Columnas

SILENCIOS ESTEREOFÓNICOS

Mercedes Ferrer, una artista comprometida con Hispanoamérica a través de la música y letras socioculturales

 

Por: Félix Morriña

Ella es activista sociocultural hispanoamericana, cantautora de sentimientos encontrados, literata de historias reales con altas dosis de ficción, y sobre todo, una mujer comprometida con su entorno, su vida y el respeto al derecho humano y a la existencia.

Nos referimos a la cantautora española Mercedes Ferrer, quien ayer ofreció un concierto en el Salón Tarará de la Ciudad de México (Madero 39, Centro Histórico). Abrieron dos agrupaciones noveles que interpretarán material de Los Héroes del Silencio y Enrique Bumbury. La Ferrer subió al escenario pasadas las siete de la noche.

Es precisamente el espigado y ególatra cantante zaragozano Enrique Bumbury quien dio a conocer por tierras mexicanas a Mercedes Ferrer hace más de una década, cuando se le preguntaba a quién podría recomendarnos oír de su país que tuviera algo que decirnos más allá del rock cantado en la Lengua de Cervantes.

Lo malo es que nunca pudimos conseguir fácilmente los materiales discográficos de Mercedes Ferrer en las tiendas departamentales, casas disqueras, ni en el Tianguis del Chopo. Sólo sabíamos de ella por amigos que tuvieron la oportunidad de visitar España o a través de la Internet años más tarde.

La espigada y bajita cantante de ojos azules realizó un recorrido por medios de comunicación locales, en la que platicó que fue corista de Bumbury durante la gira del disco "Bumbury-Freak Show", en donde tuvo la oportunidad de hacer más contactos para iniciar una gira por su cuenta cantando sus verdades y opiniones respecto a todo lo que significa vivir en el mundo de habla hispana.

Cabe destacar que en 1989, Mercedes Ferrer conoció a la viuda de John Lennon, Yoko Ono, gracias a un concierto homenaje al creativo de The Beatles en la Sala Zeleste de Barcelona, España. Tan bien salió la actuación de Mercedes Ferrer que Yoko la invitó viajar a Nueva York y le permitió tocar algunas canciones en el piano blanco de John Lennon, donde el maestro compuso "Imagine".

Después de esta experiencia, Mercedes decide trasladarse a Manhattan donde permaneció hasta 1993. Se quedó en Nueva York para ampliar sus estudios musicales en The New School y para tocar en pequeños foros del East Village.

Una vez segura de sus conocimientos se traslada a Los Angeles, California para involucrarse con varios músicos con lo que colabora en maquetas diversas para componer lo que sería el tercer trabajo discográfico: "Imán".

Es precisamente en Los Angeles, cuando Mercedes Ferrer tiene contacto con la idiosincrasia mexicana al convivir con nuestros connacionales e interesarse a fondo por sus usos y costumbres, a la vez que por su política, sus crisis económicas y su pasado histórico-prehispánico.

En la Plataforma de Mujeres Artistas comprometidas culturalmente que buscan la justicia y la paz social en el mundo, Mercedes realiza en el 2004 giras por toda España y hace un viaje al territorio palestino de Cisjordania, donde actuó en el Teatro de Ramallah, en Belén y visitando la zona de Qualquilia y la ciudad de Nablus, en el que la audiencia queda convencida que sólo la música y respetando a los demás podría ser más tolerante el mundo, aunque sea demasiado tarde para salvarlo, gracias al calentamiento global.

En México, Mercedes Ferrer actuó ese mismo año en el Zócalo capitalino, dentro del Festival contra el Femenicidio en Ciudad Juárez con excelentes resultados. También participó en un concierto con los mismos ideales en el Teatro Benito Juárez de Ciudad Juárez, Chihuahua.

Perfil de sensible piel

Nacida en Madrid hace 42 años, esta cantante y compositora ibérica ha estado en activo desde los primeros años de la década de los ochenta. Perteneció a las bandas francesas Zero Divide y Corazón Rebelde. Realizó estudios diversos en la Universidad Sorbona de París. Lideró la agrupación Spanish Harlem hasta mediados de 1984.

Poco tiempo después perteneció al grupo La Llave al lado del bajista Fernando Illán, el guitarrista José Romero y el saxofonista Arturo Soriano con quienes ganó el VIII Trofeo Rock Villa de Madrid en 1985. En ese periodo fueron teloneros de The Cure, Creole and The Coconuts y The Smiths.

La carrera solista de Mercedes Ferrer inició en 1986. Su primer disco salió bajo el nombre de "Entre mi sombra y yo" (Epic-CBS), con la producción de Sergio Castillo y Carlos Narea. Dos años más tarde sale su segundo disco "Tengo todas las calles" para el mismo sello discográfico. Esta producción fue realizada en Londres, Inglaterra por Sean Lyons y Richard Spellman.

La Ferrer imaginativa y rebelde se muestra en las presentaciones promocionales del disco, gracias a los temas "Alerta, se dueño de ti" y "Tela de araña", el cual canta a dúo con Rafa Sánchez, el líder de la banda española La Unión. La que da título al disco "Tengo todas las calles" es considerada la canción más emblemática de ese periodo.

Después de su aventura por la Unión Americana , Mercedes Ferrer regresó a España en 1991 para grabar lo que sería su tercer disco "Imán" (Dro-Gasa), en el que incluye las canciones "El árbol de la magia" y "Cárcel del amor", las cuales se convierten en el sello de la cantante en ese momento.

A finales de 1993, en Madrid montó una banda con el guitarrista Pedro Andrea, el bajista Billy Villegas, la cantante Inma Crespo y el baterista Vicente Clement. Un año más tarde graba "Tiempo futuro" (Dro-Time Warner), del que se desprende el sencillo "Mueve la máquina" y tiempo después la rola "Intermedio", el segundo sencillo que se convierte en una de las rolas más escuchadas de la radio ibérica y de países latinos como Colombia, Argentina, y por supuesto, México.

