Un concierto en silencio

Como parte de las actividades del programa "Discapacidad y cultura" del IMC, niños con discapacidad auditiva, sensorial y mental se acercaron a la música y compartieron el canto

Por: Silvia Márquez / Toluca

El tercer concierto de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de México (OSJEM) dirigido a niños con discapacidad, llenó de música y señas la Sala "Felipe Villanueva" el pasado martes.

En esta ocasión dirigidos por Luis Manuel García Peña, los músicos de cada una de las familias orquestales explicaron de manera didáctica cada sonido que forma parte del universo de la música. Los niños se ayudaron de globos rojos para percibir las diferentes vibraciones a través de sus manos.

Después de la introducción al concierto, en la que el director de la orquesta explicó al público cada uno de los instrumentos y sus diferencias melódicas, la OSJEM interpretó para los pequeños asistentes música de películas y series televisivas como "Superman", "Los Picapiedra" y "La Pantera Rosa".

La interacción del público se logró gracias a la invitación que García Peña hizo a seis niños para dirigir la orquesta durante una marcha. Una de las participantes rompió la barrera y abrazó emocionada al director de la orquesta y a la concertino.

Uno de los momentos más emotivos del concierto fue el cierre que estuvo a cargo del coro de niños sordos del CREE, quienes acompañados por el coro de niños de Toluca (dirigidos por Emilio Hernández), cantaron juntos el Himno a la alegría, perteneciente al 4º movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven.

Gracias al sistema mexicano de señas, y la traducción al español de la "Oda a la alegría" de Schiller, las manos extendidas en el aire indicaban el agradecimiento, los aplausos en silencio y la experiencia del acercamiento a la música, aún para aquellos que experimentan de otra manera los sonidos.

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"Al nacer todos traemos un boleto a la discapacidad"

Entrevista con Lorenzo Medina Almazán, coordinador del programa "Discapacidad y cultura"

Por: Silvia Márquez / Toluca

Al final del concierto de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de México, IMPULSO conversó con Lorenzo Medina Almazán, coordinador del programa "Discapacidad y cultura" y uno de los principales entusiastas en este tipo de actividades.

Hace un par de meses, ustedes pedían que se incluyera a los sordos para cantar al lado de la orquesta...

En esa ocasión algunas personas con discapacidad auditiva pedían que se les incluyera en los cantos y nos dimos a la tarea de ver con el Maestro Mario Rodríguez Taboada, y ahora con el Maestro Luis Manuel García Peña, el trabajo en conjunto con personas sordas. Nos ofrecieron la idea del "Himno a la alegría" que se debía traducir a señas y hoy tuvimos la sorpresa de que los niños estuvieron felices. Yo considero que fue una experiencia única, ha sido un logro muy especial. Vamos a seguir trabajando por los niños que son los que van a sacar adelante este mundo. No porque haya una limitación, como lo es una discapacidad, el mundo se ha acabado para ellos, al contrario, debemos de buscar nuevas opciones para ellos para que puedan salir adelante. Y qué bueno que la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de México esté apoyando.

¿Qué actividades tienen planeadas dentro del programa ‘Discapacidad y cultura’?

Vamos a tener presentaciones de títeres, música latinoamericana, algunas conferencias de sexualidad para niños -porque es muy difícil que se les acerque a estos temas-, actividades de jazz, trova y varios géneros más. Además, se está pensando realizar cinco conciertos más con la OSJEM a lo largo de éste año.

¿De qué manera reciben este tipo de actividades los niños involucrados?

Las reciben con gran beneplácito. Es muy difícil que los padres de familia lleven a los niños a este tipo de eventos, en primera por la propia discapacidad y además porque todavía no se ha erradicado el estigma. Los adultos a veces llegan a los eventos, pero no así los niños que dependen de sus papás y a ellos son a los que tenemos que sensibilizar en la música para que puedan acercar a la cultura a sus niños.

¿De dónde vienen los niños que hoy estuvieron presentes?

Aquí estuvieron niños del CREE, del CAM-1 y CAM-2, de las Flores, de la sección de deportes del Estado de México y del ISSSTE, de donde incluso vinieron algunos adultos.

¿Cómo se acerca el programa ‘Discapacidad y cultura’ a la sociedad?

Tenemos talleres de apreciación sensorial en los que sensibilizamos tanto a profesores como al público en general para acercarlos a la discapacidad, incluso a los padres de niños con discapacidad; hacemos que vivan la discapacidad, porque no es lo mismo verlo a que lo sientan y de esa manera estamos formando mejores personas. El espacio se va abriendo poco a poco. Nos comentaba un doctor que al nacer todos traemos un boleto a la discapacidad, a unos se nos hace efectivo y a otros no, pero mientras llega ese momento hay que prevenirlo. Tal parece que llega la discapacidad y ya se acabó todo, pero no, estamos creando las condiciones tanto de infraestructura y de estructura para que los niños y los adultos con discapacidad puedan acceder a la cultura.

¿Cuánto tiempo tiene este programa y hacia dónde va?

Iniciamos en abril de 1999 y ya formalmente en el 2000. Estamos trabajando en el Museo de Bellas Artes de Toluca y ahora nos daremos el lujo de que en cada museo vamos a poner un taller. Se enseñará desde numismática, grabados, antropología. Actualmente en Bellas Artes se hace un taller que se llama "El arte en tus manos" y próximamente vamos a trabajar uno en el Museo "José María Velasco" que iniciará con una exposición.

