Entregan Colección Bibliográfica “Alejandro Ariceaga” al IMC

Dona la familia del escritor un acervo importante de libros relacionados con la literatura y el arte para compartir la ‘bibliolatría’ que lo caracterizó en vida

En el también homenaje participaron Alfonso Sánchez Arteche y Eduardo Osorio

Blanca Ocampo

Toluca

El día de ayer, martes literario en el Centro Cultural Mexiquense (CCM), se llevó a cabo la Entrega de la Colección Bibliográfica "Alejandro Ariceaga", la cual forma ya parte del acervo del Instituto Mexiquense de Cultura (IMC) al ser entregada de manera simbólica en la Biblioteca Central por Griselda del Socorro González, compañera de amores y andanzas del escritor fallecido en un mes de septiembre de hace dos años en tierras españolas.

Se trata de 1150 libros y 70 catálogos o folletos que alimentaron el afán de Alejandro Ariceaga -uno de los escritores más importantes en la historia de la entidad- por conocer y disfrutar de la literatura, del arte, de la vida; y que ahora serán puestos a disposición del público en general gracias a la generosidad de su familia.

En este acto, además de Agustín Gasca Pliego, director del IMC, participaron el escritor e historiador Alfonso Sánchez Arteche; Eduardo Osorio, escritor y presidente del Centro Toluqueño de Escritores (CTE), fundado precisamente por Ariceaga en 1983; y Carlos Olvera, director del Museo de Arte Moderno.

En su oportunidad, Alfonso Sánchez Arteche recordó que Alejandro Ariceaga "fue propiedad de todos porque supo darse generoso" y convivir con personajes destacados de la administración pública para hacerlos comprender la trascendencia de la creación literaria a través de su gran poder de convencimiento.

Y aunque dijo no sentirse "amigo privilegiado" del escritor de ‘Ciudad tan bella como cualquiera’ y de reconocer que entre los asistentes quizás no se encontraran los más "ariceólogos" como Alejandro León Meléndez, Sánchez Arteche recordó el gran apoyo que Alejandro Ariceaga daba a la gente: "el legado más grande es que a través del CTE alentó la vocación de jóvenes talentosos, hoy ya escritores consagrados".

Después de lo cual dio lectura a ‘Discreto como eras, nada más te ausentaste’, texto que escribió a propósito del fallecimiento de Ariceaga en 2005 y en el que refiere la sensibilidad y el valor humano de este narrador: "Todo artista creador tiene algo de paranoico y de hipocondríaco, porque está hecho de la flor de piel y de la carne viva del mundo; pero siempre creí que esa básica angustia existencial, indispensable para reinventar, embellecer o desenmascarar la vida, llegó a ejercer rudeza innecesaria con tu sensibilidad".

Para luego dar lectura también a dos textos de la autoría del escritor homenajeado, uno publicado en la revista Altiplano 2650 que dirigía Alfonso Sánchez García, y otro titulado ‘Camilo von Cobre’, uno de los primeros cuentos de Ariceaga publicado en Los Esperpentos No. 65 de TunAstral que data del 16 de agosto de 1965 y que escuchara Alfonso Sánchez Arteche a los 13 años de edad en uno de los cafés literarios de aquella Tribu de escritores.

Por su parte, Eduardo Osorio leyó el texto que antecede la antología de narrativa del Estado de México que realizó Ariceaga y otro más: ‘El cuerpo de una mujer’, el último de este autor publicado en forma de libro: "El cuerpo de una mujer tiene jardines atildados... es casa enorme, castillo medieval, hacienda y rancho... tiene la flama que me enciende".

Además de la ceremonia, la firma del convenio, la entrega simbólica de la donación y de la participación de los escritores frente a un público nutrido mayormente por estudiantes cuyo colegio atendió invitación expresa del IMC, se abrió en la misma Biblioteca Central una exposición de imágenes (fotografías, caricaturas, retratos) que hicieran de Alejandro Ariceaga varios autores.

Al final del acto IMPULSO abordó a escritores y amigos de Alejandro Ariceaga para recordar lo mejor de este narrador que dio aliento a la fría ciudad de Toluca con letras y propia vida.

Luis Miguel Vargas

Me enseñó a ser amigo. Fue mi jefe y siempre fue de una delicadeza y amabilidad extrema, nunca se le subió el ser buen escritor, porque él sabía que lo era perfectamente y jamás se les subió. Fui testigo de cómo creaba (...) fue asombroso ver su manera de crear; en ese tiempo no teníamos computadoras, teníamos una máquina Olivetti; cuando Alejandro iba a escribir un boletín o un oficio, se quedaba frente a la máquina unos 20 o 30 segundos concentrándose y se arrancaba: tacatacatacataca... y sacaba el oficio o el boletín perfecto, sin errores, sin tachaduras. Era un gran escritor (...) Ha sido una lástima su muerte porque no tuvo la oportunidad de una trascendencia mayor o de un reconocimiento mayor, porque trascendencia la tiene, pero de un reconocimiento mayor a nivel nacional.

Roberto Fernández Iglesias

Ya dije lo que iba a decir. ¿Tú recuerdas que Alejandro se haya presentado los martes literarios aquí? Yo creo que nunca se presentó, tuvieron que esperar a que se muriera para que se presentara en los martes literarios. Eso es lo único nuevo, habría que averiguarlo. De los muertos ya todos se aprovechan, ya no se defienden.

Alfonso Sánchez Arteche

Lo que pasa es que el ciclo se podría llamar los muertos literarios... Yo creo que en el caso de Alejandro su cosecha es generosa, precisamente porque era una persona muy participativa desde el punto de vista social, muchos jóvenes que junto a él se formaron y que serán los encargados de difundir su labor, y en cuanto a lo que viene después están escritores ya formados como Chimal y escritoras también. Lo importante del CTE es que también impulsó el surgimiento de talentos literarios femeninos, lo que en las décadas anteriores no se daba con tanta facilidad. Afortunadamente él sembró el terreno fértil que ha dado buenos frutos.