"Tiempo futuro" es el único disco que se consiguió en México en aquella época, pero no tuvo la debida difusión y se perdió en las tiendas de discos sin éxito, por lo cual todos los que ahora estamos interesados no pudimos enterarnos de lo que ella hacía. De hecho no se consigue esa material en la actualidad.

Para 1997, Mercedes saca al mercado "Generaciones" (Dro-East West), un compilatorio que incluye además canciones nuevas como "Adiós" y "Carretera sin fin", ambas compuestas con Pedro Guerra. Claro que en este disco están las canciones antes mencionadas en los párrafos arriba, puesto que se trata de un disco recopilatorio.

En "Generaciones" Ferrer metió la canción "Vivimos siempre juntos" compuesta con el integrante de Mecano, Nacho Cano, quien promovió a Mercedes a la menor provocación en los medios de comunicación ibéricos. Él dijo que Mercedes Ferrer es una cantante fuera de serie, con un registro que puede atrapar a cualquiera desde la primera escuchada.

"Tiempo real" (Karonte-El Europeo, 2003), es el disco que siguió, un proyecto independiente producido por la cantautora y Ciril Vidal en el que fusionaron elementos electrónicos con acústicos y letras de contenido social comprometidas con el entorno sociopolítico hispanoamericano.

El año pasado, la compañía discográfica Dro-Atlantic edita un disco recopilatorio de Mercedes Ferrer que abarca una década de trabajo creativo bajo el título "Intermedio 1986- 2006" , en el que destaca la canción "Madrid despierta" a dúo con Carmen París, composición inspirada en los atentados terroristas del 11-M. También están "Sigue brillando en mi" y "Fantasía", la canción que Enrique Bumbury incluyó en su disco "Bumbury Freak Show", sólo que en una versión acústica.

"Intermedio 1986- 2006" , es el disco motivo de la reciente visita de Mercedes Ferrer a México y donde sus nuevos escuchas, como los pocos seguidores que pueda tener en el país, estarán atentos a su desenvolvimiento sobre el escenario del Salón Tarará. Después de este recital, Mercedes Ferrer volverá a España para cumplir con algunos compromisos.

SILENCIOS ESTEREOFÓNICOS

"Saturday Night Wrist", el nuevo material sonoro y motivo de la gira latina de los Deftones

Por: Félix Morriña

A pesar de las constantes fallas en el sistema auditivo, el primer concierto del quinteto formado en Sacramento, California en 1988, Deftones, cumplió con sus poco más de dos mil 500 seguidores mexicanos la noche del pasado viernes 2 de febrero en el Salón 21, después de tres años de ausencia de los escenarios nacionales.

El motivo de su reciente visita a México (dos fechas en el Salón 21, viernes y sábado, y uno más en Guadalajara, el domingo 4 de febrero) se debió a la presentación del contenido de su nuevo disco "Saturday Night Wrist" (Rhino Entertainment-Maverick Records, 2006).

Este nuevo material de la banda liderada por Camillo "Chino" Moreno y secundada por el guitarrista Stephen "Stef" Carpenter; el baterista Abraham "Abe" Cunningham; el bajista Chi Ling Dai Cheng y el Dj, programador y tecladista Frank Delgado incorpora de manera homogénea elementos del rock duro de los años setenta con nü metal, actitud punk, algo de psicodelia, rock alternativo y dósis de música electrónica.

De este disco se desprende el sencillo "Hole in The Earth", mismo que fue interpretado la velada del fin de semana ante seguidores amantes del slam, la cerveza y la música con fuertes dósis de adrenalina contestataria. El video de dicha rola lo dirigió Brian Lazaro.

Como dato añadido, en este disco participó el cantante de la banda estadounidense System Of A Down, Serj Tankian, en la rola titulada "Mein". El disco salió a la venta el 31 de octubre del 2006, después de varias sesiones por más de cuatro meses en la que los integrantes de los Deftones no quedaban por completo satisfechos con el resultado.

Para este disco, los Deftones no trabajaron con el productor de sus anteriores discos, Terry Date, porque vieron en Bob Ezrin una nueva posibilidad sonora, así como también con Shaun Lopez. Además de Serj Tankian, los Deftones aceptaron la colaboración de Annie Hardy de  Giant Drag en la pieza "Pink Cell Phone".

Muchos melómanos desconocerán las influencias de los Deftones (Duran Duran, Depeche Mode, The Cure y Morrissey, entre otros), dirán que es una tomada de pelo y que lo único que se acerca a su música son las bandas compañeras de generación: Limp Bizkit, Korn y Cypress Hill, pero es la verdad, a este quinteto gringo le gusta la manera en la que proceden las bandas mencionadas, sólo que agregándole la furia de las agrupaciones metaleras de los años setenta como Black Sabbath, específicamente el cantante inglés Ozzy Osbourne.

Incluso hay un disco de lados B y rarezas de los Deftones, editado en el 2005, en el que hacen sentidos homenajes a The Cure, Cocteau Twins y Sade, por mencionar algunos, con lo cual se pueden despejar dudas y se sorprenderán del resultado.

Los discos de la banda son "Adrenaline" (1995), "Around The Fur" (1997), "White Pony" (2000), "Deftones" (2003), "B-Sides & Rarities" (2005) y "Saturday Night Wrist" (2006).

Después de pisar suelo mexicano, los Deftones partirán con rumbo a Colombia, Venezuela, Brasil, Argentina y Chile como parte de la gira Sudamericana de su nuevo material y en la que terminarán por agregarse nuevos seguidores.

Entre los invitados al concierto del viernes pasado, estaban músicos de todos los estilos y ramificaciones del rock nacional, entre ellos, el baterista de la banda sonorense Subterránea, Carlos Armando "Puma" Valdez Castañeda, quien dijo que los Deftones son una banda que ha mejorado sus actuaciones, toda vez que ya no sube borrachísimo al escenario el cantante "Chino" Moreno.