Memoria del beneficio

Una colección invaluable del Maestro Augusto Isla en el Museo de la Estampa

Por: Blanca Ocampo / Toluca

Una exposición más en el Museo de la Estampa de ésta ciudad espera al público hasta el próximo 15 de abril. Se trata de una colección del Maestro Augusto Isla titulada "Memoria del beneficio".

En ella es posible encontrar obras invaluables por la relevancia de los autotres en la historia de la grafica mexicana.

Más de 40 artistas se hacen presentes, entre ellos José Guadalupe Posada, Angelina Beloff, Raúl Anguiano, Alfredo Zalce, Luis Nishizawa, Rufino Tamayo, José Luis Cuevas, Carlos Mérida, Gonzalo Utrilla, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, sólo por mencionar algunos.

La temática es tan diversa como diversos son los autores, lo que permite al espectador formarse un panorama amplio y gozar al mismo tiempo de cada una de las obra presentadas.

Sin duda resulta una colección inteligente y sensible como lo es el Maestro Augusto Isla, a quien se agradece la oportunidad dada al público para compartir el gusto por el arte.

Adriana Barraza, su paso por Toluca

Y 'Una tal Raymunda' que no se olvida

Por: Blanca Ocampo / Toluca

Adriana Barraza, un nombre que ha alcanzado titulares en diarios y revistas, sitios de la internet y un sin fin de menciones en radio y televisión, ha despertado ese sentimiento de identidad que hace que los triunfos de paisanos fuera del país sean abrazados como propios.

Sí, Adriana Barraza forma parte ya de ese singular fenómeno nacionalista que invade a México cuando se trata de logros ante el resto del mundo en términos de deportes o espectáculos. Y es que junto a Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu, ha sido considerada para recibir algunos de los reconocimientos más importantes en el panorama fílmico mundial gracias a su destacada participación en la película Babel, precisamente de González Iñárritu.

Basta mencionar al caso su nominación para hacerse acredora al premio Globo de Oro como mejor actriz de reaparto y ahora al Oscar en la misma categoría; los dos galardones más importantes en el ambiente de Hollywood.

Sin embargo, más allá de González Iñárritu y del Toro, Adriana Barraza es un caso especial por esta parte del país, pues si bien ahora radica en Miami con más de una década de entrega profesional en la empresa Televisa, sus comienzos actorales encontraron lugar en Toluca, cuando tuvo la oportunidad de compartir la pasión por el teatro junto a figuras tan importantes como el maestro Esvón Gamaliel.

Así, aunque en algunos sitios de la red sólo sea preponderada su carrera en televisión y cine, y en otros más se especifique erroneamente que nació en Estados Unidos, cabe destacar que Barraza comenzó su trayectoria aquí, en el teatro y en la ciudad de Toluca.

A propósito Antonio Flores, actualmente coordinador de difusión cultural del la Escuela Preparatoria No. 1 de la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM) y responsable del taller de teatro del Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) en esta ciudad, comentó para IMPULSO que "ella inició en parte con Esvón, pero antes con Trinidad Aguilar en el Centro del Seguro Social del IMSS", precisamente.

En 1980, recuerda Antonio Flores, "se hizo la Primera Muestra Nacional de Teatro Universitario y la organizamos aquí, montamos El atentado y el director era Trinidad Aguilar, pero entró en crisis porque no tuvimos presupuesto -para variar- y desapareció; terminé dirigiéndola yo y ella actuaba".

Después, Antonio Flores conoce a Esvón Gamaliel y "trabajamos juntos, montamos Una tal Raymunda con Delfina Careaga que era la autora y actuó. Fue un proceso muy largo, pero nada más dimos dos funciones, una en el Centro de Convenciones de Acapulco y otra en el Teatro del Seguro Social de Toluca, porque ella se fue a suplir a una actriz en la puesta de la Falsa crónica de Juana la Loca, en el D. F." .

Por su parte y sobre este episodio, Virginia Aguirre, actriz y ahora directora de la revista La Colmena de la UAEM, rememoró para IMPULSO: "Una tal Raymunda es una obra de Delfina Careaga que precisamente en ese año (1986) obtuvo el Premio Nacional de Teatro Emilio Carballido.

"Hicimos el estreno mundial y precisamente dentro del reparto se encontraba la participación de la propia autora, de Delfina Careaga, que le daba un aspecto particularmente interesante en el montaje y en la concepción escénica propiamente dicha que tuvo Esvón Gamaliel, que ya no está con nosotros lamentablemente, pero que fue un hombre visionario respecto del teatro, un hombre que por más de 30 años hizo teatro y que se hizo cargo de este montaje en esos momentos. "Adriana Barraza andaba aquí en Toluca precisamente. Esvón realizó castings para llevar a cabo el montaje; en los personajes prinicpales nos quedamos Adriana Barraza y yo interpretando a Raymunda en dos momentos distintos de su vida.

