Silencios Estereofónicos

El grupo multidisciplinario israelí Dollbeat presentará, por vez primera en México, su espectáculo "The Aluminum Show"

Por: Félix Morriña

¿Sabían que el aluminio es el tercer elemento más común encontrado en la corteza terrestre? ¿Qué los compuestos de aluminio forman el ocho por ciento de la corteza de la Tierra? ¿Qué abunda en la naturaleza, ya que se encuentran presentes en la mayoría de las rocas, vegetación y animales? ¿Qué es el metal que más se utiliza después del acero y que es un buen conductor del calor y de la electricidad?

Además de los datos antes mencionados, el aluminio es el principal protagonista de un espectáculo cultural poco convencional, llamado precisamente "The Aluminium Show", una puesta por la "diversión inteligente" de la compañía israelita Dollbeat, que pisa por vez primera México.

"The Aluminum Show" es una puesta de teatro de sombras, teatro de marionetas, danza contemporánea, luces y música original que involucra al espectador, lo hace partícipe de los diferentes actos que presentará del viernes 3 al domingo 5 de octubre en el Teatro de la Ciudad.

"Aluminum" es una fantasía material en la que un elemento cotidiano y frío (en apariencia) como es el aluminio nos transmite sensaciones que no sólo provocan el placer de los sentidos sino de la mente.

Con movimientos definidos y coordinados 10 bailarines en escena manejan tubos flexibles de aluminio, marionetas enormes y brillantes, globos y todo lo que este material maleable puede ofrecer para crear una imaginativa visión de un mundo que antaño las historias de ficción llamaban del futuro (caracterizado por la omnipresencia de la tecnología y todo aquello que denotara avance, como objetos de aluminio brillante).

"Aluminum" es un gran show que pretende ofrecer pura diversión inteligente. Los protagonistas son la gente y el material de aluminio, que es la base de los efectos especiales; el eje del espectáculo consiste en tomar un objeto frío como el aluminio y luego, a través del rol de los bailarines lograr que cobre vida", comenta el creador de esta puesta en escena, el coreógrafo israelí Ilan Azriel, durante una conferencia de prensa para dar a conocer el espectáculo en México.

La puesta en escena que comenzó a gestarse en 1997 (y se estrenó seis años después), utiliza "efectos especiales, creativos mecanismos, danza acrobática, objetos inanimados que cobran vida con energía, emoción e incluso con personalidad; materiales industriales plateados crean un mundo luminoso y reflejante".

Para Azriel, "Aluminum" fue creado no con la idea de dar un mensaje, "aunque cada espectador puede interpretar una idea, sobre todo en cuanto a la relación del hombre con la tecnología; lo importante es que la comunicación se da a través de lo visual y de lo sonoro, y no con las palabras".

¿Por qué aluminio?

Al buscar un material industrial en las fábricas para trabajar una idea expresiva, Ilan Azriel se encontró con tubos de aluminio utilizados en lavanderías y como ductos de aire acondicionado, y descubrió, entre las bondades del material, su flexibilidad. A eso le agregó bailarines, música y luces para combinar la frialdad del material y el aporte humano. "Hay que observar que estamos rodeados de aluminio en nuestras vidas cotidianas", apunta.

Breve biografía Ilan Azriel/ Dollbeat

Nacido en Dimona, Israel en 1968, Ilan Azriel se formó como bailarín y coreógrafo bailando durante varios años en la compañía Inbal Dance-Theater en Tel-Aviv, y más tarde en el Kibbutz Contemporary Dance Company (KCDC).

En 1997 formó el grupo Dollbeat como una compañía dirigida por él como creador independiente. Desde entonces sus coreografías han presentado una combinación de danza, teatro de marionetas o de figuras, teatro de sombras y de objetos.

La puesta en escena "Around The World" fue una de las más aclamadas en Europa e Israel, y representó a este país en las ferias internacionales de turismo de Berlín, Moscú y Las Vegas.

"Aluminum" se estrenó durante el Festival de Israel, en Jerusalén en 2003 y enseguida obtuvo muy buenas críticas y respuesta del público. La puesta en escena, inscrita dentro del llamado teatro visual (mezcla entre diversos elementos y disciplinas como la música, la danza, la plástica, títeres y todo aquello que propone dar sentido a las imágenes escénicas que entran por los ojos y luego conquistan el alma y la imaginación del espectador), tiene el sello de uno de los renombrados diseñadores de efectos especiales y accesorios de Israel, Yuval Kedem.

"Aluminum" es el primer producto artístico de un grupo de bailarines israelíes, en una acertada combinación de efectos especiales de última generación, ritmo, baile, acrobacia, energía, humor y, sobre todo, mucha imaginación, que logra dar vida a los objetos más inesperados y convierte al aluminio en protagonista de toda la obra. El espectáculo va acompañado con una sonorización que va de la música lírica a los ritmos propios del tecno más moderno.

El grupo israelí está compuesto en su mayoría por bailarines jóvenes que deben practicar diariamente para estar en forma. A ello se agregan las necesidades técnicas del show, que requieren dos días para adaptarse a cada escenario.