El bataco nacido en Cajeme, Sonora, que está por sacar disco con su banda Subterránea, agregó que los 350 pesos invertidos en el concierto por cada uno de los seguidores presentes (fue entrada general), valió la inversión con todo y las fallas técnicas, e incluso, muchos de ellos volvería a pagar por verles de nuevo (varios repitieron la osadía la noche siguiente).

De todos los discos que han editado los Deftones, la mayoría de sus seguidores confiesa, entre ellos nuestro músico consultado "Puma" Valdez Castañeda, que el mejor es el "White Pony", porque es donde encuentra el fan el verdadero sonido de la agrupación y donde dejan ver que la experimentación siempre estará presente en sus futuros discos.

"El hecho es que ‘White Pony’ es un discazo que todo buen amante del rock debe tener, pero sobre todo el nuevo disco, ‘Saturday Night Wrist’ es una chulada porque los Deftones decidieron trabajar con el productor Bob Ezrin, el que produjera ‘The Wall’ de Pink Floyd, para que el resultado fuera de 10 puntos", acotó "Puma", el baterista de Subterránea.

Algunas rolas que más gustaron de los Deftones y que hizo que el slam se prolongara por más de 120 minutos fueron "My Own Summer (Shove It)" y "Be Quiet And Drive (Far Away)".

El Ojo Criticón. Crítica al Cine Contemporáneo

El Yo Mexican y el fenómeno Oscar

Por: Jorge A. Cid

Desde que se dieron a conocer las nominaciones al Oscar para este año, mucho se ha hablado de los protagonistas nacionales en dichos premios y resulta curioso como la crítica nacional, ha recibido a los tres filmes en las distintas etapas que les han sucedido. También, por otra parte, el nacionalismo que nos invade tras el nombramiento. Por un lado, ¿Hasta qué punto consideramos los Premios Oscar como los más importantes dentro del orbe fílmico? Además de observar la manera como los medios, sobre todo los más vistos por el grueso de la población, reaccionan y trivializan alrededor del fenómeno. Me gustaría hablar sobre los premios en cuestión, y sobre el contexto de los tres filmes, sea en el momento en que llegaron y en el momento actual, en que tienen la posibilidad de ganar en ésta edición del festival de la Academia de ciencias cinematográficas.

Es bien sabido que los premios Oscar han venido demeritando en cuanto a la credibilidad de su postura ante los filmes que presentan, desde hace años el valor agregado que otorgan los premios a una película es básico para el éxito que ésta deba tener en las salas de cine, incluso se vuelven a proyectar filmes que ya habían salido de las salas meses atrás o para sus ventas a nivel casero en formato DVD, incluso para definir la postura que el consumidor deba tener sobre una película en específico. Se ha visto la volubilidad con que los miembros de la academia otorgan premios y en algunas ocasiones evidencian su postura respecto de la política estadounidense y al entretenimiento. Hemos observado la forma tendenciosa con que los premios se otorgan, dependiendo del contexto podemos ver como Michael Moore gana (Bowling for Columbine, 2002), o Tsotsi (Hood, 2005) como mejor película extranjera. En el caso de las películas extranjeras su tendencia ha sido premiar el exótismo que provoca ver una película irakí o sudafricana como si la distancia cultural también puede ser premiada desde la silla del turista gringo que se ensalza de tener un MacDonald’s cerca donde quiera que se encuentre, incluso en Moscú.

En México tenemos la idea de que el reconocimiento que se logre dentro de Hollywood es importante para la trascendencia creativa del cine mexicano. El fantasma de la época de oro del cine nacional cuando, precisamente; todo el glamour del Hollywood en su más alto nivel y prestigio se convertía en el referente de las tendencias cinematográficas a nivel mundial; en ese momento en que el cine mexicano podía competir a nivel de producción, a nivel de guión, incluso a nivel de peso de las estrellas cinematográficas, se ha venido convirtiendo en una obsesión cultural. Como si pudiésemos presumirnos a nosotros mismos que podemos ingresar en los festivales de la nación que nos opaca, salvo en nuestra mexicanidad.

Los Mexicanos que están nominados y más, las películas que se nominan, son de producciones no enteramente mexicanas. No hay una película propiamente mexicana dentro de los premios son Profesionales en el área que se ha podido hacer, mas fuera del país por su propio talento y esfuerzo y porque, además, están dentro del gusto del consumidor norteamericano. Si bien Iñarritu (Babel 2006) es uno de los directores favoritos en los Estados Unidos desarrolló su filme con su propio dinero y en el momento en que se proyectó en nuestro país muchas fueron las opiniones en contra: que el estilo narrativo ya cansó, que no es muy buena, que Brat Pitt no actúa como en sus mejores filmes, que quién es Cate Blanchet. Y sin embargo la consideré una de las mejores películas del año y de lo mejor que ha hecho un cineasta nacional a nivel internacional. Guillermo del Toro merece una mención especial porque superó con creces sus trabajos en el aburrido Hellboy (2004) o en Blade II (2002) y demuestra que se acomoda mejor trabajando con producciones españolas como El Espinazo del Diablo (2001). No sé si le otorgue la academia el premio a mejor película extranjera, sin embargo su trabajo a nivel de Arte es muy bueno. Ojalá que en ésta área sea reconocido, aunque compite con el mediatizado Apocalypto (Gibson, 2006).

Para mí el mejor filme de los tres que se presentan a la contienda abanderando la mexicanidad es Children Of Men (Cuarón, 2006) me parece un filme bastante completo, en el que el discurso es llevado de una manera ingeniosa y donde el guión adaptado no resulta ser una fotocopia al estilo Sin City (Rodríguez, 2005). Técnicamente es una película bien desarrollada, que muestra a un Cuarón versátil que no se quedó como el director de algún Harry Potter o la romántica Great Expectations (1998). Cuarón gusta de adaptar guiones, sin embargo su trabajo más reconocido a nivel mundial resulta ser Y tu Mamá También (2006). Irónicamente y muy aparte de todo éste gran currículum, resulta ser el que menos se le ha reconocido, como si no tuviésemos la capacidad de observar la enorme producción que tuvo que dirigir, la propuesta visual, de la que mucho se le debe a Emmanuel Luvezki. A quien por cierto no se le ha reconocido su trabajo dentro de los premios.