"En concreto mi experiencia como actriz con Adriana Barraza fue muy sabrosa la verdad; fue un montaje como los que Esvón Gamaliel acostumbró a hacer siempre: un montaje profesional, un montaje acabado, un montaje exigente y el grupo de actores que en ese momento participábamos con él correspondíamos a esa mística de trabajo de Esvón Gamaliel, de trabajar con profesionalismo, con responsabilidad, con ese espíritu de una mística colectiva que requiere siempre el arte escénico y por supuesto que trabajar con Adriana Barraza no fue la exepción (...) "Entonces, ahora que sé que Adriana ha escalado tanto, me siento muy a gusto y me dio una nostalgía muy interesante de haber logrado un trabajo tan padre como fue Una tal Raymunda: fue lamentable que diéramos dos funciones siendo una obra tan importante y ahí viene el tache para mi querida Adriana Barraza, porque ella abandonó el trabajo por cuestiones estrictamente personales, se dan dos funciones y el montaje se va a la goma (...)

"Como actriz para mí fue una experiencia muy dramática porque hicimos el estreno mundial en el Teatro del Seguro Social, nos fuimos al Juan Ruíz de Alarcón del ex Centro de Convenciones de Acapulco con un éxito arrollador, impresionante. Soledad Ruíz, profesora siempre muy cerca de Esvón Gamaliel, estaba igualmente impresionada (...) Fue una experiencia sumamente conmovedora para nosotros como actores, para nuestro director Esvón Gamaliel y después vino el sentimiento de frustración, porque sin la presencia de Adriana y con la dificultad para cubrirla, el montaje se fue a la goma".

Como recordó también para IMPULSO Víctor Nava Marín, responsable del Cine Club de la UAEM y director teatral, después de mencionar que Adriana Barraza incursionó a la escena por la década de los 70, en la puesta de El juego que todos jugamos de Alejandro Jodorowsky, dirigida por José Trinidad: "Después ya viene la etapa ésta de cuando se involucra en el trabajo de Esvón Gamaliel, quien es quien realmente le dio pues ahora sí que forma y proyección consistente y teatral, y cuando ya compartió con Virginia Aguirre sobre todo este trabajo de Una tal Raymunda, no recuerdo cuál otro pero sí hubo más. Sin embargo yo me acuerdo más de éste, donde lamentablemente hubo una desatención de su parte y dejo a la deriva un trabajo que tenía para mucho".

En su paso por Toluca, Antonio Flores también recuerda la puesta de La historia de un anillo, de Luisa Josefina Hernández, bajo la dirección de Héctor Sánchez: "En el tiempo que estuve tratándola fue muy profesional y también el trabajo que realizó junto con Vicky en Una tal Raymunda fue bastante bueno, lástima que nada más dimos dos funciones después de un proceso de casi de un año de trabajo.

"La sigo considerando como la conocí, muy profesional, muy entregada al trabajo, tanto así que estuvo dando clases en el Centro de Capacitación de Televisa. Por lo menos su trabajo ahí está y es reconocido no solamente por la gente que estuvo cerca de ella aquí en Toluca, sino por el mundo ahora que la ha visto".

Por lo que Adriana Barraza ha sido incluida en un reconocmiento más, pero esta vez en la UAEM, en la Escuela Preparatoria No. 1: "Estamos haciendo un ciclo de ex alumnos distinguidos del plantel, no tengo la certeza de que haya estado en Prepa 1, pero sí conozco algunos maestros porque estaba estudiando la Facultad de Química durante dos semestres", anunció Antonio Flores.

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Comentario periodístico de Paco Ignacio Taibo I sobre 'Una tal Raymunda' dirigida por Esvón Gamaliel y donde actuó Adriana Barraza en 1986

... La Compañía Universitaria de Teatro que dirige el joven esvón Gamaliel, es un conjunto serio y emotivo. Con muy poco dinero crearon una escena digna y capaz de situarnos en los diferentes lugares que la acción señala. La pobreza de la producción se nos fue olvidando gracias a las diferentes labores interpretativas.

Alfredo Bryce Echenique: entre el desencanto y la ironía más tierna

"Mi literatura nace de un empacho de asombro, es la única forma que tengo de darle respuesta a la angustia, al miedo, al aburrimiento que me produce la realidad"

Por: Silvia Márquez / Toluca

Para Alfredo Bryce Echenique ser escritor de fin de milenio es algo que no significa nada ya que se considera más "prosaico". Se la ha comparado con Mario Vargas Llosa e incluso se le nombró "el otro peruano", pero lo cierto es que Bryce cuenta con un estilo propio en el que sus personajes se mueven entre la necesidad de la búsqueda del camino y la constatación de la pérdida de rumbo. Su entramado narrativo se llena con una serie de desafectos para confirmar el desencuentro de las raíces.

Bryce Echenique nació en Lima el 19 de febrero de 1939 en una familia de banqueros. Además, como nieto de un ex presidente peruano y descendiente del último virrey de Perú, su infancia transcurrió entre los altos círculos peruanos, tema que se convertiría años más tarde en la materia prima que nutre su novela "Un mundo para Julius", donde el autor evoca ese universo extravagante y cruel de la alta burguesía limeña.

Su estancia en Europa lo hizo conocer acontecimientos como el mayo del 68 y las luchas de la izquierda hispanoamericana, hechos que considera sus influencias más marcadas.

Exiliado de Perú, regresó en 1999 para encontrarse con el irrespirable régimen de Alberto Fujimori, dentro del cual fue víctima de un secuestro y una paliza por no haber querido aceptar una condecoración que quiso otorgarle el mandatario. Ese acto quedaría denunciado entre las páginas de "Permiso para sentir", en 2005.

