa comodidad hogareña. El guitarrista aparece con un bata y con una barba de semanas, totalmente despeinado; el bajista como si estuviera haciendo labores de restauración casera.

El saxofonista viste como Elvis Presley; el tecladista como todo un new wave trajeado; el baterista pelón y con sombreros tipo Tardán haciéndose el importante y el otro guitarrista como cualquier hijo de vecino los domingos de cruda. Todos ellos se hacen llamar Albaro, Raúl, Markos, ION, Chive e Iñigo.

Sobre el nombre de la banda, nunca han determinado el motivo, ni el por qué decidieron llamarse de esa manera. Para algunos suena ridículo, tonto, sin significado, pero para otros les insinúa pederastia, pedofilia, música incidental, infantil, pero también de filme de horror. Ahora ya saben que se trata de un sexteto navarro que hace buena música rock.

Para el grupo de Los doce: "leer no hace mejores a las personas"

César Ortega, presidente de dicha asociación, esbozó las características del grupo a casi un año de su integración

Por: Silvia Márquez / Toluca

Hace un año, aquí en Toluca, surgió un grupo que se autodenomina de "cultura, pensamiento y reflexión". La dinámica de trabajo, desde entonces hasta la fecha, se compone de reuniones los últimos jueves de cada mes para exponer un libro por cada uno de los integrantes. El objetivo final es promover el gusto por la lectura.

A pesar de dicha visión, la asociación parece mantenerse de manera muy light en el ámbito cultural de esta ciudad. Al respecto, César Ortega, presidente de "Los doce", dijo que su intención no es "ser intelectuales", ya que se consideran como "un grupo de amigos que compartimos un gusto por la lectura y que pensamos que a través de ese gusto podemos multiplicar el conocimiento que tenemos".

Aunque se consideran como un grupo de difusión de la lectura, su presidente opinó que "el leer no te hace mejor como persona porque las personas que leen mucho siguen siendo igual de groseras, irrespetuosas, intolerantes, pero sí es una forma de invertir tu tiempo libre".

Al preguntar a Ortega su punto de vista sobre la última Encuesta Nacional de Lectura (ENL), mencionó que "los promedios no son importantes" y con respecto a los gustos literarios de los mexicanos opinó que "en principio lo importante es que se lea y después ya empezar a discriminar por gustos las lecturas que se hacen".

De esta manera, "Los doce" no tienen un criterio uniforme sobre los libros que se reseñan y exponen en sus reuniones. Paulo Cohelo, Og Mandino el "gurú de las ventas" o Dan Brown son algunos de los nombres que desfilan entre el sitio de internet de la asociación, a lo que César Ortega justificó diciendo que no tienen "una limitante" porque "el mejor juicio lo tiene el que lo lee".

Relación con otros grupos

Uno de los objetivos de "Los doce" en su inicio fue establecer relaciones con otras agrupaciones y talleres literarios, porque "el desarrollo se da en la colectividad, a través de los grupos" aclaró Ortega. No obstante, al cuestionarlo sobre el tipo de relación que ha tenido con grupos como TunAstral, el Taller Urawa, el Centro Toluqueño de Escritores o Diezveintiocho, entre otros, el entrevistado respondió que "tal vez suene a justificación; hemos tenido acercamientos con casas editoriales, con librerías, con cafés literarios, con intelectuales y artistas y lo estamos haciendo lentamente, pero en este contacto con otras agrupaciones similares o talleres todavía no".

Sobre su conocimiento de dichos grupos y sus actividades, Ortega dijo que es "marginal".

"Por ejemplo en el Biarritz se juntan algunas organizaciones como de Numismática, periodistas, escritores, poetas, pero los conocemos de manera marginal, no hemos establecido relaciones formales o por lo menos comunicación con ellos para saber qué hacen".

Un año

De esta manera, y bajo el panorama antes mencionado, "Los doce" celebrarán en los próximos días su primer aniversario como asociación. Si bien las buenas intenciones no se cuestionan, la exigencia de buscar actividades integrales y que no se queden como pasatiempo, es la que se pone en la mesa, junto a la velita de aniversario.

Espíritu musical argentino se hizo presente en Toluca

El dúo de guitarristas de Javier Bravo y Silvana Saldaña tuvo un intercambio con estudiantes del COMEM antes de poner punto final a su gira mundial y regresar a Argentina

Por: Silvia Márquez / Toluca

Estudiantes de guitarra del Conservatorio de Música del Estado de México (COMEM) compartieron un día entre los sonidos, técnicas y sentimiento musical argentino en manos del dúo de guitarristas clásicos Javier Bravo y Silvana Saldaña, quienes estuvieron de visita en nuestra ciudad la semana pasada antes de finalizar su gira por Estados Unidos y México en Morelia.