¿De qué sirve para nosotros que el trabajo de los compatriotas sea reconocido en los Oscar’s si no apreciamos los premios y reconocimientos que han obtenido en festivales más serios, más imparciales y que dejan de lado lo políticamente correcto para aislar el filme en su contexto y su espacio? Ojalá que alguno de los tres, que alguna de sus películas ganen algún premio, así, quizás dejemos de lado esa obsesión por ver algún oscar en la sala o estudio de algún cineasta que tenga en su acta de nacimiento la nacionalidad mexicana. Así, tal vez, la voz ajena nos otorgue el derecho a pensar que el trabajo de un cineastas mexicano vale tanto la pena como para presumirlo a nivel mundial.

¿Qué pasa con gente como Reygadas (Batalla en el cielo, 2005) Amat Escalante (Sangre, 2006) o Carlos Bolado (Solo Dios Sabe, 2006) que muestran una visión particular y tienen una propuesta narrativa atrevida? ¿Necesitamos que Hollywood nos los presente para reconocerles el trabajo? ¿Después de los Oscar diremos que sí, es verdad, Babel es buena? ¿Que a pesar de los problemas con Guillermo Arriaga, Iñarritu se merece el Oscar? ¿Que el mejor director mexicano es Guillermo del Toro porque El Laberinto del Fauno es una excelente película? (que sí lo es). Suerte para superar esta obsesión.

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Las razones del diablo

El caos

Por: Dionicio Munguía J.

Dentro de poco sabremos si la capacidad de los cineastas mexicanos ha llegado ya a los niveles que de ellos se espera. Por un lado, González Iñárritu, con Babel, se instala por primera vez dentro de las nominaciones del Oscar con un total de siete, cosa nunca antes lograda por una película mexicana, entre las que destacan la de mejor película, mejor director y mejores actrices de reparto. Muy pocas veces o ninguna, una película dirigida por un mexicano había sido tan nominada en esta fiesta del cine norteamericano.

Guillermo del Toro, con El laberinto del Fauno, se enfrenta por séptima ocasión a la nominación para mejor película extranjera, aunque esta ocasión es más factible que lo gane que las seis anteriores nominaciones, aunque existan un par de películas, al menos una, que es un clásico dentro del cine mexicano. Me refiero por supuesto a la primer película que fue nominada para un Oscar: Macario, con la actuación de Ignacio López Tarso. Y la otra película a la que me refiero es más reciente: El crimen del padre Amaro.

Dos directores, dos visiones del cine, lejos de la folclórica visión que en los años de la época de oro del cine nacional se tenía. Es cierto que existe un modelo a seguir, que según los acérrimos críticos que viven de las glorias pasadas, es sólo la visión hollywoodense del cine, sin la idiosincrasia que revestía las películas del siglo pasado. Tenemos que aceptar que aquella fue una época crucial para el desarrollo del cine en México. Que sin esos directores, actores y actrices, fotógrafos y guionistas, no tendríamos el cine que tenemos, aunque éste no sea mucho.

Pero eso quedó en el pasado. La actualidad en González Iñárritu, Del Toro, Cuarón y algunos más que surgen y surgirán en algunos años. Que si Babel no gana este año un Oscar importante, es factible que en unos años más la industria norteamericana del cine se tenga que rendir ante el empuje de los latinos no criados en Estados Unidos, no forjados en sus escuelas de cine o universidades, sino formados es nuestros países con una visión diferente, con un empuje que va más allá del simple desarrollo de un tema, para adentrarse a una complejidad, como lo es Babel, o una fantasía impresionante como la película de Guillermo del Toro. Por primera vez en muchos años seguiré con atención una ceremonia en donde se le ha quitado la libertad de expresión, tan famosa en gringolandia, pero que Míster Bush ha decidido que es peligrosa.

De verdad tengo muchos años sin ver, ni por casualidad, la entrega de los oscares, pero este año, sólo por Alejandro González Iñárritu y Guillermo del Toro lo haré. Y cruzaré los dedos para que, por primera vez en la historia del cine en México sean dos o tres o cuatro o cinco o los que sean, los oscares que se traigan para acá. Suerte.

SILENCIOS ESTEREOFÓNICOS

"De mi sangre hasta tus cuchillas" o la influencia de Alejandro Jodorowsky en El Columpio Asesino

Por: Félix Morriña

Con tan solo dos discos en el mercado ("El Columpio Asesino", 2003 y "De mi sangre a tus cuchillas", 2006), el apoyo de la prensa especializada de su país de origen (España) y de México, más la buena reputación de los conciertos y su aportación al rock en la Lengua de Cervantes, El Columpio Asesino es una agrupación a la que hay que ponerle mucha atención a lo que haga porque resultó una excelente sorpresa en la música contemporánea.

Me tocó presenciar uno de sus tres conciertos de su gira por México, el ofrecido la noche del pasado jueves 25 de enero en el Hard Rock Live del Distrito Federal (los otros recitales fueron el viernes en Guadalajara y el otro se llevó a cabo el domingo 28 en el Foro Alicia de la Ciudad de México), donde tocaron al lado de los mexicanos San Pascualito Rey y los neoyorquinos de Elk City.

Desafortunadamente, los seguidores del sexteto navarro en el Valle de Toluca no pudieron presenciar su música en vivo porque el organizador en esta parte del país no pudo con el paquete y tuvo que cancelar dos días antes de su presentación en el restaurante bar La Mecha de Metepec, fichada para la noche del sábado 27 de enero.

El pretexto fue que el local de la Plaza San Isidro no cumplía con los requerimientos básicos para efectuar el concierto en un espacio poco idóneo para disfrutar a una banda de este nivel. A los músicos les molestó la actitud del organizador y de los dueños del lugar por la falta de profesionalismo.