Según José Luis de la Fuente, catedrático de la Universidad de Valladolid, la escritura de Bryce

"verifica el detallado análisis de la sociedad de las últimas décadas del siglo" y el escritor "se convierte en el mejor guía para poder comprender la sustancia más íntima de la sociedad actual".

Ironía, humor y delirios son los elementos que confluyen en la "mentira artística" que Bryce Echenique heredó de Óscar Wilde y que sólo sirve para convertir en menos dolorosa la realidad. Realidad que se muestra en el drama personal que carga cada uno de sus personajes.

El peruano se ha declarado seguidor de los argentinos Julio Cortázar y Manuel Puig, y de los peruanos Julio Ramón Ribeyro y César Vallejo. Como explicó en una entrevista con María Luisa Páramo, "muchas veces he explicado la deuda que tengo con Julio Cortázar y con algunos escritores más, pero sobre todo con Julio por el momento emotivo en que lo leí: acababa de terminar mi primer libro de cuentos, me sentía lleno de ciertas ataduras, con ciertos temores de infringir la regla, el academicismo, la sintaxis, la gramática, y Cortázar fue para mí una especie de ventarrón de libertad con su manera deshilachada, rota, de crear un párrafo, sobre todo en sus relatos, que es lo que yo leí en ese momento".

Durante la misma charla, Bryce dijo que la digresión en su obra es "un recurso narrativo porque, en una literatura emotiva y sentimental como es la mía es fundamental: la dificultad de expresar sentimientos conduce a la ruptura del párrafo, a que la frase entre por un lado del túnel y pretenda salir por otro lado que no existe, aunque luego vuelva al camino.

"El desorden de la sensibilidad y la emotividad está ligado a ese no terminar una cosa y empezar con otra, de ahí que haya escritores -yo no tanto, aunque lo podría hacer si reflexionara sobre ello- que acuden con frecuencia a signos como los puntos suspensivos.

"Dejar unas cosas sugeridas para entrar en otras y quizá después retomar aquéllas está muy ligado también a la narrativa oral, a esos cuentos que muchas veces no tienen ni principio ni final, y todo eso ha ido brotando en mis libros por la necesidad interna de contar tal y como yo soy. Uno de los aspectos más autobiográficos de mis libros es la sensibilidad y el placer que encuentro en la escritura".

Después de más de una veintena de libros publicados, Bryce recuerda su vieja carpeta llena de temas para narraciones cortas, aunque reconoce que no está en el momento de escribirlas. "Es triste: pienso que algún día puedo ir a la carpeta y ver que todo eso se me ha enfriado".

El "hombre sorprendido", como se autodefine, encuentra entre las letras la manera de darle respuesta "a la angustia, al miedo, al aburrimiento que me produce la realidad. A veces veo las cosas con un temor que no se justifica".

Temor que palpita entre sus libros y que salta a cada momento entre las irónicas voces de los personajes que se mueren tras cada vuelta de página.

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Obras

1968 - Huerto cerrado (cuentos), premio Casa de las Américas.

1970 - Un mundo para Julius (novela), Premio Nacional de Literatura en Perú (1972) y el Premio a la Mejor Novela Extranjera en Francia (1974).

1974 - La felicidad ja ja (cuentos).

1977 - A vuelo de buen cubero (crónicas de viaje y diversas).

1977 - Tantas Veces Pedro (novela).

1981 - La vida exagerada de Martín Romaña (novela).

1984 - El hombre que habla de Octavia Cádiz (novela) (Ésta y la anterior forman lo que se conoce como el Díptico de navegación en un sillón Voltaire).

1986 - Magdalena peruana y otros cuentos (cuentos).

1987 - Crónicas personales: edición aumentada de A vuelo de buen cubero (crónica de viaje, literarias, y diversas).

1987 - Goig (relato infantil escrito en colaboración con la escritora salvadoreña Ana María Dueñas).

1988 - La última mudanza de Felipe Carrillo (novela).

1990 - Dos señoras conversan (tres novelas breves).

1993 - Permiso para vivir ("antimemorias" I).

1995 - No me esperen en abril (novela).

1996 - A trancas y barrancas (recopilación de artículos ¿?periodísticos).

1997 - Reo de nocturnidad (novela).

1997 - Guía triste de París (cuentos).

1999 - La amigdalitis de Tarzán (novela)

2002 - El huerto de mi amada (novela), premio Planeta de novela 2002.

2005 - Permiso para sentir ("antimemorias" II).

2005 - Entre la soledad y el amor(ensayo).

Rock Fest en Toluca

Un maratón de música alternativa lleno de contrastes auditivos

 

Por: Blanca Ocampo / Toluca

El viernes pasado tuvo lugar el Rock Fest en Toluca, una jornada musical donde grupos como Puerquerama, Sersev, Sagunta, Cadáveres Escarlata y Bulgo ofrecieron propuestas insertas en diversos géneros y para todo tipo de gusto.

Desde rolas clásicas de Pink Floyd hasta la múscia caótica y política de Puerquerama, pasando por el metal, el punk y el rock, fueron escuchadas por jóvenes ávidos de absorber la energía sonora de los grupos que habitan el espectro toluqueño.

Por ello se dieron cita desde las tres de la tarde en Lumbrales, foro autónomo para el arte y la cultura que de manera solidaria prestó espacio a los organizadores en vista de la cancelación de último momento del lugar donde se realizaría inicialmente el Rock Fest.