Luz del Alba

Recibió siempre con mucho afecto a la gente joven en el CTE, siempre invitó a gente joven a participar en la editorial de la que estuvo a cargo en el IMC y más allá de eso él siempre nos daba consejos: cuando íbamos a presentaciones a México (nos decía) que no chupáramos tanto porque algo nos iba a pasar, a esa camada. Y un gran y grato recuerdo de sus enseñanzas andariegas por Toluca se dio cuando tuve la oportunidad de hacerle un estudio (fotográfico) de varios días que anduvimos recorriendo Toluca. Me emociona que siga vivo.

Flor Cecilia Reyes

Amigos entrañables. Tuve la oportunidad de estar cuando él estaba como coordinador del CTE -él lo fundó-, programando eventos. Tuvimos oportunidad de trabajar juntos desde el CTE y también en el IMC, un compañero solidario, un hombre con un gran talento literario. En los años en que yo lo conocí era un hombre mucho más silencioso, con un trabajo hacia adentro y hacia la lectura. No terminamos de extrañarlo.

Alejandro León Meléndez

Creo que deberíamos recordar su calidad humana, era bastante entregado, bastante sencillo, le gustaba compartir lo suyo porque creo que pasó una etapa muy difícil en su infancia, lo sabemos, y no le gustaba que nadie estuviera mal junto a él. Siempre invitaba la comida, siempre invitaba el desayuno, no le gustaba que lo invitaran, no hubo chance de invitarlo nunca, pero podemos recordar en esos desayunos y comidas sus largas charlas. Fue un narrador largo, largo, ríquísimo.

Entregan Colección Bibliográfica “Alejandro Ariceaga” al IMC

Dona la familia del escritor un acervo importante de libros relacionados con la literatura y el arte para compartir la ‘bibliolatría’ que lo caracterizó en vida

En el también homenaje participaron Alfonso Sánchez Arteche y Eduardo Osorio

Blanca Ocampo

Toluca

El día de ayer, martes literario en el Centro Cultural Mexiquense (CCM), se llevó a cabo la Entrega de la Colección Bibliográfica "Alejandro Ariceaga", la cual forma ya parte del acervo del Instituto Mexiquense de Cultura (IMC) al ser entregada de manera simbólica en la Biblioteca Central por Griselda del Socorro González, compañera de amores y andanzas del escritor fallecido en un mes de septiembre de hace dos años en tierras españolas.

Se trata de 1150 libros y 70 catálogos o folletos que alimentaron el afán de Alejandro Ariceaga -uno de los escritores más importantes en la historia de la entidad- por conocer y disfrutar de la literatura, del arte, de la vida; y que ahora serán puestos a disposición del público en general gracias a la generosidad de su familia.

En este acto, además de Agustín Gasca Pliego, director del IMC, participaron el escritor e historiador Alfonso Sánchez Arteche; Eduardo Osorio, escritor y presidente del Centro Toluqueño de Escritores (CTE), fundado precisamente por Ariceaga en 1983; y Carlos Olvera, director del Museo de Arte Moderno.

En su oportunidad, Alfonso Sánchez Arteche recordó que Alejandro Ariceaga "fue propiedad de todos porque supo darse generoso" y convivir con personajes destacados de la administración pública para hacerlos comprender la trascendencia de la creación literaria a través de su gran poder de convencimiento.

Y aunque dijo no sentirse "amigo privilegiado" del escritor de ‘Ciudad tan bella como cualquiera’ y de reconocer que entre los asistentes quizás no se encontraran los más "ariceólogos" como Alejandro León Meléndez, Sánchez Arteche recordó el gran apoyo que Alejandro Ariceaga daba a la gente: "el legado más grande es que a través del CTE alentó la vocación de jóvenes talentosos, hoy ya escritores consagrados".

Después de lo cual dio lectura a ‘Discreto como eras, nada más te ausentaste’, texto que escribió a propósito del fallecimiento de Ariceaga en 2005 y en el que refiere la sensibilidad y el valor humano de este narrador: "Todo artista creador tiene algo de paranoico y de hipocondríaco, porque está hecho de la flor de piel y de la carne viva del mundo; pero siempre creí que esa básica angustia existencial, indispensable para reinventar, embellecer o desenmascarar la vida, llegó a ejercer rudeza innecesaria con tu sensibilidad".

Para luego dar lectura también a dos textos de la autoría del escritor homenajeado, uno publicado en la revista Altiplano 2650 que dirigía Alfonso Sánchez García, y otro titulado ‘Camilo von Cobre’, uno de los primeros cuentos de Ariceaga publicado en Los Esperpentos No. 65 de TunAstral que data del 16 de agosto de 1965 y que escuchara Alfonso Sánchez Arteche a los 13 años de edad en uno de los cafés literarios de aquella Tribu de escritores.

Por su parte, Eduardo Osorio leyó el texto que antecede la antología de narrativa del Estado de México que realizó Ariceaga y otro más: ‘El cuerpo de una mujer’, el último de este autor publicado en forma de libro: "El cuerpo de una mujer tiene jardines atildados... es casa enorme, castillo medieval, hacienda y rancho... tiene la flama que me enciende".

Además de la ceremonia, la firma del convenio, la entrega simbólica de la donación y de la participación de los escritores frente a un público nutrido mayormente por estudiantes cuyo colegio atendió invitación expresa del IMC, se abrió en la misma Biblioteca Central una exposición de imágenes (fotografías, caricaturas, retratos) que hicieran de Alejandro Ariceaga varios autores.

