Columnas

Escaramuza

La Estuata del Bufón, un monumento a la ignorancia

Por: Polo Castellanos

"No se dice estuata, se dice menumento" afirma un chiste popular. Pero no es lo uno ni lo otro. Tan solo se trata de un verdadero monumento al cinismo, a la burla y un atentado descarado a la dignidad del pueblo mexicano. Se trata del remedo de escultura erigido en honor al bufón de las cortes del poder que calentó la silla presidencial entre los años 2000 al 2006. El ignorante de las botas campiranas color mamey que se puso al servicio de la maquinaria bélica norteamericana y que hoy se encuentra bajo investigación por enriquecimiento ilícito.

Tremendo amasijo hecho de bronce, bajo el auspicio de sus lacayos, la estatua del bufón se quiere develar a toda costa. Aunque en días anteriores ya fue tirada y mutilada por un pueblo indignado. Hoy, en restauración, se quiere volver a poner.

Pero parece ya una regla establecida por el gobierno: no tener memoria histórica y seguir golpeando el orgullo y nuestra identidad nacional. La realización de esculturas a sujetos que, lejos de merecerlos, son verdaderos insultos a la inteligencia del pueblo.

Ahí, justo en la zona donde desembarcaron tropas norteamericanas, donde se libraron cruentos combates con el pueblo que heroicamente les hizo ejemplar resistencia. Ahí, donde mexicanos perdieron la vida defendiendo su patria y su dignidad en el 47. La ignominia le pondrá un monumento a quien de muchas formas trató de entregar a nuestro país.

Y para muestra un botón. Sólo hay que darse una vuelta por el Castillo de Chapultepec para darnos cuenta de la importancia que nuestro gobierno le da a la historia de México. La famosa leyenda de los Niños Héroes y las extraordinarias pinturas en las que quedaran inmortalizados por la memoria de su compañero de lucha, Santiago Hernández, se encuentran apiñadas junto con la bandera del Batallón Activo de San Blas, orgullo del Castillo, en un espacio de cuatro por cuatro metros, con una escueta explicación. Sin mencionar las dos líneas dedicadas al General Felipe Santiago Xicoténcatl, quien también al igual que el cadete Juan Escutia con su bandera muriera defendiendo la bandera del Batallón en la capilla del Colegio. Ubicados todos en el rincón de la Sala de Banderas que ya no tiene banderas y hasta el final del recorrido por el primer piso. Sí, en cambio, podemos "admirar" en todo su esplendor los vestidos de Carlota. ¿Habrá tenido que ver algo Martita?

Pero la cosa no acaba ahí: el abominable mausoleo de mármol conocido como el monumento de los Niños Héroes está cerrado al público con una valla permanente que impide el acceso. Sólo pueden pasar los funcionarios cuando cada 13 de septiembre se acuerdan que tienen que hacer guardia de honor a los seis Héroes y decirle al pueblo de México que sí son bien patrioteros. Originalmente se erigió un Monumento que le hace honores a todos los caídos y combatientes presos del Castillo entre los días 12 y 18 de septiembre. Ahí están sus nombres, y no sólo fueron seis, en un obelisco a los pies del Castillo, donde se supone encontraron los restos de Juan Escutia. La historia cada vez quiere reducirle más sus héroes al pueblo de México.

Los retratos de los Niños Héroes, llamados así por la voz popular a partir de una frase dicha en un aniversario luctuoso por Sóstenes Rocha, director del Colegio Militar, el 13 de septiembre de 1883: "Casi eran unos niños, sí, unos héroes". Lo cierto es que no eran tan niños, aunque las fechas de la ficha museográfica no coincidan con lo que Santiago Hernández escribió en sus obras. De detalles así están plagados los museos.

No es la primera vez que se atenta contra los mexicanos y su historia; tampoco es la primera vez que barrabasadas como la de Boca del Río, Veracruz, se intentan hacer contra la voluntad de los ciudadanos. Desde los tiempos de Porfirio Díaz hasta casi cien años después, los gobernantes quieren ser inmortalizados en bustos, esculturas, monumentos, cuadros y siempre encontrarán algún arquitecto o artista que les haga comparsa por unos cuantos pesos o favores. Habrá quienes realmente merezcan quedar para la posteridad, erguidos en tremendas figuras apolíneas de bronce, para deleite de palomas y gorriones, ilustrando nuestros paisajes urbanos y enalteciendo el orgullo nacional. Pero siempre existirá algún bufón que se aplauda a sí mismo y junto con sus lacayos quiera pasar por encima de un pueblo.