Poco a poco se fue nutriendo el público para que alrededor de las once de la noche tuvieran como plato fuerte la presencia de Puerquerama, banda originaria de este valle mexiquense que ha alcanzado logros importantes, como una gira en Alemania, y que ya prepara su próxima producción discográfica.

Si bien faltó la presencia de otros grupos previamente anunciados, como Volátil, dedicado a la exploración sonora y lidereada por la figura de Luis Flores, u Orines de Puerco, una banda ya histórica y de culto en el plano del punk, el Rock Fest cerró con la participación de Cadáveres Escarlata y su propuesta original con base en el rock.

Sin duda una tarde larga y potente a la que pudo acudir más público, pero que cumplió espectativas en la medida de representar una oportunidad para que las bandas de Toluca tuvieran un espacio donde hacerse escuchar y para que el público joven salga de la monotonía auditiva a la que le condena la industria musical, concentrada en las ganancias y no en la calidad de las propuestas.

SILENCIOS ESTEREOFÓNICOS

Mercedes Ferrer, una artista comprometida con Hispanoamérica a través de la música y letras socioculturales

 

Por: Félix Morriña

Ella es activista sociocultural hispanoamericana, cantautora de sentimientos encontrados, literata de historias reales con altas dosis de ficción, y sobre todo, una mujer comprometida con su entorno, su vida y el respeto al derecho humano y a la existencia.

Nos referimos a la cantautora española Mercedes Ferrer, quien ayer ofreció un concierto en el Salón Tarará de la Ciudad de México (Madero 39, Centro Histórico). Abrieron dos agrupaciones noveles que interpretarán material de Los Héroes del Silencio y Enrique Bumbury. La Ferrer subió al escenario pasadas las siete de la noche.

Es precisamente el espigado y ególatra cantante zaragozano Enrique Bumbury quien dio a conocer por tierras mexicanas a Mercedes Ferrer hace más de una década, cuando se le preguntaba a quién podría recomendarnos oír de su país que tuviera algo que decirnos más allá del rock cantado en la Lengua de Cervantes.

Lo malo es que nunca pudimos conseguir fácilmente los materiales discográficos de Mercedes Ferrer en las tiendas departamentales, casas disqueras, ni en el Tianguis del Chopo. Sólo sabíamos de ella por amigos que tuvieron la oportunidad de visitar España o a través de la Internet años más tarde.

La espigada y bajita cantante de ojos azules realizó un recorrido por medios de comunicación locales, en la que platicó que fue corista de Bumbury durante la gira del disco "Bumbury-Freak Show", en donde tuvo la oportunidad de hacer más contactos para iniciar una gira por su cuenta cantando sus verdades y opiniones respecto a todo lo que significa vivir en el mundo de habla hispana.

Cabe destacar que en 1989, Mercedes Ferrer conoció a la viuda de John Lennon, Yoko Ono, gracias a un concierto homenaje al creativo de The Beatles en la Sala Zeleste de Barcelona, España. Tan bien salió la actuación de Mercedes Ferrer que Yoko la invitó viajar a Nueva York y le permitió tocar algunas canciones en el piano blanco de John Lennon, donde el maestro compuso "Imagine".

Después de esta experiencia, Mercedes decide trasladarse a Manhattan donde permaneció hasta 1993. Se quedó en Nueva York para ampliar sus estudios musicales en The New School y para tocar en pequeños foros del East Village.

Una vez segura de sus conocimientos se traslada a Los Angeles, California para involucrarse con varios músicos con lo que colabora en maquetas diversas para componer lo que sería el tercer trabajo discográfico: "Imán".

Es precisamente en Los Angeles, cuando Mercedes Ferrer tiene contacto con la idiosincrasia mexicana al convivir con nuestros connacionales e interesarse a fondo por sus usos y costumbres, a la vez que por su política, sus crisis económicas y su pasado histórico-prehispánico.

En la Plataforma de Mujeres Artistas comprometidas culturalmente que buscan la justicia y la paz social en el mundo, Mercedes realiza en el 2004 giras por toda España y hace un viaje al territorio palestino de Cisjordania, donde actuó en el Teatro de Ramallah, en Belén y visitando la zona de Qualquilia y la ciudad de Nablus, en el que la audiencia queda convencida que sólo la música y respetando a los demás podría ser más tolerante el mundo, aunque sea demasiado tarde para salvarlo, gracias al calentamiento global.

En México, Mercedes Ferrer actuó ese mismo año en el Zócalo capitalino, dentro del Festival contra el Femenicidio en Ciudad Juárez con excelentes resultados. También participó en un concierto con los mismos ideales en el Teatro Benito Juárez de Ciudad Juárez, Chihuahua.

Perfil de sensible piel

Nacida en Madrid hace 42 años, esta cantante y compositora ibérica ha estado en activo desde los primeros años de la década de los ochenta. Perteneció a las bandas francesas Zero Divide y Corazón Rebelde. Realizó estudios diversos en la Universidad Sorbona de París. Lideró la agrupación Spanish Harlem hasta mediados de 1984.

Poco tiempo después perteneció al grupo La Llave al lado del bajista Fernando Illán, el guitarrista José Romero y el saxofonista Arturo Soriano con quienes ganó el VIII Trofeo Rock Villa de Madrid en 1985. En ese periodo fueron teloneros de The Cure, Creole and The Coconuts y The Smiths.