Al final del acto IMPULSO abordó a escritores y amigos de Alejandro Ariceaga para recordar lo mejor de este narrador que dio aliento a la fría ciudad de Toluca con letras y propia vida.

Luis Miguel Vargas

Me enseñó a ser amigo. Fue mi jefe y siempre fue de una delicadeza y amabilidad extrema, nunca se le subió el ser buen escritor, porque él sabía que lo era perfectamente y jamás se les subió. Fui testigo de cómo creaba (...) fue asombroso ver su manera de crear; en ese tiempo no teníamos computadoras, teníamos una máquina Olivetti; cuando Alejandro iba a escribir un boletín o un oficio, se quedaba frente a la máquina unos 20 o 30 segundos concentrándose y se arrancaba: tacatacatacataca... y sacaba el oficio o el boletín perfecto, sin errores, sin tachaduras. Era un gran escritor (...) Ha sido una lástima su muerte porque no tuvo la oportunidad de una trascendencia mayor o de un reconocimiento mayor, porque trascendencia la tiene, pero de un reconocimiento mayor a nivel nacional.

Roberto Fernández Iglesias

Ya dije lo que iba a decir. ¿Tú recuerdas que Alejandro se haya presentado los martes literarios aquí? Yo creo que nunca se presentó, tuvieron que esperar a que se muriera para que se presentara en los martes literarios. Eso es lo único nuevo, habría que averiguarlo. De los muertos ya todos se aprovechan, ya no se defienden.

Alfonso Sánchez Arteche

Lo que pasa es que el ciclo se podría llamar los muertos literarios... Yo creo que en el caso de Alejandro su cosecha es generosa, precisamente porque era una persona muy participativa desde el punto de vista social, muchos jóvenes que junto a él se formaron y que serán los encargados de difundir su labor, y en cuanto a lo que viene después están escritores ya formados como Chimal y escritoras también. Lo importante del CTE es que también impulsó el surgimiento de talentos literarios femeninos, lo que en las décadas anteriores no se daba con tanta facilidad. Afortunadamente él sembró el terreno fértil que ha dado buenos frutos.

Luz del Alba

Recibió siempre con mucho afecto a la gente joven en el CTE, siempre invitó a gente joven a participar en la editorial de la que estuvo a cargo en el IMC y más allá de eso él siempre nos daba consejos: cuando íbamos a presentaciones a México (nos decía) que no chupáramos tanto porque algo nos iba a pasar, a esa camada. Y un gran y grato recuerdo de sus enseñanzas andariegas por Toluca se dio cuando tuve la oportunidad de hacerle un estudio (fotográfico) de varios días que anduvimos recorriendo Toluca. Me emociona que siga vivo.

Flor Cecilia Reyes

Amigos entrañables. Tuve la oportunidad de estar cuando él estaba como coordinador del CTE -él lo fundó-, programando eventos. Tuvimos oportunidad de trabajar juntos desde el CTE y también en el IMC, un compañero solidario, un hombre con un gran talento literario. En los años en que yo lo conocí era un hombre mucho más silencioso, con un trabajo hacia adentro y hacia la lectura. No terminamos de extrañarlo.

Alejandro León Meléndez

Creo que deberíamos recordar su calidad humana, era bastante entregado, bastante sencillo, le gustaba compartir lo suyo porque creo que pasó una etapa muy difícil en su infancia, lo sabemos, y no le gustaba que nadie estuviera mal junto a él. Siempre invitaba la comida, siempre invitaba el desayuno, no le gustaba que lo invitaran, no hubo chance de invitarlo nunca, pero podemos recordar en esos desayunos y comidas sus largas charlas. Fue un narrador largo, largo, ríquísimo.

David Hernández inaugura museo en El Piojo

Vamos a volver a sacar el arte a la calle y a observar lo fundamental: la actividad del ser humano

Propuesta de arte contemporáneo en mitad de un tianguis donde el espectador es artista

Blanca Ocampo

Toluca

El domingo pasado no fue como cualquier otro en el típico tianguis El Piojo, ubicado en Metepec. El colorido de la ropa, el olor a fritangas, el griterío de mercaderes y merolicos, el polvo de muebles usados, el óxido de viejas herramientas, el sonidero para la venta de discos pirata, la oferta de plantas, frutas y verduras, y aún más, fueron partícipes de la propuesta artística de David Hernández, quien convirtió al punto del medio día este famoso espacio popular en un museo.

Bajo las bases del arte contemporáneo este joven artista plástico, estudiante de la Escuela de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM), emprendió una crítica creativa al ‘todo se vale’, argumento con el que se pretende justificar actualmente a cualquier cosa como producto artístico.

No faltó el corte del listón, la colocación de la placa conmemorativa, el discurso y los aplausos frente a la mirada curiosa de quienes compraban y vendían sin saber del todo que también formaban parte de esta lúdica propuesta.

Una manta con la leyenda ‘Museo’ recibía a los visitantes, fichas técnicas identificaban a algunas de las piezas -Performance de mercader establecido. Gran Bazar Toluca-, señalamientos para indicar la dirección hacia la pulquería, el cervecentro y otras zonas de interés fueron elementos suficientes para llevar a cabo el objetivo de David Hernández, quien en entrevista para IMPULSO explicó más a fondo esta propuesta a la que anteceden ya algunas otras de igual originalidad, ejecutadas también en espacios públicos, asegurando que "ha sido un proceso bastante largo, es todo un camino el que ya tengo trabajando en este tipo de cosas".

El comienzo para este Museo que hace artista al espectador fue precisamente la atención de David Hernández sobre esta realción, pues advierte que muchas veces el arte no puede ser entendido por el público, lo cual ha obligado a buscar validaciones intelectuales o de cualquier otro tipo.