Ellos estaban muy interesados en tocar para su audiencia mexiquense en un foro pequeño para intimar con sus seguidores. Es más, la promoción de su segundo disco "De mi sangre a tus cuchillas" (Astro Discos, 2006) está pensado para recitales de no más de mil asistentes. A La Mecha le caben cuando mucho 200 personas, lo cual hubiera sido genial para la gente interesada.

De consuelo para los melómanos mexiquenses, puedo decir que el concierto de la noche del jueves fue estupenda porque no estuvo hasta el tope el local de Reforma y Campo Marte, Polanco (al que le caben incómodamente mil personas y esta vez hubo aproximadamente 350 almas), lo que permitió disfrutar tranquilamente la propuesta de la agrupación española por espacio de poco más de una hora, tiempo suficiente para entender de qué están hechos y que su eje musical tiene muchas bases experimentales.

En su música podrás descubrir que sus influencias rockeras están fundadas en Pixies, The Clash, Iggy Pop, Sonic Youth y los Dead Kennedys por mencionar algunas bandas de importancia, como también te darás cuenta que hay mucho del literato, dramaturgo, cineasta, tarólogo, novelista y terapeuta chileno Alejandro Jodorowsky.

La influencia de Jodorowsky en El Columpio Asesino radica principalmente en el baterista, vocalista y compositor Albaro Arizaleta, quien es fiel lector del sudamericano y lo toma como su guía moral y espiritual. Arizaleta asume la influencia de Alejandro, sobre todo porque una frase que puso por dedicatoria en el libro de su autoría "La danza de la realidad", terminó afectando al músico.

La frase que puso Alejandro Jodorowsky dedicada a la banda y a su baterista fue: "De mi sangre a tus cuchillas, para El Columpio Asesino". Desde ese momento, Albaro Arizaleta supo que el nombre del segundo disco de su agrupación tendría que ser precisamente ése y todo el proceso creativo, el de producción, post producción y hasta la salida al mercado tendría que estar marcado por Jodorowsky.

Este segundo material está integrado por 11 cortes más un desliz sonoro (o bis, como quieran llamarle) con una estructura que permite a cada rola tener su propia unidad, su propia identidad sonora y al mismo tiempo todo en su conjunto es una pieza suficientemente armada para ser un concepto disco que va más allá del rock básico, la electrónica, el pop y la experimentación.

Si el disco termina por gustarte, en vivo estos navarros te atraparán, porque además se presentan con atuendos hasta cierto grado ridículos o con vistosa comodidad hogareña. El guitarrista aparece con un bata y con una barba de semanas, totalmente despeinado; el bajista como si estuviera haciendo labores de restauración casera.

El saxofonista viste como Elvis Presley; el tecladista como todo un new wave trajeado; el baterista pelón y con sombreros tipo Tardán haciéndose el importante y el otro guitarrista como cualquier hijo de vecino los domingos de cruda. Todos ellos se hacen llamar Albaro, Raúl, Markos, ION, Chive e Iñigo.

No suelen hablar mucho en las conferencias de prensa, porque creen que no es necesario ahondar en algo que debe escucharse todo el tiempo. En las entrevistas contestan lo necesario e invitan a la gente a que se atrevan a verles tocar y a que compren su disco. Les ha ido bien hasta eso sin tanta alharaca.

De lo que sí estamos seguros es que esta banda está basada en los hermanos (Albaro y Raúl) Arizaleta, Xabier "Txibe" Ibero y Markos Tantos. Los demás son importantes, pero ellos lo saben y con eso basta, por lo que es innecesario agregarlos a las listas de créditos.

Lo que sí mencionaremos son las canciones que interpretaron esa velada. Todas ellas muy buenas: "Edad legal", "La perra del hortelano", "El regreso del evangelista", "La zorra", "No llores más", "Floto", "Pacífico" y "La caja de música". En todas ellas hay un fuerte contenido sexual, altas dosis de humor negro, soledad y salvación.

Sobre el nombre de la banda, nunca han determinado el motivo, ni el por qué decidieron llamarse de esa manera. Para algunos suena ridículo, tonto, sin significado, pero para otros les insinúa pederastia, pedofilia, música incidental, infantil, pero también de filme de horror. Ahora ya saben que se trata de un sexteto navarro que hace buena música rock.

El ojo criticón / Crítica al cine contemporáneo

Tarantino Tsunami!

Por: Jorge Alberto Cid Cruz 

En el año 1992 el país se discutía entre el programa solidaridad y lo que entonces se comenzaría a llamar como el “Nuevo Cine Mexicano” una bandera que duraría casi toda la década. Un cine que reflejaba la realidad social del país y que presentaba promesas cinematográficas tanto en la actuación como en la dirección y la película Como Agua Para Chocolate (Arau, 1992) se presentaba como el mejor trabajo realizado en México digno, incluso, de una nominación al Oscar. Sin embargo, del otro lado de la frontera norte, en el mismo espacio en que se celebraba el éxito taquillero de Terminador 2 (Cameron, 1991) y se gestaba Jurassic Park (Spielberg, 1993); Un fanático del cine, que había trabajado en un videoclub, presentaba su primer largometraje. Un trabajo filmográfico violento y ácido al mismo tiempo. Donde se conjugan los ingenios de un guión convergente y la comedia negra que muestra una cultura estadounidense en crísis. El director se daba a conocer a nivel Hollywood con éste filme que ahora consideramos de alto culto. El es Quentin Tarantino y su película es Reservoir Dogs (1992).