La carrera solista de Mercedes Ferrer inició en 1986. Su primer disco salió bajo el nombre de "Entre mi sombra y yo" (Epic-CBS), con la producción de Sergio Castillo y Carlos Narea. Dos años más tarde sale su segundo disco "Tengo todas las calles" para el mismo sello discográfico. Esta producción fue realizada en Londres, Inglaterra por Sean Lyons y Richard Spellman.

La Ferrer imaginativa y rebelde se muestra en las presentaciones promocionales del disco, gracias a los temas "Alerta, se dueño de ti" y "Tela de araña", el cual canta a dúo con Rafa Sánchez, el líder de la banda española La Unión. La que da título al disco "Tengo todas las calles" es considerada la canción más emblemática de ese periodo.

Después de su aventura por la Unión Americana , Mercedes Ferrer regresó a España en 1991 para grabar lo que sería su tercer disco "Imán" (Dro-Gasa), en el que incluye las canciones "El árbol de la magia" y "Cárcel del amor", las cuales se convierten en el sello de la cantante en ese momento.

A finales de 1993, en Madrid montó una banda con el guitarrista Pedro Andrea, el bajista Billy Villegas, la cantante Inma Crespo y el baterista Vicente Clement. Un año más tarde graba "Tiempo futuro" (Dro-Time Warner), del que se desprende el sencillo "Mueve la máquina" y tiempo después la rola "Intermedio", el segundo sencillo que se convierte en una de las rolas más escuchadas de la radio ibérica y de países latinos como Colombia, Argentina, y por supuesto, México.

"Tiempo futuro" es el único disco que se consiguió en México en aquella época, pero no tuvo la debida difusión y se perdió en las tiendas de discos sin éxito, por lo cual todos los que ahora estamos interesados no pudimos enterarnos de lo que ella hacía. De hecho no se consigue esa material en la actualidad.

Para 1997, Mercedes saca al mercado "Generaciones" (Dro-East West), un compilatorio que incluye además canciones nuevas como "Adiós" y "Carretera sin fin", ambas compuestas con Pedro Guerra. Claro que en este disco están las canciones antes mencionadas en los párrafos arriba, puesto que se trata de un disco recopilatorio.

En "Generaciones" Ferrer metió la canción "Vivimos siempre juntos" compuesta con el integrante de Mecano, Nacho Cano, quien promovió a Mercedes a la menor provocación en los medios de comunicación ibéricos. Él dijo que Mercedes Ferrer es una cantante fuera de serie, con un registro que puede atrapar a cualquiera desde la primera escuchada.

"Tiempo real" (Karonte-El Europeo, 2003), es el disco que siguió, un proyecto independiente producido por la cantautora y Ciril Vidal en el que fusionaron elementos electrónicos con acústicos y letras de contenido social comprometidas con el entorno sociopolítico hispanoamericano.

El año pasado, la compañía discográfica Dro-Atlantic edita un disco recopilatorio de Mercedes Ferrer que abarca una década de trabajo creativo bajo el título "Intermedio 1986- 2006" , en el que destaca la canción "Madrid despierta" a dúo con Carmen París, composición inspirada en los atentados terroristas del 11-M. También están "Sigue brillando en mi" y "Fantasía", la canción que Enrique Bumbury incluyó en su disco "Bumbury Freak Show", sólo que en una versión acústica.

"Intermedio 1986- 2006" , es el disco motivo de la reciente visita de Mercedes Ferrer a México y donde sus nuevos escuchas, como los pocos seguidores que pueda tener en el país, estarán atentos a su desenvolvimiento sobre el escenario del Salón Tarará. Después de este recital, Mercedes Ferrer volverá a España para cumplir con algunos compromisos.

La alquimia artística de Paul Achar

El artista plástico y subastador, en entrevista con IMPULSO, relató sus experiencias dentro del mundo del arte en México

Por: Silvia Márquez / Cuernavaca, Morelos

Segunda y última parte

Paul Achar define a Paul Achar como "una persona que se dedica a la plástica, le gusta dar todo porque no tiene nada. Es una persona que le encuentra a cada momento algo para capturarlo y dejarlo en el cajón de sus recuerdos".

El pintor de los mil amigos, como lo llaman algunos, inició con el dibujo en su época como estudiante, en donde, a raíz de un problema de déficit de atención, durante las clases caricaturizaba a sus maestros. Ese fue el primer paso en el largo camino que lo llevaría a terrenos plásticos.

"Después empecé a ir con maestros, a hacer algo de paisaje, bodegones, dibujo profesionalmente y pude hacer una exposición de todo mi trabajo; a partir de esa exposición me dediqué al 100% a la pintura al grado que dejé la escuela. Tenía un negocio de pinturas y atrás puse mi taller para ponerme a trabajar. Conforme fui evolucionando dentro de la plástica dejé las cosas que hacer hasta quedar solamente en el arte, de hecho, estoy sobreviviendo de mi trabajo plástico desde hace 15 años" dijo Achar.

Con una trayectoria de 20 años, Paul aún se reconoce como un pintor joven. En sus inicios contó con el apoyó de maestros como Oscar Mariño, Angel Borboa (alumno de Siqueiros) y David Toledo.