Es entonces que David establece la vinculación con la gente de manera directa y da inicio al "proceso de validar una cuestión que aparentemente no es arte, que socialmente en nuestro país no se entiende como arte porque seguramente a éste lo ven como un cuadro, una escultura, o algo así. El arte contemporáneo, el arte actual está muy poco difundido en nuestro país".

Sobre ello comentó a manera de ejemplo lo que sucede con el Museo de Arte Moderno del Insituto Mexiquense de Cultura (IMC): "ni siquiera es de arte contemporáneo, es museo de arte moderno (...), tú llegas: soy un artista joven, tengo una propuesta de trabajo, y no hay espacios para propuestas de esta naturaleza", por lo que David asume una actitud combativa frente a las instituciones, "es la lucha de decir: como institución, o te actualizas o te mueres".

Así, David Hernández pretende echar mano de los conceptos sobre los que descansa el arte contemporáneo para ponerlo en jaque: "tengo las armas del mismo arte contemporáneo, es decir del vale todo", a propósito de lo cual recuerda a Gabriel Orozco, quien alude que cuando la gente entra a un museo puede llegar a decir ‘esto hasta yo lo hago’, en términos de las nuevas formas de expresión, pero, asegura David, "el problema ahí es que el artista lo hace y me visto de todas esas armas del arte contemporáneo para decir y hacer cosas con plena libertad".

Ya definido esto comienza a trabajar con "otro espacio público –lejos de galerías o museos-, con gente que no tiene nada que ver con el arte, pero con la propuesta de hacer algo artístico. Vengo al tianguis y empiezo a organizar la estrategia: conceptuar el espacio que es un tianguis, el bazar conocido como La Pulga, a un museo para que te permita ver todo lo que haya aquí adentro como una pieza artística, una obra de arte, por eso los mercaderes tienen una ficha técnica".

Sin embargo, acotó David Hernández, para llegar a ello fue necesario un proceso teórico y de investigación citando las ideas de Marcel Duchamps para quien "lo importante no es el artista, sino que el artista elija un objeto y entonces ya es arte porque el artista lo elige así. Un principio del siglo anterior lo retomo para hacer burla de todo lo que ha pasado en el arte contemporáneo y digo ‘me elijo como artista, elijo al espectador, elijo el museo, al espacio artístico y elijo a la piezas’. Esto es un proceso histórico al que ha llegado el arte y lo retomo para decir: se vale todo, enotnces esto es arte, esto es performance, soy artista".

Sin embargo, para David Hernández sí debe haber límites al respecto: "Algunos piensan que se va a regresar a las tecnicidades de la pieza artística, pero después de todo esto va a ser difícil (...) Esto es una propuesta así, bien cimentada en lo que está sucediendo en el arte, lo que propongo es jugar con el espectador, vamos a quitarnos ese espacio del museo arcaico y vamos a volver a sacar el arte a la calle, aunque suene muy dramático y volver a observar el objeto principal del arte, fundamental para mí: la actividad del ser humano; lo que hay aquí es humano, es regresar a eso pero cimentado en lo que propone el arte conceptual, contemporáneo, el performance, el happening".

Pero además de la argumentación conceptual, David Hernández ha puesto en juego la experiencia de vida: "Comencé con esta idea antes de entrar a la Escuela de Artes Plásticas. El primer gran intento fue el hecho de irme a vivir a la calle, el hecho de que yo haya decidido en determinado momento salir a vivir a la calle sin necesidad alguna, como indigente, fue un primer acercamiento a esta necesidad de expresión, porque esto es una expresión en contra de un sistema (...)

"Ahora ya estoy de alguna manera en cierto circuito artístico, me ha estado ayudando la escuela mi otro trabajo como artista y esto me permite elaborar este tipo de acciones basadas en tiempo atrás, pero cimentadas como propuesta artística, como arte contemporáneo", aseguró David Hernández.

Homenaje al pintor Gonzalo Ceja

El concurso ‘Arte abierto, arte para todos’ que organiza el Museo Leopoldo Flores, cerrará su primera edición con la retrospectiva del pintor michoacano a presentarse en el Centro Universitario ‘Casa de las Diligencias’

Silvia Márquez

Toluca

El próximo viernes 26 de enero se inaugurará la exposición "En memoria de Gonzalo Ceja" en el Centro Universitario "Casa de las Diligencias".

En la primera edición del concurso "Arte abierto, arte para todos", realizado durante el 2006 y que organiza el Museo Universitario "Leopoldo Flores", el jurado hizo la recomendación de montar la exposición de Gonzalo Ceja, aunque no fuera seleccionado entre los ganadores. Dicha exposición servirá también de homenaje al pintor nacido en Jiquilpan, Michoacán y que falleció hace dos años.

En conferencia de prensa, Emmanuel Moreno, director de la Casa de las Diligencias, dio a conocer que serán 40 pinturas bidimensionales de pequeño y mediano formato en técnicas de acrílico sobre tela y mixta sobre papel las que estarán a la vista del público a partir del viernes en la Sala "A" de dicho espacio cultural.

Según César Castro León, curador del Museo "Leopoldo Flores", Gonzalo Ceja "pinta la poesía y con su obra busca el diálogo con el espectador a través de los personajes que plasma en sus lienzos (...) su pintura navega entre lo surrealista, lo impresionista y lo hiperrrealista", además de que su obra está influenciada por la técnica de Remedios Varo y Arturo Rivera.

La directora del Museo Universitario, Celina García Garduño, dijo que esta exposición es un caso excepcional dentro del concurso "Arte abierto, arte para todos", ya que la obra es de gran valor plástico pero no corresponde a la propuesta temática ni estilística del museo de arte contemporáneo por lo se buscó otro espacio de exhibición, lo que significó el primer trabajo que vincula ambas instituciones.