El espectáculo ha tenido gran éxito donde se ha presentado, principalmente Israel y algunos países de Europa. En América sólo se ha presentado en Argentina y ésta será la primera vez que llegue a México.

La ventana indiscreta

Desayuno en Plutón

Por: Eridania González Treviño 

"Me encanta hablar de nada, es de lo único que sé algo."

Óscar Wilde

El término tolerancia, como lo conocemos hasta el día de hoy, surge en el siglo de las luces con Voltaire, el máximo escritor de la prosa francesa según Borges y uno de los intelectuales que encabeza la creación de la Enciclopedia. Tal vocablo nace a causa de las injusticias cometidas sobre las masas oprimidas de la época por un gobierno monárquico obediente a los mandatos de la iglesia. Censura a todo y a todos, prisión para los trasgresores del sistema y muerte para los pecadores. El mismo Voltaire fue perseguido, encerrado y exiliado por su reacción en contra de un sistema irracional y fanático.

A cuatro siglos de su creación, la tolerancia se tropieza a cada momento con la ignorancia y la cerrazón. Aún ahora, inicios del siglo XXI, en todo el mundo existe alguien perseguido y, por supuesto, un persecutor. Aún hoy el caucásico censura al negro, el cristiano al ateo, el sabio al ignorante, el sano al enfermo, el no fumador al fumador, el heterosexual al homosexual, sin reconocer que todos tenemos un poco del otro, al que no disculpamos ni toleramos. Vivimos en un mundo de falta de respeto a los demás y, por consecuencia, a nosotros mismos.

La tolerancia es una acción difícil de ejecutar y, al parecer, fue creada para aquellos que están más allá del bien y del mal, para aquellos que como Voltaire, no son de este mundo y se precian de existir, de alguna manera, en la inmortalidad y en tierras con nombres que aquí ni siquiera sabemos pronunciar.

Pero del océano de intolerancias que nos describen a cada uno de nosotros, rescato empapada y fresca la que se pronuncia en contra de la homosexualidad, inclinación sexual existente desde la misma aparición del humano sobre la Tierra. Pues bien, las manifestaciones de toda clase en contra y a favor de esta preferencia son incontables y las cinematográficas también; sin embargo, hoy destaco una de ellas por su belleza tanto en contenido como en imagen, y porque de ella deberíamos aprender lo que de tolerancia ignoramos.

Desayuno en Plutón

 (Breakfast on Pluto, 2005) es un filme que se cuenta en una ligera y divertida introducción seguida por 36 mínimos episodios que titulan los momentos, significativos o no, de la vida de un hombre, que sueña caminar bajo la luz de las bombillas que iluminan su hermoso y delicado rostro. Con el fondo de "Baby Sugar Love" y una narración en off, Desayuno en Plutón nos invita a todos a la vida de Patrick, un bebé, un niño, un joven irlandés homosexual que busca incasablemente la felicidad.

En un ambiente de violencia y seriedad, donde los ingleses odian a los irlandeses y viceversa, donde las bombas son el pan de cada día, donde las ideologías aterradoras se hacen presentes y se expresan a cada momento a través de una explosión, los rosas y amarillos brillantes, las lentejuelas deslumbrantes, los tacones y suelas del tamaño de un escalón, los rojos carmesí de labios carnosos, y todo aquello dulce y afeminado que define a una larga y esbelta figura de mujer estacionada en un estructura humana de hombre, no tiene espacio y corre el peligro de extinguirse.

Patrick es el persecutor del incansable e irrealizable cuento de hadas, donde él es la princesa amada y la seriedad no tiene lugar, porque la realidad es demasiado real como para soportarla y de tanto llorarla está inundado el mundo de toda esa agua salada. Patrick es todos nosotros, homosexuales y heterosexuales, intentando amar y ser amado sin importar nada, él es el deseo platónico de un mundo mejor, él sólo quiere un lugar, como todos nosotros, donde sienta que las piernas se le vuelvan aire.

Y para todos nosotros Neil Jordan, cineasta irlandés, que se ha caracterizado por sus recurrencias temáticas referentes a la diversidad sexual, nos ofrece una oda a la intolerancia y un homenaje a la comunidad homosexual, un Desayuno en Plutón el lugar idealizado para todos nosotros, habitantes de este planeta, y en especial para aquellos a los que no les importa si nacieron o se hicieron,  y sólo son.

"Toma mi consejo, si amas a alguien no lo pienses dos veces…" (Sugar Baby Love) 

A la venta los movimientos, acercamientos... sentimientos

Una pareja, él es D’j, ella Videojockey, su vida carece de sentido pero tiene valor de venta… en vivo, en video, en internet

 

Por: Silvia Márquez / Toluca

 

Falk Richter nació a finales de la década de los sesenta. Sus concepciones artísticas se desenvuelven entre conceptos de una generación de búsqueda, de preguntas sin respuestas. Él, desde la trinchera del teatro alemán independiente propone historias que explotan en la hiperrealidad como un juego con espejos que invitan al ser humano a devorar su reflejo desde dentro.