"Cuando empecé a exponer me fue bien. Comencé a vender mi obra en México y en el extranjero. Hubo una temporada en la que una galería de Los Ángeles me compraba todo. Era maravilloso porque llegaba la señora y me compraba varias obras, pero había una persona que trinaba porque decía que mi obra era caricatura, que no tenía peso plástico y lo más divertido es que esta señora era uno de los corredores de arte más importantes de Los Ángeles".

El éxito de su obra no depende de la buena suerte, sino del toque de originalidad que Paul plasma en cada lienzo. "Si algo ha distinguido siempre a mi trabajo es que es fresco, que no le copia a nadie, ni a mí mismo. Yo hago una serie, se termina y le digo adiós. Uno de mis artistas predilectos ha sido Picasso porque fue uno de los pintores más completos aun cuando hay algunos que han tenido vidas más trágicas, pocos han logrado cerrar el círculo como lo hizo Picasso".

‘Poses’…

El ámbito artístico mexicano se ha visto inundado de manifestaciones "artísticas" que ofrecen propuestas huecas o más bien hacen recordar las copias y reproducciones. Conciente de eso, Paul dice tajante que él no es un artista "de pose".

"El 90% de los artistas que conozco son artistas de pose que retoman las poses de otros artistas. Agarran a cualquiera como una bandera y eso no es ser artista. El ponerte un sombrero del Che, dejarte la barba larga o el ser desaliñado no te hace ser artista".

Para Achar ser artista es un estilo de vida "que se trata de cómo te relacionas con tu trabajo plástico, con tus colegas dentro de la plástica y qué comunicación tienes con tu obra y la demás gente. Yo creo que un verdadero artista es aquel que comunica a sí mismo la parte interna que está en los demás, aquellos que no se copian y que siguen evolucionando".

En el camino es fácil perderse. El fantasma del comercialismo persigue a muchos, por lo que Paul Achar dice que al toparse con este tipo de situaciones enfrenta a sus amigos diciéndoles "la diferencia entre tú y yo es muy simple, tú pintas para comer y yo como para pintar".

"Mi obra es generalmente obra personal, no te digo que no hago obra comercial pero la hago cuando veo que las cosas se aprietan. En algún momento de mi carrera plástica encontré la veta, uno de mis maestros fue alumno de Siqueiros y retomando ‘La marcha de la humanidad’ hacíamos una variación que se vendía muy bien, de hecho en mi casa me regañaron cuando dejé de pintarlo pero les dije ‘no, se acabó la producción yo tengo que seguir evolucionando’. Mi obra va cambiando y va adquiriendo más fuerza, carácter y soltura; llega un momento en el que ya juegas con lo que conoces. Santos Balmori dijo alguna vez que ‘hay que conocer perfectamente cómo hacer una composición para después olvidarte de ella’".

Para el pintor, quien conoce el mundo comercial al estar en contacto con las subastas de arte, "en México se venden las firmas. Desgraciadamente permear dentro de los escalafones de la firma no es sencillo y menos cuando traes un nivel de propuesta", dice Paul, quien después de cinco años de tener las puertas cerradas del Museo-Taller "Luis Nishizawa" se ha encontrado con una propuesta para exponer en ese espacio de la capital del Estado de México.

"Lo recuerdo y me da mucha risa, años antes me batearon de la forma más hermosa que hay y el día de hoy me invitaron a exponer. A la directora le gustó mucho una obra mía y me invitó, dijo que no conocía mi obra y seguramente no la conocía porque ni siquiera vio la carpeta. Desgraciadamente hice algo que no se debe de hacer, llegué recomendado y yo creo que le molestó eso".

…y becas

Hasta el día de hoy, Paul Achar no ha recibido alguna beca. Parte por la desilusión y parte por las decisiones propias, el pintor ve el panorama lleno de trampas, "de gente que no tiene ni que hacer ahí, pero su papá, su tío, su amigo, es el que está encargado del Conaculta. La mayoría de las becas que se otorgan no se dan a quien debería de tenerlas. Aunque dicen que no, sí llegan por nepotismo. A mi me tocó que una persona me invitara a una Bienal Internacional y me dijo que con el simple hecho de participar quedaba en un buen lugar, pero nada más por eso decidí no participar siendo que llevaba 10 años participando".

Para Paul "una beca tiene dos partes, la positiva para los verdaderos creadores y la negativa para los baquetones. Ahí es donde nos damos cuenta de quién es creador y quien no. Hay becas que fueron entregadas vitalicias a gente que ni siquiera está en la plástica, a gente que se dedica a otras cosas, sólo porque tenían un apellido conocido".

Proyectos: exposición en territorio español

La exposición sobre la que está trabajando Paul Achar es una que enlaza los diferentes estados de ánimo, representados de una manera muy propia del pintor.

El contacto con el país ibérico se logró porque hace cuatro años Paul acudió como invitado por el gobierno español a una exposición colectiva. "Les agradó mucho mi trabajo, me dijeron que tenía las puertas abiertas para exponer cuando yo quisiera, de hecho querían que me quedara a trabajar allá pero no era el momento de hacerlo. Regresé a México y me puse en contacto con ellos para ver si era cierto si estaba abierta la puerta o no y en el primer acercamiento me dijeron que sí, que nada más pidiera una fecha con un año de anticipación y así lo hice".

Se presentarán 25 piezas, una serie con un el tema de los estados de ánimo elegido por el propio artista. "Estoy desarrollando una técnica mixta con algo de textura, pigmentos naturales, óleos y acrílicos. Jugando con eso encontré que podía desarrollar mucha expresividad en los rostros del ser humano que me dejara ver los estados de ánimo, junto con los propios".