Por su parte Israel Ibarra Orejel, sobrino y heredero de la obra de Gonzalo Ceja, explicó que son 105 obras las que quedaron bajo su custodia, una de las cuales se encuentra actualmente en el Museo de Arte Popular (MAP) en la Ciudad de México. Sobre la circulación de la obra, Ibarra dijo que en el 2005 se organizó una exposición con 20 cuadros en el auditorio de la Facultad de Ingeniería, pero considera que la exposición "En memoria..." será la más importante de su tío, quien le expresó su deseo de exponer en esta ciudad. Además planea una futura exposición y la recopilación de las vivencias de Ceja para la publicación de un libro.

"No pretendo vender la obra, el objetivo primordial es exponerla y mantenerla vigente entre la gente" opinó el heredero, quien también dijo que la obra que se encuentra en el MAP está valuada entre 20,000 y 30,000 dólares.

 

***

Gonzalo Ceja

Estudió dibujo en la Escuela de San Carlos y escenografía en la de Bellas Artes de la Ciudad de México, además de L’école de Beaux Arts en París, Francia de 1967 a 1970, tiempo en el que también asistió al taller del artista Heiter. Fue el fundador de las Bienales Guadalupanas y escenógrafo de la película "Como agua para chocolate", por la que ganó el Ariel. Fue el primer pintor mexicano en ser invitado a exponer en Suecia, lo que se suma a las 18 exposiciones individuales y 28 colectivas en algunos estados de la República y el extranjero.

David Gilmore, sin homónimos y puro jazz

El guitarrista visitó el Conservatorio de Música del Estado de México para intercambiar opiniones y música con estudiantes de jazz

Silvia Márquez

Toluca

La tarde del sábado el Conservatorio de Música del Estado de México (COMEM) vivió una nueva dinámica entre sus muros.

La clase de jazz vino desde las manos del guitarrista estadounidense David Guilmore, quien acompañado por Brad Jones en el contrabajo y E. J. Strickland en la batería, habló por casi tres horas con los asistentes a la conferencia-concierto.

Compuesto en su mayoría por estudiantes de música, el público no llenó el auditorio "Silvestre Revueltas", hecho que no importó a los músicos ya que ofrecieron las explicaciones necesarias ante las preguntas de los estudiantes, principalmente dirigidas a la técnica jazzística.

Al hablar del ritmo, David hizo una relación entre la música tribal y el baile para marcar la importancia de ambas expresiones. "En África si les dicen que son músicos y no bailan, les dirán ¿cómo que no bailan?, es como decir, ‘solamente como pero no bebo nada’. Está totalmente interrelacionado el baile con la música, así que mi consejo para el ritmo es párense y bailen. Siento decirlo pero a muchos músicos de jazz les da miedo bailar, están tocando ritmos muy complicados ¿y les da miedo bailar?"

Gilmore se encargó de destacar que el músico de jazz más que técnica debe regirse por la conexión entre la mente y el corazón, ya que él considera que "el jazz significa muchas cosas, pero básicamente es un lenguaje, una forma de comunicarse. Toma mucho tiempo tomar las escalas y los patrones rítmicos (...) es como en el lenguaje, siempre estamos usando las mismas palabras pero las agrupamos diferente, es lo mismo con la música. Pero la improvisación debe venir de la cabeza y del corazón no de los dedos".

Después de las recomendaciones, preguntas y demostraciones de técnica, Gilmore, quien alguna vez compartió el escenario con el recién fallecido Michael Brecker, dijo a los jóvenes estudiantes que "la música es una manera muy elevada de comunicación, todo el arte es una forma muy elaborada de comunicación; las palabras son muy limitantes. Encuentro fascinante poder venir a un país como México sin hablar español, tocar mi guitarra y conversar con ustedes y sentir la comunicación de regreso también. Todo el mundo necesita aprender a tocar un instrumento".

La puerta quedó abierta y el guitarrista, quien actualmente se encarga de promover su más reciente disco "Unified Presence", prometió volver para escuchar el jazz mexicano que se genera en Toluca y subir al escenario junto con los estudiantes del COMEM.

***

David Gilmore

Guitarrista y compositor que ha grabado y tocado con algunos de los músicos más innovadores e influyentes en la música actual, como Wayne Shorter, Dave Douglas, Muhal Richard Abrams, Sam Rivers, Steve Coleman, Don Byron, Cassandra Wilson, Uri Caine, Randy Brecker y David Sanborn, entre muchos más.
La exploración del ritmo es un ingrediente importante en su música, utiliza elementos no occidentales y los integra al estilo contemporáneo. Su estilo ha sido comparado con guitarristas y estilos tan diversos como los de George Benson, Wes Montgomery, Jimmy Hendrix y Leo Nocentelli.
Gimore ha puesto su talento en más de 50 grabaciones y ha tenido una presencia importante en giras internacionales. En 2001 sacó su primera grabación como líder llamada ‘Ritualism’, que ha recibido muy buenas críticas a nivel internacional. Fue nombrado CD Debut del Año por la Jazz Journalists Association, y elegido Estrella en Ascenso del 2001 por la revista Downbeat, en su encuesta "Critic’s Poll".

Historias de nuestro mercado en el Bar 2 de abril

Jorge García Ortega comparte palabras y letras peregrinas con garañona en mano

Blanca Ocampo

Metepec

El Bar 2 de abril cedió espacio una vez más para que el público en general y los aisudos encontraran un "Rincón de cultura y las artes. Palabras y letras peregrinas. Alas de libertad", como se nombra ahora a las actividades que realizan las autoriades municipales en aquella cantina tradicional de Metepec.