Así que un caluroso aplauso a los héroes que el día sábado 13 de octubre del 2007, tan solo un mes después del 160 aniversario luctuoso de los héroes del Castillo de Chapultepec, lograron resistir y tirar abajo la estatua de un bufón y un monumento a la ignorancia y la estupidez. ¡VIVA MÉXICO!

Una mirada plástica

El arte debe de ser un acto cotidiano: Alejandro Quijano

Por: Paul Achar

En esta entrega se tiene una doble intención: por un lado presentarles la entrevista con el pintor, grabador y escultor Alejandro Quijano, mostrando el compromiso que tiene con el arte, como promotor y artista; por el otro, darles a conocer algunos conceptos recurrentes como es la factura y la firma dentro del mundo de la plástica que el maestro Quijano nos ayuda a entender.
Proveniente de una familia de pintores, Alejandro Quijano trabaja en las artes desde los quince años; está próximo a cumplir treinta años exponiendo tanto en México como en el extranjero. Su misión, además de crear, es acercar a las personas al arte a través de subastas y exposiciones en fundaciones como Summa de Talentos A. C., de la cual es presidente y miembro fundador.

¿Qué crees que sea necesario para que la gente se comprometa más con el arte, qué está haciendo “Summa de Talentos A. C.” o qué está haciendo Alejandro Quijano directamente para acercar a la sociedad al arte?
-Primero, las exposiciones tienen que ser atractivas en el tema, que de alguna manera te lleven a una reflexión y te puedas divertir con el arte y gozarlo, quitarle la sensación de que el arte es estirado, que el arte es sólo para unos cuantos esnobs o que entre más complicado y sofisticado es lo que se dice eso lo valida como arte; yo creo que el arte está más allá de eso.
“El arte, las imágenes, las obras hablan por sí mismas y la obra que necesita estar siempre apuntalada en discursos entra en cosas literarias o querer meter obligadamente en las artes visuales algunas cosas que ya son del histrionismo, del teatro, la danza, que claro es muy bello pero más que su función plástica es su función histriónica, de representación actuada, lejos de acercarse a sensibilizar a la gente la aleja.
“El arte contemporáneo tiene que hablar del momento histórico. Como humano tienes una formación histórica, por ejemplo, en Summa de Talentos hemos hablado de Sor Juana Inés de la Cruz; es un tema bellísimo y no sólo se trabaja con una narrativa visual, hemos tenido performances dentro de las exposiciones, pero son cosas colaterales. Hemos trabajado el tema de Zapata, un tema de los de los derechos sociales. Traemos temas con sensibilidad que atraen a la gente a pensar.
“La oferta que estamos haciendo con Summa de Talentos es maravillosa. La exposición de Zapata que se ha ido reconformando, reintegrando y mutando en sus itinerancias; siempre es una exposición viva que tiene fuerza, ya lleva dos años presentándose. La de Sor Juana va a generar más de dos años de itinerancias. En estas exposiciones se puede encontrar obra de tan gran nivel que puede gustarle a un conocedor pero tan accesible que alguien que no conozca de arte le pueda empezar a gustar.
“El arte debe de ser un acto cotidiano, el cual puede acceder cualquier persona, esa parte en algunos museos se ha olvidado, se han vuelto lugares sofisticados, cortos de la propuesta de un curador que de repente ni es creador y se siente, además quiere firmar la exposición, es gente que coadyuva, que merece un crédito, única y exclusivamente. Eso ha hecho que exposiciones en ciertos espacios no generen las expectativas para nadie y tampoco generan educación, que al final también tiene un proceso educativo, no nada más sensible, no nada más de expresar, se manejan para que las obras se coticen, para valorarlas en un mercado”.