El dúo Saldaña-Bravo, empezó en la guitarra a los nueve y siete años respectivamente, para después, a los trece obtener su ingreso al Conservatorio "Manuel de Falla" de Buenos Aires, Argentina.

Después de un recorrido como solistas y la grabación de los materiales discográficos "España: de Albéniz a Paco de Lucía" (J. Bravo) y "Música argentina y latinoamericana" (S. Saldaña), es el año 2000 el que los unió como dúo, y a partir del cual se han presentado en diversos países en donde trabajan con un repertorio que corre desde lo barroco hasta la música contemporánea.

Actualmente trabajan con "A dúo", disco en el que "tratamos de poner diferentes estilos, con respecto a lo que estamos haciendo" dijo Javier Bravo.

Poco después de la clase magistral en el COMEM y su concierto en el auditorio "Silvestre Revueltas" de la misma institución, IMPULSO conversó con ambos guitarristas, quienes definieron su quehacer musical dentro y fuera de Argentina.

Precisamente el tema de un ícono en los géneros musicales del país sudamericano, el tango, fue uno de los primeros que se presentaron en la mesa y ante lo que Javier Bravo respondió que aunque ellos se insertan en la guitarra clásica, saben que el tango es un género "muy importante (...) Nuestra propuesta es usar elementos de la guitarra clásica y de la guitarra popular -como los del tango-. Tratamos de involucrar más lo que es la guitarra clásica sin perder la esencia del ritmo y de la forma de tocarlo".

Ante la pregunta "¿es el tango un estigma para un músico argentino?", Silvana Saldaña dijo que la palabra "estigma" puede ser interpretada "como algo que es por obligación" y para ellos el tango es "un gusto".

Bravo opinó que la relación de la gente con el tango tuvo "momentos de quiebre (...) cuando la gente estaba contra el tango por los años setenta, salvo Piazzolla, aunque en Argentina no era muy bien visto, la gente decía que eso no era tango. En esa época los que fueron más renovadores buscaron un camino fuera de Argentina saliendo de lo que es el tango tradicional. A partir de los ochenta se empezó a perder tanto fanatismo por lo tradicional. Ahora, que somos generaciones que no vivimos el tango en su esplendor total, podemos verlo de otra manera, lo tomamos como base y podemos usar otras influencias y darle otro tipo de desarrollo".

Al respecto de las transformaciones, hizo referencia a la música de fusión, por lo que "el panorama ya es otro".

Bajo ese contexto, ambos guitarristas cuentan con un perfil particular, pero a la hora de hacer frente a la carrera musical en Argentina, "tratamos de unir la carrera como concertistas y tener una presencia en la docencia (...) a la vez tenemos que hacer otras cosas, por ejemplo yo también compongo y hago arreglos" explicó Bravo.

Asimismo, el panorama en su país de origen del desarrollo artístico en general, y musical, en particular se vislumbra difícil "porque no hay mucho apoyo".

El punto de vista de Javier es que "para tener cierto desarrollo como músico se debe tener mucha constancia y un poco de testarudez. Como siempre hay mucha gente que tiene muchas aptitudes pero que no tiene esa testarudez para no dejarse vencer por nada", lo que fue complementado por Silvana, quien habló de la constancia, "porque hay que luchar contra cosas en el ambiente que no van, obstáculos que hacen que la música se vaya dejando de lado".

Su llegada a México corresponde a una invitación hecha por el guitarrista Francisco Gil, concertista, investigador y docente en Toluca y Morelia, y a quien conocieron en Brasil y ahora se convirtió en su anfitrión.

Ambos músicos explicaron dicha relación con base en la unión de la comunidad de guitarristas en todo el mundo, porque "la relación entre los músicos, va ayudando a viajar y a conseguir lugares en donde tocar y ahora nos trajo al Conservatorio de Música del Estado de México y después a Morelia", todo "combinado con el viaje que hicimos por Estados Unidos (con presentaciones en Connecticut y Long Island) gracias a otra persona que conocimos en Brasil. De esta manera podemos ir armando nosotros mismos una pequeña gira".

En su regreso a Buenos Aires, el dúo tocará con una orquesta de cuerdas de esa ciudad y estrenarán una obra de Javier Bravo.

El recorrido musical y la investigación en la guitarra no termina ahí. Ambos continuarán explorando el repertorio para guitarra, mismo que consideran que "tiene mucho futuro" porque "es un momento muy importante para ese instrumento por toda la cantidad de gente que está trabajando en todo el mundo y las obras que se están componiendo. Yo lo comparo un poco con lo que fue el siglo XIX para el piano o para el violín" dijo Bravo.

Este atractivo patán

Leer 

Por: Edgar León Meléndez

Como medio de comunicación, esta colección de símbolos nombrados letras que en conjunto forman palabras, que representan conceptos, aún antes de Hegel, e ideogramas (que a su vez son símbolos que representan palabras e incluso enunciados) tienen por tendencia ramificarse también a las artes gráficas, es decir, forman escritos.