El jueves pasado tocó el turno a Jorge García Ortega, vecino que ha dedicado gran parte de su vida al comercio y que aceptó compartir, tras la barra y garañona en mano, algunas de las historias que impregnan de colorido el mercado popular.

La charla que tuvo como marco los cuadros del pintor Asdrúbal Max Morales y los murales que desde hace más de diez años revisten las paredes del 2 de abril se tituló "Mercado... ¿libre? ".

SILENCIOS ESTEREOFÓNICOS

Fermín Muguruza, un independentista de izquierdas comprometido con la cultura musical y política vasca

El músico-compositor, productor y activista social propone su nuevo disco "Euskal Herria Clash" como la banda sonora del presente

Félix Morriña

Quizá para varios jóvenes melómanos no les diga absolutamente nada el nombre de Fermín Muguruza (Irún, Guipúzcoa, España, 1963), pero para muchos que crecieron oyendo el punk rock en español o en vasco de los años ochenta y gran parte de los noventa les recordará la existencia de dos bandas comprometidas con su momento histórico-político-cultural: Kortatu y Negu Gorriak.

Estas dos agrupaciones vascas creadas por Fermín Muguruza, entre otros proyectos extremistas españoles formados junto a sus hermanos (Iñigo y "Jabier") y compañeros de viaje idiosincrático, fueron pilares del movimiento punk rock por espacio de casi dos décadas en la lengua de Cervantes, como en su lengua madre.

Influenciaron a sus contemporáneos de una manera que hoy difícilmente podría hacerlo una banda y potenciaron la fusión de músicas que van del punk al ska, pasando por el reggae, el dub y otros sonidos de una manera que rompían con los esquemas establecidos y proponían una nueva forma de hacer música.

Como todo ente propositivo y en constante evolución, Fermín Muguruza no ha parado de crear, componer y hacer activismo político de fondo, es decir, participa en todo lo que tenga que ver con el País Vasco, incluso fue candidato independiente dentro de las listas de Eskal Herritarrok en las elecciones de 1999 al Parlamento Europeo.

La carrera artística de Fermín siempre ha estado unida a la política. Uno de los primeros aspectos políticos que han condicionado su carrera musical ha sido la elección del euskera como lengua de expresión. Muguruza no pudo aprender euskera en el colegio (estaba prohibido su uso en las escuelas por la dictadura franquista), por lo que lo aprendió a la vez que Kortatu daban sus primeros pasos.

De hecho, con excepción de "Zu atrapatu arte", las canciones en euskera que aparecen en los dos primeros discos de Kortatu (‘Sarri, Sarri’ en el disco "Kortatu"; ‘Aizkolari’, ‘9 zulo’ y ‘Jaungoikoa eta lege zarra’, rolas que aparecen en el disco "El Estado de las Cosas") estaban escritas por otras personas. Pero en "Kolpez kolpe", con el euskera recién aprendido, aparecen las primeras composiciones de Fermín en lengua vasca.

Otro de los aspectos más característicos de Fermín es su apuesta por la autogestión y la filosofía del "Hazlo tú mismo". Basándose en músicos como Jello Bifra o Ian Mackaye, Fermín fundó, junto con sus compañeros de Negu Gorriak, la discográfica independiente Esan Ozenki Records, con quienes realizó trabajos de culto para el rock subterráneo español y que han trascendido en otras naciones

Ha colaborado y producido 18 discos con sus bandas Kortaku, Negu Gorriak y como solista. Ha trabajado con muchos artistas de talla internacional como Manu Chao, Banda Bassotti, Amparanoia, la extinta banda mexicana Tijuana No, Tijuana in Blue, Albert Pla, Dut, Todos Tus Muertos, Nación Reixa, Desorden Público o Reincidentes. En aspectos extramusicales, ha ejercido como columnista en los periódicos "Argia" y "Egin", y condujo un programa de radio en Egin Irratia.

Con motivo de la reciente salida al mercado de su disco "Euskal Herria Jamaika Clash" (Home Records, 2007), platicamos vía telefónica desde Metepec, México, al País Vasco, con este singular personaje cuarentón, quien habló de la edición mexicana de su "hostia plateada", la política cultural vasca-española y la cultura política en la que está inmerso.

Cuando se le pidió opinión sobre la preocupación existente de varios melómanos con respecto a lo que está pasando en la música actual en general, en donde se respira una falta de compromiso en todos los géneros y una carencia de calidad musical, interpretativa y letrística, Muguruza contestó:

"Creo que lo que está pasando tanto en México como en el País Vasco, como en toda España, y en otro sitios, es que no hay los suficientes espacios para difundir la música con sustancia. Sí hay bandas con propuesta y vaya que existen algunas con estilos sorprendentes que sobreviven en medios aún reducidos.

"Por otro lado, algunos medios de comunicación y algunas transnacionales tienen coptado el camino para que no se difunda la música con sustancia, es decir, ellos prefieren promover la música tipo ‘fast food’, ésa que no se queda en la memoria de nadie y transcurre sin pena, ni gloria. Está muy contaminado el ambiente, por eso requerimos espacios como el suyo (IMPULSO)".

-- Es bueno saber que hay bandas que ofrecen esa calidad exigida por los más interesados y eso es digno de reconocerse, sin importar que sean punk o pop. Incluso hay grupos pop que parecen más punk que el mismísimo Don Cikuta, ya sea por la actitud, la propuesta, la música o todo junto…

-- Claro, cuando se dio la ruptura generacional del punk rock de antaño, éste pasó a ser visto como parte de una cultura establecida. Aquellos que se quedaron en esa vieja escuela, hoy se ven como meras maquetas sin mucho sentido. Otros hicieron del punk rock una actitud conservadora que rompía con lo ya logrado, con todo ese sentido revolucionario. Lo bueno de todo esto, es que la cultura en general (asumiendo todas las expresiones artísticas), tiende a evolucionar, a crecer o decrecer, según se vea, pero que en su momento histórico fueron determinantes.