He escuchado que en la fundación Summa de Talentos tienen muy buena factura, ¿qué quiere decir?
-La factura es un término que aparentemente es complicado pero es la calidad; todo mundo dice que es muy relativo. Los artistas que tienen buena factura, usualmente su obra está bien acabada (sic), no es obra desechable, es obra que se cuida en los más mínimos detalles, esto no quiere decir que se lleven meses en una pieza, puede ser una obra espontánea generada a partir de un trabajo que haya atrás.
“La factura es algo que va desarrollando el artista conforme va creciendo su trabajo. Un artista que sale de la escuela y comienza a copiar modas nunca genera un estilo ni una técnica personal. Las técnicas que te puede enseñar una escuela te pueden aportar, pero no te están haciendo artista.
“El artista es una personalidad en sí mismo, es un ente que va acumulando distintas cualidades, en la obra se va a reflejando que ya hubo un dibujo, un estudio, alguna paleta, algún manejo de color, alguna forma de plasmar el cincel, la pincelada, la forma de resolver la cuestiones temáticas; pocos artistas tienen la versatilidad de sin perder su estilo abordar distintos temas. Por ejemplo, en la exposición Lotería de Summa de Talentos, estamos buscando que se unan a trabajar en un contenido discursivo que atrape al público de todo tipo”.

¿Qué es la firma?
-El hecho de hacerte responsable, de formar una propuesta, una obra de arte, de estar procurando buscar tus formas estéticas y de que tengas un mensaje, el artista se vuelve una biografía o un autorretrato de todas sus investigaciones, de todos sus estudios, sus propuestas y sus vivencias.
“Un artista que está trabajando constantemente va viendo sus transformaciones, no es nada más encerrarte en tu taller sino confrontar tu obra con la de otros artistas”.

Las razones del diablo

El taller

Por: Dionicio Munguía J.

Asimilar en un taller literario los cuestionamientos de un trabajo no siempre es recibido con atención o con comprensión por parte del asistente. En muchas ocasiones es culpa del tallerista o coordinador el que no se alcancen a comprender cada una de las críticas que se realizan. Como coordinador de un taller literario me he enfrentado a este tipo de situaciones de manera muy constante. Por momentos siento caminar hacia atrás y no se adelanta con una persona en particular. Sin embargo, esto no siempre sucede y ésas son las gratificaciones que se logran en un taller literario.

La palabra como tal siempre debe verterse, darse sin cortapisas, sin esconder los conocimientos que se obtienen en el transcurso de los años y sobre todo en aquellas charlas que se tienen con escritores amigos o enemigos, en pláticas ocasionales o en discusiones sin sentido que en muchas ocasiones se tienen en momentos diversos. No siempre son planeadas estas conversaciones. Algunas veces son improvisadas charlas de café o de restaurante.

El conocimiento como tal debería transmitirse sin cortapisas, he dicho, pero no todos los coordinadores lo hacen y simplemente te dan una pequeña probadita de lo que saben y te dejan a medias, confuso, sin entender el porqué de tal crítica o el sentido de cierto tipo de palabras, imágenes, situaciones existenciales, versos cortos o cojos, poemas incompletos o simplemente fallidos. Y eso, a mi parecer, no se vale.

En los años que tengo dando talleres me he encontrado con personas que vienen de otros sitios con enormes lagunas en el conocimiento literario, sin grandes equipajes técnicos o con limitadas nociones de libros que podrían ayudarlos a crecer en las letras. Tarea, definitivamente, que debe emprender el coordinador sin falsas expectativas y con una entrega prácticamente total, puesto que así nos fue dada la palabra y así debería entregarse a los demás.

No siempre se debe impedir que los asistentes a un taller conozcan lo que el coordinador sabe. Ni siquiera los escritores deberían tener este ego superfluo y poco alentador. Y deberíamos impedir que personas con este tipo de actitudes esquilmen a jóvenes y no tan jóvenes interesados en las letras. Si alguno se acerca a nosotros con la suficiente humildad de aceptar su poco conocimiento literario, agradezcamos este hecho y donemos lo poco que sabemos para hacerlo crecer.

Sólo así lograremos que las letras no se pierdan, que los talleres literarios funcionen y que cada año se celebren aniversarios de talleres en la ciudad. Eso siempre sería mejor que instituciones que ya no producen escritores y sólo se dedican a crear monstruitos que se regodean en los encuentros de escritores sin fundamentos literarios.

P.S. El 2 de octubre no se olvida, a pesar de los años.