Los Perros de Reserva sería el primer largometraje de un Tarantino que mostraba a un grupo de ladrones quienes preparan un fuerte golpe y al cabo del tiempo todo se complica. La complejidad de su guión y la manera tan incisiva para narrar una historia con alto grado de violencia le permite integrarse al grupo élite de Hollywood. Un par de años más tarde su éxito dejaría los círculos underground para comenzar una carrera mainstream que vería prontamente el mayor de los premios dentro de industria cinematográfica estadounidense: el Oscar. Es así como Pulp Fiction (1994) no sólo revive al cuasi muerto John Travolta. Incluso ésta película de ultraviolencia se convertíría en el primer filme del género en lograr un Oscar y Tarantino se convertíría en ese año en el icono del cine de violencia. Su éxito a nivel mundial llegaría muy rápido. No solo dos películas de violencia a nivel de culto. También sería el escritor de Natural Born Killers (Stone, 1994) una crítica a los medios de entretenimiento masivo y que a la postre sería el filme de referencia para que el gobierno de los Estados Unidos se lavase las manos en los desafortunados eventos de Colorado.

Jackie Brown (1997) sería un filme igualmente inteligente pero sin el factor violencia que tanto gustó a la gente. No dejaría de agradar por su guión de intriga y manejo de tiempos. Su discurso sobre los acontecimientos paralelos y sus ironías. En lo personal me parece uno de sus mejores trabajos. Discreto, fluido, divertido, además de que el casting seguía siendo de primer nivel. Pronto Tarantino comenzaría a ser una referencia directa para el cine de violencia. Robert Rodríguez dirigiría Del Crepúsculo al Amanecer (From Disk Till Dawn, 1996) donde el nombre de Quentin Tarantino comenzaba a pesar siendo trascendental para el éxito de la película de Rodríguez. Rápidamente en todos lados donde aparecía el nombre de Tarantino la película se convertía en un éxito taquillero.

Pero fue con su Kill Bill Vol. 1 (2003) que su éxito se catapultaría por todo el orbe. Un ambicioso proyecto divido en capítulos donde una chica despierta de un coma después de un intento por asesinarla. La Novia, estaba embarazada y el día en que se casaba su propio prometido es quien intenta matarla. De ahí se embarca en una travesía por vengarse de él y su grupo de mercenarios. Kill Bill, sería el filme que lo haría llegar a todos los ojos. Incluso a aquellos que no habían oído hablar siquiera de sus filmes anteriores. Con una crítica intensa sobre los diferentes estilos de cine de violencia como el Western, el filme de acción, el cine oriental de artes marciales. Todo parece un gran tributo al cine de violencia pero con la visión filtrada de una película con cierto humor negro con una narrativa más lineal y menos compleja como lo había mostrado. Aquellos que observamos el primer filme esperamos con ansia poder ver el segundo. Kill Bill Vol. 2 cerraba la historia y nos permitía conocer a un Bill, un sujeto que se había convertido en la imagen de la redención de la Novia. Tarantino dejaba de ser el icono de la violencia de culto para llevarla a niveles de éxito comercial incluso con la leyenda urbana de un Directors Cut debido a la agresividad de ciertas imágenes.

A partir de aquí es que Tarantino se convierte el referente directo de violencia, éxito e inteligencia. Todo lo que toque Tarantino se convierte en oro, en mucho oro. De aquí que mucho del éxito de Sin City se debía a su participación en el screenplay de la película, asesorando a Rodríguez en su mejor dirección y compartiendo créditos de Co-director. Sin embargo, Sería Hostel (Roth, 2005) el mayor fiasco exitoso con el nombre de Tarantino en alguna parte. Si tuvieron la oportunidad de observar el cartel o ver la publicidad televisiva, el nombre de Tarantino aparecía grande y al principio. “Tarantino, presenta…” aquellos que, como yo caímos en la cuenta que solo era el productor ejecutivo y no era el director nos decepcionamos. El filme era de un desconocido Eli Roth un jóven director de cine de terror y violencia.

Tarantino abanderaba un pésimo filme excesivamente agresivo a nivel visual con un muy pobre argumento a primer nivel pero sí, una interesante propuesta discursiva más allá de su inmediatez. Por lo que le otorgué el beneficio de la duda. No obstante me parece nefasto como la figura, el propio nombre de un director de culto en la última década de los noventas se convierta en un icono de la pobreza creativa de una industria fílmica en decadencia como lo resulta ser la de Hollywood. Todo mundo quiere hacer algo con él, actuar en sus películas, filmar bajo su producción, conocerlo, incluso; hasta hacerse participe de sus gustos bizarros. En fin que hubo secuencias pobres de From Dusk Till Dawn, de Hostel;  y su violencia crítica pasó a convertirse en un terror de feria de pueblo. 

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Las razones del diablo

Nostalgia

Dionicio Munguía J.

Hay cierto tipo de nostalgia, aquella que nos deja con sentimientos confusos, que arruga el papel donde se escribe, que llega al piso y se queda ahí, insólita, sin fuerzas. Cuando me pongo a recordar viejos poetas, desaparecidos poetas, casi muertos poetas, poetas maduros que ya no escriben, o que si escriben esconden lo que escriben para que nadie lo lea. Hoy me vino esa nostalgia. Recordé a Oliverio Girondo, a Jaime Sabines, a José Carlos Becerra, a Roque Dalton, a John Lennon, a Bob Marley, a Jim Morrison, a Rubén Bonifaz Nuño.

Y me faltan aquellos a los que mi memoria inmediata olvida, aunque después de que envíe esta nota, regresaran a la memoria para decir que ahí estaban, escondidos, mínimos pero importantes. Y no siempre están ahí, pero a veces recupero las hojas que escribieron y leo, sin prisa, saboreando las palabras, dejándome llevar por las imágenes que alguna vez fueron ingratas y hoy son clásicas. Cuando me siento en el sillón de mi casa a leerlos, me acuerdo de cuando era un jovenzuelo imberbe luchando con la palabra en esas tardes donde la nostalgia no era tanta, pero existía.

Nostalgia: pena de verse ausente de los amigos, dice el Diccionario de la Real Academia Española. Sí, verse ausente, imaginar su no presencia, su no estar, su diluída imagen a partir de los libros que alguna vez editaron, que publicaron, que llevaron a donde nadie los aceptó. Mi nostalgia es de recuerdos, no de ausencias. Mi nostalgia es de recuperar los tiempos no vividos y traerlos a este momento, cuando escribo estas palabras e intento recordar algún poema, un fragmento, un verso al menos, pero no puedo.