"Ahora lo que está, por ejemplo, imperando en la música propositiva en el mundo es el hip hop, sencillamente porque es el lenguaje de los jóvenes, antes era el punk. En el País Vasco sucede ya. Hablo de ese hip hop con espíritu callejero, no precisamente el que muchos ven en la TV u oyen en la radio o leen en ciertas revistas. Hay que estar al pendiente del proceso creativo evolutivo de los tiempos que estamos viviendo mientras componemos o creamos. Eso es lo verdaderamente importante y no las etiquetas posteriores".

-- Me gustaría pasar de la cultura musical a la cultura política. Muchos saben que eres un ente comprometido con la idiosincrasia de tu país de origen y que además participas de manera activa en la vida política, pero te ha causado algunos problemas con el Gobierno español. ¿Es cierto?

-- Sí, definitivamente, pero es porque no me han entendido o porque no quieren ver la postura, a conveniencia, en la que estoy inmerso. Soy independentista de izquierdas y lo único que busco para mi país es un proceso de paz, generado a través del diálogo entre la ETA y el gobierno de (José Luis Rodríguez) Zapatero.

"Particularmente, creo que en el momento en que ETA deje de actuar, que es lo que deseamos todos, debe haber un trabajo político para el que necesitaremos todas las herramientas que podamos tener en nuestras manos, incluso la desobediencia civil, pero, después de lo que ha hecho el gobierno español, hay que tener en cuenta que cualquier colectivo que moleste a ese Estado puede desaparecer.

"Llevo años afirmando que estoy en contra de la violencia de ETA, pero parece que no se me hace caso, que no se me quiere creer. Sí, soy independentista y de izquierda, insisto, pero eso no significa que esté a favor de la violencia, por eso creo que todo esto no es sino una persecución ideológica que pretende evitar que todas las vías políticas sean consideradas. Lo único que parece interesar al Estado, a la hora de buscar soluciones a un panorama político, es que se encone cada día más.

"Yo no apoyo la lucha armada, aunque sí soy militante de Batasuna. Lo que digo es que Zapatero ha controlado mediáticamente todo a su favor, confundiendo a la población y a la opinión extranjera, pero nosotros damos la versión de paz, de diálogo para evitar más atentados, más bombazos como el ocurrido recientemente en el aeropuerto de Barajas de Madrid, donde murieron dos hermanos ecuatorianos.

"Ojalá ETA iniciara una nueva tregua. Igual que Estados Unidos, que debería declarar una tregua a los demás países del mundo", concretó.

 

SUEÑOS, ESPERANZA, RAÍCES, REGGAE

Fermín Muguruza tocó por primera vez en México con Negu Gorriak en 1993, en el LUCC del D.F., ante un público que "cantaba sus piezas en ¡euskera!". Milagros del Tianguis del Chopo y la piratería, la obra del músico vasco era conocida y reconocida por un buen grupo de seguidores mexicanos.

Con la salida de "Euskal Herria Jamaika Clash" en México, se abre la posibilidad de que el músico, compositor, productor y activista político venga a hacer gira en el mes de mayo del presente 2007. Participará dentro del Festival cultural Ollin Khan y se encontrará con los productores (Goliat Films, IMCINE y CCC) del filme "Todos los días son tuyos", del cineasta recién egresado del CCC, José Luis Gutiérrez. Muguruza participó haciendo algunas canciones para la banda sonora.

Esta nueva producción de Fermín es un eslabón coherente en su cadena de discos, donde acentúa esa proporción de reggae, mirando más que nunca a la concepción clásica del género, pero con algunos matices mestizos presentes (fuerza rock, algunas baterías hip hop o el sonido de la trikitixa).

El álbum fue grabado en Jamaica por espacio de un mes (la estructura del disco tardó un año, según el propio entrevistado) y contó con algunas figuras de renombre de aquellas tierras: U- Roy, Luciano, Lisa Dainjah, Masta Blasta, Yacine, Toots y las I-Threes (el trío vocal femenino habitual en los discos de Bob Marley, al que pertenece Rita Marley).

"Euskal Herria Jamaika Clash" ofrece 12 temas, donde además del reggae, también se siente el optimismo ante las nuevas luces que iluminan el futuro de El País Vasco. Un optimismo que se entrelaza con descripciones costumbristas ("Azoka Eguna"), ánimo rebelde ("Mongolian Barbecue", "Basque Xamuraia", " La Fille Du Quartier Populaire") y cantos de esperanza ("Yalah Yalah Ramallah").

También incluye un fotograma de un triunfo simbólico ("Beamon Jauzia"), críticas a la alienación ("Askatasun Parabolika"), a la dictadura del imperio ("Plastic Turkey"), un corte reposado de aire poético sobre música y sentimientos ("Baxua eta Lurra"), una instrumental final ("Le Mouv Dub").

Termina el disco una revisión luminosa y esperanzadora en versión reggae de una vieja canción de Kortatu: "La línea del frente", con la que usted seguro se identificará o por lo menos podrá conocer de qué está hecho este singular personaje de origen vasco.

 

 

 

Plainte

El disco más reciente del guitarrista mexicano Francisco Gil viaja entre la interpretación musical y la investigación de música barroca

Silvia Márquez

Toluca

Desde los trece años Francisco Gil lleva entre sus manos la curiosidad por explorar nuevos caminos sonoros a través de las seis cuerdas de la guitarra.