Mantarraya

Leyendas en escaparate

Por: Heber Quijano

Da miedo observar cómo los grandes íconos de la humanidad son y han sido creados a partir de la necesidad de adjudicar etiquetas a las pocas ideas que le quedan al mercado por explotar. Desde la rebeldía sin causa del James Dean o del John Lennon contestatario, pasando obviamente por la sensualidad desbordante de Marilyn Monroe, Brigitte Bardot o Sofía Loren, hasta las figuras emblemáticas de Gandhi, la madre Teresa de Calcuta o el mismo Nelson Mandela, el mercado con su imperio de modas y poses ha trivializado tanto tales efigies que algunas han llegado a perder su significado en cuanto a seres humanos que han logrado hacer con sus acciones y su forma de vida: un ejemplo o un buen aliciente para que nosotros los peatones sigamos teniéndola un poco de esperanza al propio espíritu humano, así de complicado y absurdo como suena. Así de lapidario también.

Un claro ejemplo de la comercialización, y vaya que ya todo mundo lo sabe, es el caso de Frida Kahlo. Rodeada de un halo de misticismo estoico, símbolo de la liberación femenina tan en boga hace 40 años, ahora sirve de fórmula para perfumes, ropa "típica" que usa la gente bien cuando quiere mostrarse sensible ante la situación indígena y acaso presumen su sentido patriótico al usarla, y para aquellas seudointelectuales que hacen creer al público que en realidad conocen de su vida y del arte tan sublime de la coyoacanense más famosa del mundo. Sin embargo, nadie reivindica la pintura de su contemporánea María Izquierdo o el arte combativo de nuestra contemporánea Lorena Wolffer. Aun cuando el Palacio de Bellas Artes jamás haya tenido tan nutrida asistencia, aun cuando las películas nos queden a deber un poco de la relevancia que tuvo la libertad sexual de Frida y Diego, émulos en la forma de vida de Jean Paul Sartre y Simone de Beauvoir, aun cuando Frida misma estaría avergonzada de lo que se ha hecho con todo lo relativo a su vida.

Por otro lado, el Che Guevara, "como una flor arrancada prematuramente de su tallo". Así habló, desde su convaleciente salud, el ya milenario presidente cubano, Fidel Castro, mientras nosotros los peatones con las manos más izquierdas que diestras nos sentimos ofendidos en lo profundo de nuestro corazón ahora que se han cumplido 40 de su asesinato a manos de los artífices de la vil e infame Operación Cóndor, a manos de los culpables del adiestramiento de los torturadores que cumplieran con su papel de verdugos de la libertad sudamericana en las dictaduras, como bien ha revelado desde Vallegrande el paraguayo Martín Almada, tesorero de los siniestros Archivos del Horror. El Che, sobre todo la foto del Alberto Korda —y no las más humanas del suizo René Burri ahora expuestas en el Antiguo Colegio de San Ildefonso—, se ha convertido en un afiche de rebelión mal comprendida, descontextualizada, o simple y llanamente, ignorante en la mayoría de sus casos (como siempre ocurre en estos casos). El Che es mucho más que un pequeño altar para quienes se lo ponen como bandera hipócritamente. El Che es ejemplo de dejar la vida, hasta la victoria o la inmortalidad.

Escaramuza

What pedo is going on, Malinche

Por: Polo Castellanos

¡Hasta siempre, Che Comandante!

Parece mentira que a tres años de conmemorar el bicentenario de la independencia de México estemos arrastrando todavía con la maldición de Malinche. Parece una condena eterna. Hoy, al menos en el terreno del arte y la cultura, seguimos siendo conquistados por otro país. Y no hay que darle muchas vueltas para saber a quién nos referimos.

Los gringos, con su extraordinario toque de Midas (todo lo que tocan lo echan a perder), quienes constantemente se han dedicado a satanizar a las culturas latinoamericanas y que como buitres se han dedicado a intentar destruir tradiciones y cualquier intento de que nuestra cultura siga siendo una de las más ricas y complejas del mundo, insisten constantemente en ser los jueces de lo que debe de hacerse, al menos en lo que toca a nuestro desarrollo artístico. Orquestada desde la Agencia Central de Inteligencia CIA la política cultural hacia América Latina y muy en concreto hacia México, le ha costado mucho a nuestro país. A partir de la posguerra y la inserción de Estados Unidos en la cultura mundial, descubrieron que ésta es el arma más poderosa que se puede utilizar en contra de un pueblo. "Domínalos culturalmente y los tendrás a tu servicio" pareciera decir su consigna. Más bien como en alguna ocasión dijera un estadista: "A los mexicanos no hay que conquistarlos, hay que educarlos".