La fecha de la muestra aún está por confirmarse, pero los lugares en los que se podrá admirar la obra de Paul Achar son Huelva, Cádiz y Sevilla.

SILENCIOS ESTEREOFÓNICOS

"Saturday Night Wrist", el nuevo material sonoro y motivo de la gira latina de los Deftones

Por: Félix Morriña

A pesar de las constantes fallas en el sistema auditivo, el primer concierto del quinteto formado en Sacramento, California en 1988, Deftones, cumplió con sus poco más de dos mil 500 seguidores mexicanos la noche del pasado viernes 2 de febrero en el Salón 21, después de tres años de ausencia de los escenarios nacionales.

El motivo de su reciente visita a México (dos fechas en el Salón 21, viernes y sábado, y uno más en Guadalajara, el domingo 4 de febrero) se debió a la presentación del contenido de su nuevo disco "Saturday Night Wrist" (Rhino Entertainment-Maverick Records, 2006).

Este nuevo material de la banda liderada por Camillo "Chino" Moreno y secundada por el guitarrista Stephen "Stef" Carpenter; el baterista Abraham "Abe" Cunningham; el bajista Chi Ling Dai Cheng y el Dj, programador y tecladista Frank Delgado incorpora de manera homogénea elementos del rock duro de los años setenta con nü metal, actitud punk, algo de psicodelia, rock alternativo y dósis de música electrónica.

De este disco se desprende el sencillo "Hole in The Earth", mismo que fue interpretado la velada del fin de semana ante seguidores amantes del slam, la cerveza y la música con fuertes dósis de adrenalina contestataria. El video de dicha rola lo dirigió Brian Lazaro.

Como dato añadido, en este disco participó el cantante de la banda estadounidense System Of A Down, Serj Tankian, en la rola titulada "Mein". El disco salió a la venta el 31 de octubre del 2006, después de varias sesiones por más de cuatro meses en la que los integrantes de los Deftones no quedaban por completo satisfechos con el resultado.

Para este disco, los Deftones no trabajaron con el productor de sus anteriores discos, Terry Date, porque vieron en Bob Ezrin una nueva posibilidad sonora, así como también con Shaun Lopez. Además de Serj Tankian, los Deftones aceptaron la colaboración de Annie Hardy de  Giant Drag en la pieza "Pink Cell Phone".

Muchos melómanos desconocerán las influencias de los Deftones (Duran Duran, Depeche Mode, The Cure y Morrissey, entre otros), dirán que es una tomada de pelo y que lo único que se acerca a su música son las bandas compañeras de generación: Limp Bizkit, Korn y Cypress Hill, pero es la verdad, a este quinteto gringo le gusta la manera en la que proceden las bandas mencionadas, sólo que agregándole la furia de las agrupaciones metaleras de los años setenta como Black Sabbath, específicamente el cantante inglés Ozzy Osbourne.

Incluso hay un disco de lados B y rarezas de los Deftones, editado en el 2005, en el que hacen sentidos homenajes a The Cure, Cocteau Twins y Sade, por mencionar algunos, con lo cual se pueden despejar dudas y se sorprenderán del resultado.

Los discos de la banda son "Adrenaline" (1995), "Around The Fur" (1997), "White Pony" (2000), "Deftones" (2003), "B-Sides & Rarities" (2005) y "Saturday Night Wrist" (2006).

Después de pisar suelo mexicano, los Deftones partirán con rumbo a Colombia, Venezuela, Brasil, Argentina y Chile como parte de la gira Sudamericana de su nuevo material y en la que terminarán por agregarse nuevos seguidores.

Entre los invitados al concierto del viernes pasado, estaban músicos de todos los estilos y ramificaciones del rock nacional, entre ellos, el baterista de la banda sonorense Subterránea, Carlos Armando "Puma" Valdez Castañeda, quien dijo que los Deftones son una banda que ha mejorado sus actuaciones, toda vez que ya no sube borrachísimo al escenario el cantante "Chino" Moreno.

El bataco nacido en Cajeme, Sonora, que está por sacar disco con su banda Subterránea, agregó que los 350 pesos invertidos en el concierto por cada uno de los seguidores presentes (fue entrada general), valió la inversión con todo y las fallas técnicas, e incluso, muchos de ellos volvería a pagar por verles de nuevo (varios repitieron la osadía la noche siguiente).

De todos los discos que han editado los Deftones, la mayoría de sus seguidores confiesa, entre ellos nuestro músico consultado "Puma" Valdez Castañeda, que el mejor es el "White Pony", porque es donde encuentra el fan el verdadero sonido de la agrupación y donde dejan ver que la experimentación siempre estará presente en sus futuros discos.

"El hecho es que ‘White Pony’ es un discazo que todo buen amante del rock debe tener, pero sobre todo el nuevo disco, ‘Saturday Night Wrist’ es una chulada porque los Deftones decidieron trabajar con el productor Bob Ezrin, el que produjera ‘The Wall’ de Pink Floyd, para que el resultado fuera de 10 puntos", acotó "Puma", el baterista de Subterránea.

Algunas rolas que más gustaron de los Deftones y que hizo que el slam se prolongara por más de 120 minutos fueron "My Own Summer (Shove It)" y "Be Quiet And Drive (Far Away)".