Estos escritos suelen ser medios de expresión gráficas, pero muchas de estas representaciones textuales son tan complejas en su mezcla de letras para formar palabras o enunciados, que la saturación de elementos se vuelve tediosa e insoportable.

Para facilitar el entendimiento, existen alfabetos ideográficos, como los usados en Japón, los cuales, como ya comenté, son una suerte de letra que a su vez es una palabra o un enunciado. Su mezcla con otros ideogramas puede producir un significado totalmente distinto que el original. Como sucede en el inglés con los famosos idioms.

Los matemáticos incluyen en sus teorías un alfabeto ideográfico que facilita la lectura y el entendimiento de sus tesis, este alfabeto en su haber, incluye palabras ad- Hoc a su arte (las matemáticas en un principio eran consideradas un arte ejemplo: Naturales, pertenece, Tal que..., racionales, por lo tanto, existe, mayor que..., menor que, subconjunto, etc.

Por supuesto, antes de estos medios escritos existieron y siguen vigentes los pictogramas, las pinturas, dibujos, ilustraciones que exponen de frente las imágenes que buscamos representar. Hoy, este tipo de imagen se encuentra incluso en la ropa interior.

Pero todo esto, o solo nuestros veintisiete símbolos así como sus signos de puntuación no son, hasta el momento apreciados por la gran mayoría, y la razón es simple, mezclar todos estos símbolos requiere de práctica para leerlos, si, pero se vuelve un acto similar al de manejar o hablar un idioma, nos parece normal. Pero cuando los textos son confusos, los temas no nos interesan, no hay sexo ni balas, simplemente no queremos leerlos.

Debo decir que, aunque soy lector asiduo, a mi no me gusta leer. ¿Por qué habría de gustarme? Mejor me espero a que salga la película. Sin embargo leo por que me interesa, y es este interés los que termina por generarnos el gusto de la lectura.

Si bien Harry Potter no se va a llevar el premio Nobel de literatura ha conseguido hacer lo que ninguno de nuestros muertos de hambre ha hecho, hacer que los niños lean, desde su primer libro de ciento veinte páginas hasta su última publicación de más de seiscientas páginas. Los niños ya se están acostumbrando a leer, ahora empecemos a preocuparnos por lo que están leyendo.

Mas no hemos de dormirnos en laureles, el primer problema de los escritores de gran talento es su gran hueva, su poca creatividad y su miedo para darse cuenta que esto es un oficio, no una maldita terapia, pretexto para beber y meterse mota. Mientras el escritor y el resto de los artistas de verdad no se den cuenta de su oficio y no busquen atraer al lector, se seguirán muriendo de hambre aceptando (¡Y exigiendo estúpidamente¡) becas, o rogando por ellas como si fuera obligación de los que pagan impuestos y del gobierno mantener a una bola de bueyes que no proponen.

Por lo tanto, leer no es una obligación, cuantimenos un crimen. Triste pero cierto, el problema empieza en el escritor. Ahora bien, cuando nuestro conglomerado de pseudo-intelectuales no reparan en usar el cerebro como se debe, pero si en opinar sin sentarse a pensar, pues nos da pena presumirlos, pero esto ya es tema de otra columna. Yo ya me cansé de estar frente a la computadora.

Zoon theatrykon: tu casa lleva tu nombre

Un homenaje y el inicio de una historia; el Teatro Universitario de Cámara “Esvón Gamaliel” 

Por: Silvia Márquez / Toluca 

Suave y lento. De esa manera el viento agitaba la tela color verde sobre la puerta del Teatro Universitario de Cámara ante las voces de las personas que se arremolinaban a la entrada. En el interior las luces permanecían apagadas, el escenario ideal para la serie fotográfica de Jorge Ortega en la que se exploraban los recuerdos y aparecía el mismo rostro, el de Esvón Gamaliel.

La tela cayó minutos después de las seis de la tarde del pasado miércoles. Letras doradas se ordenaron frente a los ojos de todos en el homenaje post mortem y dejaron leer: “Teatro Universitario de Cámara. Esvón Gamaliel”.

Los aplausos, las lágrimas y el recorrido ritual de los espectadores a los asientos del teatro siguieron en el número. Las luces se encendieron. El blanco y negro de las fotografías, que llenaban las paredes del recién bautizado recinto, iluminó las puestas en escena, el desgarramiento, las pasiones.

Tres sillas en el escenario, dos músicos al costado y una estructura metálica cubierta de hiedra verde dieron la bienvenida a los sentidos.