Parece mentira y más grave aún que haya mexicanos que deslumbrados por el sueño americano se entreguen diariamente y se arrastren en un servilismo humillante ante la voz de los yankis. Un reciente ejemplo: éste el de las Maravillas del Mundo que no es otra cosa que la mercantilización de las culturas; en nuestro querido Chichén Itzá y otras zonas arqueológicas, se puede observar con tristeza el trato que recibe el turismo nacional: guías mexicanos que dan explicaciones en inglés de por qué Kukulkán desciende por la pirámide; estudiantes y maestros sin descuentos, sin mencionar que los mayas tienen que pagar por entrar a sus centros espirituales; trato preferencial a güeros de ojos azules y al presidente Lincoln en los billetes verdes. Las autoridades del INAH y la vergüenza.

Pero no nos concentremos en lo que ya sabemos obvio. Ya desde los años sesenta la penetración cultural se vuelve evidente en el arte y ante la aparición de la denominada generación de "ruptura" cuya única ruptura fue la de fomentar el individualismo en el arte y terminar de convertir el arte en un objeto más de consumo. Copiando corrientes artísticas que se generaban en el vecino país del norte y que nos vendieron aquí como si fuera una aportación de los artistas mexicanos a la cultura nacional. Una explosión hueca que no fue más que una repetición de lo que ya en la década de los cincuenta la CIA fomentaba desde Estados Unidos y que hizo extensiva a México apoyando a esta generación, incluso con becas de estudio a través de sus fundaciones, para que los "artistas" mexicanos siguieran golpeando el carácter social de la Escuela Mexicana de Pintura.

Pero el asunto apenas comienza; el impulso a través de las galerías, de los museos y del mismo gobierno queda abierto y sin cortapisas. Se tiene la idea de que para estar a la "vanguardia" hay que hacer lo que los gringos están haciendo o lo que los europeos promueven como arte contemporáneo o "vanguardia", etc. Para que nuestro país, como si lo necesitara, esté a la altura de las grandes potencias y el imperialismo. Como si así ingresáramos al "primer mundo" no importa que estemos en la miseria.

Hoy, cuatro décadas después, el perro sigue moviendo la cola al ritmo que le tocan allá en la tierra de la hamburguesa, los museos abren sus puertas y las instituciones culturales las becas a los artistas que siguen pensando que están a la "vanguardia" en el arte y que copian cuanta garambaina extranjera se les pone enfrente. Y se repiten una y otra vez las exposiciones, las corrientes posmodernistas, el arte conceptual, las instalaciones, los performances, el minimalismo, la multimedia, etc. Nunca habían encontrado tanto eco en los recintos culturales, digamos oficiales, como hoy.

Pero hay una condición. La obra debe de ser explicada. Ya en los sesenta la artista y crítica de arte Susan Sontag (casualmente norteamericana), advertía que la interpretación era la "revancha del intelecto sobre el arte". Cuanta razón tenía: son más largas las explicaciones y las justificaciones que dan estos artistas sobre su obra que el verdadero contenido de las mismas. Se desgreñan intentando explicar una obra que debería, como lenguaje plástico, explicarse por sí misma, en cambio realizan verdaderos ensayos y tratados justificatorios que la mayoría de las veces ni ellos mismos entienden.

Afortunadamente, no todos los artistas cayeron en la trampa, prófugos de tanto malinchismo oficial, no a todos nos pudieron vender las cuentas de vidrio. Hoy, los artistas comprometidos con su trabajo, con su país, con su pueblo, con sus ideales están volteando nuevamente a la pintura, a los conceptos básicos y fundamentales, a perfeccionar y experimentar las técnicas, a reencontrar raíces extraviadas por el monstruo de la ignorancia, a reentender nuestro pasado que está muy lejos, créanme, de las barras y las estrellas. Acciones básicas, para detener la globalización. Y para evitar que un día las futuras generaciones nos vengan a reclamar por qué Kukulkán vive con la Malinche en los Estados Unidos.