Por eso, siempre que leo o releo algún libro, me invade la nostalgia. Si lo conocí, porque lo hice, si no lo conocí, por desear conocerlo. La frustración se acumula, se llena la bolsa donde guardo las metáforas e imágenes, sueño con la fotografía, con el poema que no alcanzó a leer, pero me levanto a las dos de la mañana con la intención precisa de memorizar el poema en cuestión. Y tal vez lo memorizo, pero en la mañana, cuando preparo el primer café del día e intento repetir el poema, me doy cuenta que no es así y una sonrisa llena mi rostro amodorrado. Tengo la certeza del libro y prefiero descubrir nuevamente la poesía ahí y no en mi memoria. Y así lo hago, retomo el libro, lo vuelvo a leer, busco otros textos, me invade la nostalgia de nuevo, pero la sonrisa no se quita de mis labios y tiene presencia todo el día.

Es por eso que quise hoy hablar de la nostalgia. La nostalgia de reencontrar a los viejos poetas, a los escritores, aquellos que entregaron su pasión en las palabras y dejaron una huella difícil de borrar. Ojalá y esta nostalgia también los invada después de leer esta nota.

SILENCIOS ESTEREOFÓNICOS

Fermín Muguruza, un independentista de izquierdas comprometido con la cultura musical y política vasca

El músico-compositor, productor y activista social propone su nuevo disco "Euskal Herria Clash" como la banda sonora del presente

Félix Morriña

Quizá para varios jóvenes melómanos no les diga absolutamente nada el nombre de Fermín Muguruza (Irún, Guipúzcoa, España, 1963), pero para muchos que crecieron oyendo el punk rock en español o en vasco de los años ochenta y gran parte de los noventa les recordará la existencia de dos bandas comprometidas con su momento histórico-político-cultural: Kortatu y Negu Gorriak.

Estas dos agrupaciones vascas creadas por Fermín Muguruza, entre otros proyectos extremistas españoles formados junto a sus hermanos (Iñigo y "Jabier") y compañeros de viaje idiosincrático, fueron pilares del movimiento punk rock por espacio de casi dos décadas en la lengua de Cervantes, como en su lengua madre.

Influenciaron a sus contemporáneos de una manera que hoy difícilmente podría hacerlo una banda y potenciaron la fusión de músicas que van del punk al ska, pasando por el reggae, el dub y otros sonidos de una manera que rompían con los esquemas establecidos y proponían una nueva forma de hacer música.

Como todo ente propositivo y en constante evolución, Fermín Muguruza no ha parado de crear, componer y hacer activismo político de fondo, es decir, participa en todo lo que tenga que ver con el País Vasco, incluso fue candidato independiente dentro de las listas de Eskal Herritarrok en las elecciones de 1999 al Parlamento Europeo.

La carrera artística de Fermín siempre ha estado unida a la política. Uno de los primeros aspectos políticos que han condicionado su carrera musical ha sido la elección del euskera como lengua de expresión. Muguruza no pudo aprender euskera en el colegio (estaba prohibido su uso en las escuelas por la dictadura franquista), por lo que lo aprendió a la vez que Kortatu daban sus primeros pasos.

De hecho, con excepción de "Zu atrapatu arte", las canciones en euskera que aparecen en los dos primeros discos de Kortatu (‘Sarri, Sarri’ en el disco "Kortatu"; ‘Aizkolari’, ‘9 zulo’ y ‘Jaungoikoa eta lege zarra’, rolas que aparecen en el disco "El Estado de las Cosas") estaban escritas por otras personas. Pero en "Kolpez kolpe", con el euskera recién aprendido, aparecen las primeras composiciones de Fermín en lengua vasca.

Otro de los aspectos más característicos de Fermín es su apuesta por la autogestión y la filosofía del "Hazlo tú mismo". Basándose en músicos como Jello Bifra o Ian Mackaye, Fermín fundó, junto con sus compañeros de Negu Gorriak, la discográfica independiente Esan Ozenki Records, con quienes realizó trabajos de culto para el rock subterráneo español y que han trascendido en otras naciones

Ha colaborado y producido 18 discos con sus bandas Kortaku, Negu Gorriak y como solista. Ha trabajado con muchos artistas de talla internacional como Manu Chao, Banda Bassotti, Amparanoia, la extinta banda mexicana Tijuana No, Tijuana in Blue, Albert Pla, Dut, Todos Tus Muertos, Nación Reixa, Desorden Público o Reincidentes. En aspectos extramusicales, ha ejercido como columnista en los periódicos "Argia" y "Egin", y condujo un programa de radio en Egin Irratia.

Con motivo de la reciente salida al mercado de su disco "Euskal Herria Jamaika Clash" (Home Records, 2007), platicamos vía telefónica desde Metepec, México, al País Vasco, con este singular personaje cuarentón, quien habló de la edición mexicana de su "hostia plateada", la política cultural vasca-española y la cultura política en la que está inmerso.

Cuando se le pidió opinión sobre la preocupación existente de varios melómanos con respecto a lo que está pasando en la música actual en general, en donde se respira una falta de compromiso en todos los géneros y una carencia de calidad musical, interpretativa y letrística, Muguruza contestó:

"Creo que lo que está pasando tanto en México como en el País Vasco, como en toda España, y en otro sitios, es que no hay los suficientes espacios para difundir la música con sustancia. Sí hay bandas con propuesta y vaya que existen algunas con estilos sorprendentes que sobreviven en medios aún reducidos.

"Por otro lado, algunos medios de comunicación y algunas transnacionales tienen coptado el camino para que no se difunda la música con sustancia, es decir, ellos prefieren promover la música tipo ‘fast food’, ésa que no se queda en la memoria de nadie y transcurre sin pena, ni gloria. Está muy contaminado el ambiente, por eso requerimos espacios como el suyo (IMPULSO)".