“Sabemos quién es alguien cuando podemos medir el tamaño de su ausencia. Luis de Tavira”, fueron las palabras pronunciadas por Virginia Aguirre y que dieron inicio al recorrido dramático – musical a manera de homenaje al artista que supo darle significado al dolor de vivir.

Ya escribía Esvón Gamaliel, junto con Marcelino Castillo y Víctor Nava, que el “dolor-risa, amor-llanto, ilusión-desesperanza, razones de todos los días se destila ahí, en el espacio escénico, despertando en el espectador catárticos momentos de diversión liberadora, bajo cuyo efecto la realidad verdadera se descifra acendrada y sustantivamente”.

De repente fuimos testigos de ejercicios dramáticos por parte de Óscar Esqueda, Virginia Aguirre y Adalberto Téllez, del espacio vacío que simbólicamente ocupó Esvón durante el homenaje a su ausencia, de la luz jugando con los gestos, de la música a cargo del dúo Corazón Caliente

La realidad de la última escena fue recordada gracias a la pluma de Eugenio Núñez Ang, quien a través de las letras describió: “...la última escena no podía modificarse / sin alterar la anagnórisis / sin cancelar la catarsis / tú ya lo sabías: / escribir la carta / fade in a la música de fondo / la doliente voz de La Lupe / la vida es puro teaaaatro / y lentamente apurar ese momento después / dejar entrar la luz / y escuchar en off los gritos sordos de tus amigos / fin de la escena fin de la obra / tus propias palabras te retratan / como si fueras tú y no nosotros allí / en ese enorme retrato de familia / los que nos despedimos / porque al caer el telón todos morimos un poco”.

Al final la luz llenó todo el espacio; el actor, director escénico, escenógrafo, vestuarista, musicalizador, iluminador, dramaturgo, académico e investigador universitario revivió entre los aplausos en la fría Toluca, justo antes de que cayera el telón.

El Ojo Criticón. Crítica al cine contemporaneo

Donnie Darko: La crítica norteamericana contemporánea 

Por: Jorge A. Cid

Ésta es quizás una película que, por sí sola, renueva el género, si puede denominarse de ésta manera, del cine de culto. Un filme con una extraña mezcla de géneros narrativos y cinematográficos que provoca desconcierto al mismo tiempo que fascinación sin caer en ningún tipo de pastiche y por lo cual adquiere un valor particular con referencia al resto de los filmes norteamericanos de corte juvenil.

Más allá de la temática juvenil, esta película realiza una crítica, de forma muy retórica, a la sociedad norteamericana de nuestro tiempo. Donde todavía encontramos algunos indicadores sobre el rascismo y el puritanismo de una sociedad más cercana al fascismo pasivo que a la apertura ideológica y globalizada.

Donnie Darko es un joven inquieto y curioso que vive en una ciudad provinciana común. Interesado por la física y sus mitos que nos recuerdan más a la sociedad norteamericana de las decadas de los cincuentas o sesentas; la misma interesada en los viajes espaciales, que a la actual bélica y caótica sociedad norteamericana con problemas en su política exterior. Y es que este filme tiene un tono nostálgico encarnado en Donnie y la sociedad a la que parece no pertenecer. Como si fuese un freak que a los ojos de él mismo y del propio espectador, encuentra a la sociedad más alienada que sí mismo. Como si el único sujeto cuerdo es el mismo que los demás ve como diferente. Ésto propone una buena pregunta.

Técnicamente Donnie Darko es un filme bien hecho, con una gran calidad como lo es el cine norteamericano por lo que el guión y el argumento de la película le dan un mayor valor. Su temática juvenil en tono retro es bastante atractiva lo que nos permite observar una pelicula discretamente redonda y apropiada no solo para el público jóven también para el adulto. Una película que convence e intriga al mismo tiempo y aún así nos otorga una reflexión sobre la actual sociedad norteamericana alienada y complusiva.

Donnie Darko entra al grupo de películas que gustan sin entender a ciencia cierta qué es lo que atrae de ella. Una propuesta que nos muestra un nuevo estereotipo de freak tan de moda en éstos días sin caer en la idea consimuble propio de la televisión pop.

Sin duda un filme que gustará desde cualquier perspectiva incluso la del análisis complejo a cualquier nivel. 

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Ficha Técnica

Donnie Darko (Richard Kelly, Estados Unidos, 2001)

Jake Gyllenhaal…Donnie Darko

Holmes Osborne…Eddie Darko

Maggie Gyllenhaal…Elizabeth Darko

Daveigh Chase…Samantha Darko  

Por fin, hoy el homenaje

Después de búsquedas y pocas respuestas, por fin hoy se llevará a cabo un homenaje post mortem a Esvón Gamaliel denominando con su nombre el actual Teatro Universitario de Cámara. Dicho acto se efectuará a las 18:00 hrs. en el Edificio de Rectoría de la Universidad Autónoma del Estado de México.