Silencios Estereofónicos

MonoPlug invita con su música a reflexionar sobre lo que hemos olvidado, lo "Natural y Humano"

 

Por: Félix Morriña

 

Ellos dicen que el concepto musical se creó en un cuarto lleno de humo bajo la presencia de la Luna del 4 de abril de 2006. Eso nos recuerda una de las frases del cantante líder de U2, Bono, cuando interpreta Pride in The Name of Love, con la diferencia de que Bono dice que fue por la mañana de un 4 de abril (de 1968) cuando mataron al reverendo Martin Luther King en una parte de la canción. Simples coincidencias.

MonoPlug en nada se parece a la banda irlandesa, pero tiene ese encanto para atrapar al más malhumorado, gracias al nivel de improvisación y experimentación sonora empleado en cada uno de los 10 cortes de su primer disco Natural y Humano, editado en este 2007 por Cápsula Records y distribuido por Iguana Records.

MonoPlug está integrado por la pareja musical y sentimental Zoe Mënachë (voz, piano-teclados) y Jo_c Madrigal (batería, guitarra, flauta y percusiones), quienes hacen una música que invita a llegar a un estado profundo y reflexivo (algunos dicen que hasta situacionista), que va de la música electrónica a la música pop, con matices jazzísticos con algunas letras en inglés y otras en español.

Los temas que más se recomiendan de su primer disco son el sencillo Radial Deep Orbit, Confortable suicidio, Uva pisada, Rojo, Ihuatzio y Estabilidad. A decir de los dos creativos de MonoPlug, hay influencias literarias y fílmicas en Natural y Humano, en especial de la película-poema El lado oscuro del corazón (1992) del cineasta argentino Eliseo Subiela. Habrá que poner mucha atención, mucho oído para descubrir tal influencia, pero ellos así lo afirmaron a este interlocutor.

En vivo, MonoPlug suena como el nombre de la banda, en sonido monoaural, con la sola vertiente de llegar a un objetivo: unidad-integración (Zoe logra la integración creativa de Jo_c y viceversa). Con tan solo un teclado y una batería este par de entidades creativas logran una música única o al menos poco usual en la provincia mexicana (ellos son de Morelia, Michoacán), con lo cual es plausible que haya este tipo de sonoridades en entidades prácticamente secuestradas por la música de banda o por trillados sonidos rurales sin calidad salidos, a cada instante y a la menor provocación, de radiodifusoras comerciales.

Este concepto musical es para escucharse en la tranquilidad del hogar en compañía de un buen vino, sin las presiones de la vida cotidiana. Si tiene pareja pueden practicar MonoPlug sin el menor empacho, ya que el nombre del dueto, en un juego de palabras, significa también un juego de seducción erotómano (un plug-contacto insertado en la parte más exquisita del lado humano). Eso quiere decir en pocas palabras el título del disco Natural y Humano.

Estas aseveraciones ellos mismos las aceptaron durante una entrevista en visita reciente a Metepec, para promover su primer trabajo discográfico.

Y si vamos más allá, el título del disco es el sitio a donde quieren llegar con su concepto artístico MonoPlug, ya que todos nos hemos olvidado del lado humano, del lado orgánico de la música, del sentir verdadero y no fingido de los representantes generacionales de esta primera década del siglo XXI.

"Nuestro deseo es que la audiciencia comience a través nuestro a combinar sus inquietudes musicales para llegar a un punto donde el destino nos una para resolver nuestro entorno, sin juzgar vagamente", enfatiza la bella y joven cantante y pianista Zoe Mënachë (tiene 19 años de edad), quien de paso vale la pena mencionar estudió en el Conservatorio de las Rosas de Morelia, Michoacán, considerado uno de los mejores de Latinoamérica y uno de los más respetados del mundo.

Cabe destacar que MonoPlug tiene un entorno sociocultural de primer nivel en Morelia, pero aún así, no existen (como en gran parte del interior del país) programas continuos tanto de parte de la iniciativa privada como del Estado para desarrollarse plenamente como artistas o representantes de la cultura local, ya que hacen falta espacios para promover este tipo de música, como también hacen falta foros de integración.

Morelia tiene festivales de altísimo nivel, desde los cinematográficos internacionales como el que se lleva a cabo en este momento hasta los de cámara, órgano y de música vanguardista mundial, pero hacen falta los canales adecuados para apoyar a las nuevas generaciones. Incluso, muchos melómanos morelianos de nivel preparatoria y universitarios no conocen a MonoPlug y eso sí que es una falta de integración, tanto del dueto como de su público y de los apáticos jóvenes escuchas. Claro, en este proceso tienen mucho que ver los medios de comunicación de la entidad michoacana.