-- Es bueno saber que hay bandas que ofrecen esa calidad exigida por los más interesados y eso es digno de reconocerse, sin importar que sean punk o pop. Incluso hay grupos pop que parecen más punk que el mismísimo Don Cikuta, ya sea por la actitud, la propuesta, la música o todo junto…

-- Claro, cuando se dio la ruptura generacional del punk rock de antaño, éste pasó a ser visto como parte de una cultura establecida. Aquellos que se quedaron en esa vieja escuela, hoy se ven como meras maquetas sin mucho sentido. Otros hicieron del punk rock una actitud conservadora que rompía con lo ya logrado, con todo ese sentido revolucionario. Lo bueno de todo esto, es que la cultura en general (asumiendo todas las expresiones artísticas), tiende a evolucionar, a crecer o decrecer, según se vea, pero que en su momento histórico fueron determinantes.

"Ahora lo que está, por ejemplo, imperando en la música propositiva en el mundo es el hip hop, sencillamente porque es el lenguaje de los jóvenes, antes era el punk. En el País Vasco sucede ya. Hablo de ese hip hop con espíritu callejero, no precisamente el que muchos ven en la TV u oyen en la radio o leen en ciertas revistas. Hay que estar al pendiente del proceso creativo evolutivo de los tiempos que estamos viviendo mientras componemos o creamos. Eso es lo verdaderamente importante y no las etiquetas posteriores".

-- Me gustaría pasar de la cultura musical a la cultura política. Muchos saben que eres un ente comprometido con la idiosincrasia de tu país de origen y que además participas de manera activa en la vida política, pero te ha causado algunos problemas con el Gobierno español. ¿Es cierto?

-- Sí, definitivamente, pero es porque no me han entendido o porque no quieren ver la postura, a conveniencia, en la que estoy inmerso. Soy independentista de izquierdas y lo único que busco para mi país es un proceso de paz, generado a través del diálogo entre la ETA y el gobierno de (José Luis Rodríguez) Zapatero.

"Particularmente, creo que en el momento en que ETA deje de actuar, que es lo que deseamos todos, debe haber un trabajo político para el que necesitaremos todas las herramientas que podamos tener en nuestras manos, incluso la desobediencia civil, pero, después de lo que ha hecho el gobierno español, hay que tener en cuenta que cualquier colectivo que moleste a ese Estado puede desaparecer.

"Llevo años afirmando que estoy en contra de la violencia de ETA, pero parece que no se me hace caso, que no se me quiere creer. Sí, soy independentista y de izquierda, insisto, pero eso no significa que esté a favor de la violencia, por eso creo que todo esto no es sino una persecución ideológica que pretende evitar que todas las vías políticas sean consideradas. Lo único que parece interesar al Estado, a la hora de buscar soluciones a un panorama político, es que se encone cada día más.

"Yo no apoyo la lucha armada, aunque sí soy militante de Batasuna. Lo que digo es que Zapatero ha controlado mediáticamente todo a su favor, confundiendo a la población y a la opinión extranjera, pero nosotros damos la versión de paz, de diálogo para evitar más atentados, más bombazos como el ocurrido recientemente en el aeropuerto de Barajas de Madrid, donde murieron dos hermanos ecuatorianos.

"Ojalá ETA iniciara una nueva tregua. Igual que Estados Unidos, que debería declarar una tregua a los demás países del mundo", concretó.

 

SUEÑOS, ESPERANZA, RAÍCES, REGGAE

Fermín Muguruza tocó por primera vez en México con Negu Gorriak en 1993, en el LUCC del D.F., ante un público que "cantaba sus piezas en ¡euskera!". Milagros del Tianguis del Chopo y la piratería, la obra del músico vasco era conocida y reconocida por un buen grupo de seguidores mexicanos.

Con la salida de "Euskal Herria Jamaika Clash" en México, se abre la posibilidad de que el músico, compositor, productor y activista político venga a hacer gira en el mes de mayo del presente 2007. Participará dentro del Festival cultural Ollin Khan y se encontrará con los productores (Goliat Films, IMCINE y CCC) del filme "Todos los días son tuyos", del cineasta recién egresado del CCC, José Luis Gutiérrez. Muguruza participó haciendo algunas canciones para la banda sonora.

Esta nueva producción de Fermín es un eslabón coherente en su cadena de discos, donde acentúa esa proporción de reggae, mirando más que nunca a la concepción clásica del género, pero con algunos matices mestizos presentes (fuerza rock, algunas baterías hip hop o el sonido de la trikitixa).

El álbum fue grabado en Jamaica por espacio de un mes (la estructura del disco tardó un año, según el propio entrevistado) y contó con algunas figuras de renombre de aquellas tierras: U- Roy, Luciano, Lisa Dainjah, Masta Blasta, Yacine, Toots y las I-Threes (el trío vocal femenino habitual en los discos de Bob Marley, al que pertenece Rita Marley).

"Euskal Herria Jamaika Clash" ofrece 12 temas, donde además del reggae, también se siente el optimismo ante las nuevas luces que iluminan el futuro de El País Vasco. Un optimismo que se entrelaza con descripciones costumbristas ("Azoka Eguna"), ánimo rebelde ("Mongolian Barbecue", "Basque Xamuraia", " La Fille Du Quartier Populaire") y cantos de esperanza ("Yalah Yalah Ramallah").

También incluye un fotograma de un triunfo simbólico ("Beamon Jauzia"), críticas a la alienación ("Askatasun Parabolika"), a la dictadura del imperio ("Plastic Turkey"), un corte reposado de aire poético sobre música y sentimientos ("Baxua eta Lurra"), una instrumental final ("Le Mouv Dub").

Termina el disco una revisión luminosa y esperanzadora en versión reggae de una vieja canción de Kortatu: "La línea del frente", con la que usted seguro se identificará o por lo menos podrá conocer de qué está hecho este singular personaje de origen vasco.