Los proyectos musicales lo han llevado a desarrollarse como concertista, docente e investigador, siendo éste último el tema central de la charla que IMPULSO sostuvo con el guitarrista clásico.

Francisco recuerda que en 1982 llegó a la música cuando tenía 13 años, hecho que define como "una consecuencia lógica" debido al ambiente familiar en el que la melomanía ha sido un ingrediente fundamental.

Sus estudios comenzaron con Francisco Montes de Oca, quien lo alentó a realizar el examen de admisión al Conservatorio Nacional, donde comenzó su preparación profesionalmente.

"Prácticamente todo mi tiempo de estudio en el Conservatorio Nacional estuve bajo la dirección de Marco Antonio Anguiano, que ya falleció, pero que en su momento fue un gran guitarrista. Mi formación no fue únicamente dirigida hacia la guitarra, fue una general como músico y tuve muy buenos maestros. En materias teóricas fui alumno de Mario Lavista, un excelente compositor; en música de cámara y música antigua fui alumno de Horacio Franco".

A la par del CN, Gil viajó a Italia donde realizó estudios con el maestro Angelo Gilardino en el Conservatorio Vivaldi de Alessandria y en la Academia Perosi de Biella.

Es el invierno del 99 la fecha que marcó el regreso de Francisco Gil a México y que estuvo ligado a "la idea de venir a trabajar aquí. Yo creo que la situación ha cambiado mucho en México respecto a cuando yo era estudiante. En aquella época, fuera del DF no había en donde un músico pudiera aspirar a formarse profesionalmente. Pero mi idea fundamental fue no trabajar en el Distrito Federal, sino fuera de la capital para que la gente que tuviera necesidad de formarse no tuviera que recurrir al centro".

Una vez en México, Gil acudió a un concurso para ingresar como docente en el Conservatorio de Música del Estado de México (COMEM), en donde actualmente labora, además de alternar en Morelia y el Distrito Federal.

La investigación: Manuel M. Ponce y la música barroca

Aunque Francisco Gil reconoce que no es un investigador en el sentido estricto de la palabra, apunta que es "un músico que trabaja por proyectos artísticos donde me planteo un objetivo relacionado a algún tema sobre la música, defino un objeto de estudio y empiezo a trabajar alrededor de eso, pero no me limito únicamente a tocar la música sino que llevo a cabo un trabajo de profundización en esa música que estoy tocando".

Uno de los trabajos más reconocidos del guitarrista es el que realizó con los manuscritos autógrafos de Manuel M. Ponce, del cual explicó que "la actividad de Ponce como compositor de música para guitarra se vio completamente vinculada y condicionada a su relación con Andrés Segovia quien fue un filtro muy importante para la música de Ponce. Ponce no siendo guitarrista se fiaba completamente de las orientaciones que Segovia le daba como instrumentista. En más de una ocasión Segovia no dictó sus juicios únicamente por una cuestión de comodidad instrumental o de idiomaticidad instrumental sino también por sus propios gustos y costumbres. Ya pasados tantos años después de la muerte de Ponce, que murió en 1948, y de Segovia, quien cuando yo hice el estudio ya había fallecido, se hacía necesaria una revisión de lo que había sido el material original. No para suplantar o juzgar la intervención de Segovia, sino para sopesarla, poder evaluarla y entender un poco mejor cual fue el proceso de transformación (...) el cuadro nada más estaba a la mitad, conociamos la parte de Segovia, había que conocer la otra. Ese fue mi proyecto de trabajo y la conclusión de eso fueron una serie de conciertos, cursos y una grabación para dejar un documento al final. Fue así como tuve esa primera grabación, que fue hecha en Italia, dedicada a la música de Manuel M. Ponce".

Después del proyecto de la música de M. Ponce, Gil comenzó un estudio sobre música barroca escrita para laúd.

"Se compuso mucha música interesante y buena que por el desuso en el que ha caído el instrumento, sobre todo fuera de Europa, es música que ya no se conoce. El hecho de que yo conociera esa música y saber que es de un gran valor artístico, me hizo plantearme el reto de ver en qué medida podía recuperarla para guitarra. Elaboré todo un sistenma de transcripción que no se limitaba a pasar la nota tal cual a la guitarra, sino de hacer toda una búsqueda. Ese proyecto también tuvo varios puntos de arribo, el primero el de los conciertos, algunos cursos y lo más reciente fue la grabación de un disco compacto dedicado a esa música" dijo Gil.

La estructura del disco está formada por cuatro suites y una pequeña pieza suelta que se llama ‘Plainte’ (Lamento) y es la que le da el título al disco. La grabación presenta música del barroco intermedio y del barroco tardío de compositores como Giovanni Zamboni de Italia, David Kellner de Alemania, Silvius Leopold Weiss de Bohemia, François Dufault y Charles Mouton de Francia.

Francisco Gil opina que ‘Plainte’ apunta a "dejar un documento referencial. Creo que ninguno de los dos discos -el del M. Ponce y ‘Plainte’- son de los que puedas poner y escuchar de principio a fin porque no fueron pensados para eso, son más bien documentos de consulta".

Sin embargo, ‘Plainte’ es una selección de "música bella y con una alta capacidad de comunicación con el público, no es críptica ni hecha para gente que ya tiene una gran familiaridad con la música clásica". Además se ha enviado a revistas especializadas en casi todo el mundo y a emisioras radiofónicas. Según Gil "ya ha sido transmitido en varios lugares. Sé que se transmitió en Radio UNAM, en una estación brasileña, otra alemana y ya he empezado a recibir reseñas y críticas de Argentina y España".

***

‘Plainte’, la más reciente producción discográfica de Francisco Gil se puede encontrar en el negocio de discos del Palacio de Bellas Artes y en Toluca en librerías como ‘El placer de leer’ y la librería universitaria.