No me queda más que recomendar a este dueto que tiene mucho qué ofrecer musical y líricamente. Ojalá no desesperen y logren llegar más allá de la simple grabación de discos y de la promoción de los mismos. También se les recomienda que continúen estudiando para perfeccionar a cada uno de los proyectos que desarrollen. La bella voz, como bella figura de Zoe ayudarán a que MonoPlug se quede en la memoria de un público exigente. Claro, todo con el apoyo incondicional y amoroso de Jo_c.

Una mirada plástica

Lotería de Artistas Mexicanos

Por: Paul Achar

En esta ocasión visitamos el museo 3D de Azcapotzalco en el Distrito Federal, que bajo una excelente propuesta del museógrafo Álvaro Sandoval, presenta la exposición colectiva Lotería de artistas mexicanos.

Álvaro Sandoval comentó en entrevista para IMPULSO que "se conjuntaron todas las piezas dentro de sí mismas, se hicieron agrupaciones de colores y de temas para que sobresalieran sobre un espacio dentro de la armonía, poniendo fondos de color que reflejaran la pieza para crear un buen ambiente museográfico. Colocamos algunas flotando y otras en unos cubos, creando la tridimensionalidad que le da el nombre a este museo".

Así, Sandoval logra presentar una maravillosa exposición Lotería de Artistas Mexicanos con 38 creadores que nos dan una lección de cómo jugar, cómo gozar, cómo sentir con el arte.

Una nueva visión de la lotería realizada por Don Clemente Jacques y una excelente forma de perpetuar nuestras tradiciones -¿quién no la ha jugado?- casi todos los mexicanos lo hemos hecho, ¿quién no recuerda el grito de: "el gallito, la sirena, el valiente, ¡lotería!"? ¿Verdad que se transportaron a su niñez? Pues ésta es la oportunidad de renovarse y compartir con sus hijos la experiencia de una magna exposición que estará hasta el 21 de octubre de 2007.

Yo espero que los niños se sigan recreando con ese entretenido juego que reunía a la familia y a los amigos; con frijoles, garbanzos o piedritas se llenaban las planillas y cuando eso sucedía se gritaba de la emoción y se ganaba algún premio. Yo recuerdo que en todas las ferias siempre había la lotería; en algunas sigue habiendo; ya forma parte de nuestras tradiciones.

En esta muestra se tomaron los 54 nombres de las cartas originales de Don Clemente Jacques. Se pueden encontrar acuarelas de una excelente propuesta plástica, así como óleos, acrílicos, arte digital con técnicas mixtas; yo creo que es una de las más interesantes y divertidas exposiciones; nada más hay que ver "La Bandera", del maestro Adriano Silva Pantoja, que es una lavandera, lavando nuestra bandera, o "El Apache" del maestro Xólotl Polo que puso unos helicópteros Apache frente al rostro de un apache; "El Valiente" del maestro Raúl Vilchis con ese hombre enfrentándose a un toro de Miura paliabierto con mucho trapio; nada más de verlo se transporta uno a la plaza de toros, o esa cautivadora "Sirena" de la maestra Yolanda Quijano que nos invita al mar para ir en busca de ella y dejarnos seducir por su belleza. "El Alacrán" del maestro Jesús Saldívar que con geometría y contrastes logra develar un insecto muy interesante, o "La Escalera" del maestro Javier Padilla que con maestría nos representa un circo donde la escalera es uno de los elementos, o "El Catrín" del maestro Alejandro Quijano que nos lleva al recuerdo del glamour de los años 50; "El Diablo" de la maestra Gilda Solís que en una danza erótica nos invita a bailar con él, "El Melón" de la maestra Débora Lewinson que nos transporta a una explosión de color con una paleta muy luminosa. La apertura de la muestra nos recibe con obra de la maestra Lourdes Arretchea con su "Sol" y "Luna" sonrientes, sin olvidar "El Borracho" de su servidor.

Qué decir, se presentan piezas de carácter muy contemporáneo y con un alto nivel de propuesta; también encontraremos expresionistas, abstractos, naif, realismo mágico, etc. Esta muestra itinerará un año ocho meses, así que si no la ven en el museo 3D y no tiene la primicia, entonces esperen a que llegue más cerca de ustedes que seguro así será.

Algo que notamos es que cuesta mucho trabajo para los que no conocen el rumbo llegar al museo, porque no hay señalización, espero que tanto empeño que le dan al arte en esta delegación se lo den también a los pequeños detalles para facilitar el encuentro con el museo.

Impresiones

Nos dimos a la tarea de preguntarle a Carlos Taboada, director General de Desarrollo Social de la Delegación Azcapotzalco, qué piezas le habían gustado más pero no quiso comprometerse y sólo mencionó que valora "cada uno de lo estilos porque eso es lo que yo tengo que hacer. El Alacrán me parece genial, El Músico, El Pescado, La Mandolina, El Borracho que es muy expresionista, en fin son éstas las que más me han llamado la atención".

Para Carlos Taboada la exposición le pareció más como "un pretexto para seguir pintando" y qué mejor pretexto que hacerlo con algo tan tradicional como es este juego, volcando así el talento de cada uno de los artistas que es lo que los une.

El maestro Raúl Vilchis comentó que "estando identificado con el estilo y la técnica que maneja cada uno de los colegas quería llegar a esta fecha para darle una miradita total y me siento muy contento por todo lo que he visto siendo un enorme respetuoso de todos los colegas".

Todos los artistas participantes son miembros acreditados de diferentes y distinguidas agrupaciones de artes visuales como son El Salón de la Plástica Mexicana, ARTAC, SOMAAP, Artistas de Azcapotzalco, artistas independientes y por supuesto Summa de Talentos A. C.

 

Las razones del diablo

La figura del Che

Dionicio Munguía J.

Por estas fechas siempre se recuerdan figuras relevantes, algunas no tanto, otras con algo más pero sin la importancia debida. Cerca de un aniversario más de su muerte, la figura mítica del Che Guevara anda rondando las librerías y los foros de discusión. Paco Ignacio Taibo II (PITII), biógrafo oficial del Che, ha dado a conocer una serie de escritos perdidos del guerrillero argentino. Se han planteado diversas teorías alrededor del manuscrito, pero en realidad eso es lo que menos importa. La figura del Che ha traspasado los límites de la historia y continúa vivo, a pesar de todo.

Pero no debemos olvidar que era un hombre, con virtudes y defectos, hombre que tenía limitaciones, que se obligaba a realizar cosas que una persona normal no haría. Sobrepasaba los límites físicos humanos y se lanzaba a proyectos ambiciosos que no siempre obtenían resultados adecuados. Intuía las soluciones, pero en muchas ocasiones no aceptaba las consecuencias de sus actos. Quizá, eso nunca lo sabremos, esa fue la causa del rompimiento con Fidel.

Pero la figura de Ernesto Guevara existe en una dimensión que va más allá de lo humano. El concepto revolucionario fue un tanto incongruente con los resultados, pero funcionó como un medio publicitario, diríamos en estos tiempos, de marketing absoluto. La Revolución Cubana tuvo los medios a su favor. De alguna forma, las imágenes de Korda, tanto de Fidel como del Che, fueron un vehículo que llevó al encumbramiento de los guerrilleros.

Pero no es sólo la imagen. Sus escritos, tanto de Fidel como del Che, obtuvieron un reconocimiento mundial. Fueron leídos y releídos por cientos de miles, como dice la canción de Inti Illimani, analizados por agentes tanto de la CIA como de Rusia, extrajeron lo extraíble y con el paso del tiempo se han vuelto incunables. Quizá por eso no sorprende la aparición de este manuscrito ni la resonancia que de seguro tendrá en los próximos meses.

He sido un seguidor crítico del Che. Los libros de Paco Ignacio Taibo II han sido un referente a seguir. Desde La batalla de Santa Clara hasta Ernesto Guevara también conocido como el Che, además de pasar por los libros rescatados y los Diarios los cuales siempre me han dado desconfianza. No todo es bueno, pero tampoco malo. Posiblemente no sea completamente literario, pero es un documento histórico.

Lo más seguro es que no compré este nuevo libro, no recuerdo el nombre mientras escribo esta nota, pero es casi seguro que dentro de algunos años, cuando el "boom" que acaba de empezar termine, ese libro llegará a mi librero y será leído de una sentada, como siempre lo he hecho con los libros que hablan sobre el Che.

P.S. El 2 de octubre no se olvida, a pesar de los años.