Hasta los escenarios mexicanos llega la "versión remasterizada" de la obra teatral Dios es un DJ, bajo la dirección de Gabriel Figueroa Pacheco.

Dios es un DJ

, es una de las puestas en escena que se estrenó el pasado mes de mayo dentro del Ciclo de "Teatro germánico contemporáneo". Y ahora, debido al interés que generó en esas presentaciones de estreno, regresa al centro Cultural del Bosque para llevar a cabo una temporada durante el mes de septiembre en el Teatro El Granero.

El texto en el que se basa se ha traducido a dieciocho idiomas y se ha escenificado con gran éxito en Alemania, España, Francia, Estados Unidos y Australia.

Lo que plantea Dios es un DJ es una ruptura con el teatro calificado como tradicional. Tal como las propuestas europeas contemporáneas, la obra de Richter no es una obra teatral en sí; es un reallity show, un performance, una comedia y televisión en vivo.

La mediatización de la sociedad permea en los conceptos de el ser y el parecer, el arte y la mercadotecnia y los delgados límites entre la ilusión de la estrella mediática y la persona común.

Tal como el tema, la propuesta escénica se construye bajo el modelo del acercamiento a lo artificial, para sacar del teatro al espectador y llevarlo a la "realidad" intangible que ofrece el show de los medios mesivos de comunicación.

Un disco giratorio enmarcado por tres pantallas que integran el área de los espectadores. Girando sobre su propio eje, la plataforma emula a la tornamesa del DJ y de manera significativa apunta a la autorreferencialidad de los personajes: "Soy una persona importante, mejor dicho: importantísima… y todo gira en derredor".

Aderezan el cuadro videos y gráficos proyectados en diversas pantallas que sirven de marco contextual en el que se desarrollan ambos personajes, en donde los elementos de la cultura pop y el despliegue audiovisual cumplen a la vez el papel de la representación de la espectacularización de la realidad, hasta desembocar en el Narciso contemporáneo.

Dios es un Dj

es una co-producción del Goethe Institut Mexiko y la Coordianción Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes. En la puesta en escena participan Isabel Piquer y Carlos Valencia.

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Sinopsis

 

Una joven pareja desarrolla un proyecto artístico novedoso: crear un producto nuevo para un mercado nuevo, vender su vida, en vivo, en video, en Internet. El espacio en el que se encuentran es una representación simbólica de su departamento-estudio en un centro cultural, donde se han instalado una serie de webcams que trasmiten sus movimientos a Internet. Él es un DiskJockey y Ella una ex-conductora de un programa tipo MTV. Ahora, además de ser vistos en tiempo real gracias a Internet, abren las puertas al público para ser observados in situ. Nos dejan ver momentos privados, instantes de intimidad o situaciones que escapan a su control. Se trata de una pareja de jóvenes que navega por las posibilidades que ofrece el mundo contemporáneo como si se tratara de páginas web. Transformando su vida en un juego de autorrepresentación y autocomercialización.

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Funciones

 

Se presentará en el Teatro El Granero, del Centro Cultural del Bosque, (Campo marte s/n, Polanco, detrás del Auditorio Nacional)

Estreno: Jueves 4 de septiembre del 2008

Temporada : Del 4 al 21 de septiembre del 2008

Horarios: Jueves y viernes: 20:00 hrs. Sábados: 19:00 hrs y Domingos 18:00 hrs

Costo: $150.00

Descuentos a maestro y estudiantes.

 

 

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Créditos

 

Realización, edición y coordinación de video: Eugenio Cobo

Diseño de escenografía e iluminación: Patricia Gutiérrez

Música original y diseño sonoro: Ari Brickman

Diseño multimedia: Alain Kerriou

Asistencia de Dirección: Claudia Cisneros

Producción Ejecutiva: Fernada Violante

Coordinación Técnica: Francisco Lara

 

 

Llevan a escena las pesadillas de la frontera

"La cubeta de los cangrejos" se estrenará el próximo 30 de agosto en el Teatro de Cámara "Esvón Gamaliel"

 

Por: Silvia Márquez / Toluca

 

Las voces son muchas. Historias que se hacen cotidianas muestran con crudeza las miradas que no encuentran un lugar propio. Los que logran vencer al desierto y al río se enfrentan con un problema aún más grave, de carácter cultural, que se definiría sólo como el limbo entre el "hogar" y el "sueño"... o deber.

Interminables discusiones políticas que no parecen resolver el tema, son sólo impotentes testigos del paso, una y otra vez, de los migrantes que buscan una mejor perspectiva en el teatro de la vida.

Desde el arte, la problemática social se enfoca con diferentes objetivos. En el teatro la idea no es nueva, aunque pretende ser original.

Desde Toluca se levantará "La cubeta de los cangrejos", una puesta en escena que aborda el tema del migrante desde una perspectiva intrapersonal.

IMPULSO Estado de México

conversó con Juan Carlos Embriz, joven director de teatro que tuvo en sus manos la tarea de estructurar el texto de Edna Tovar para llevarlo al escenario.

 

Próximamente veremos en escena una obra con dramaturgia tuya...

"El texto nació a raíz de la invitación de Edna Tovar; ella es becaria del Focaem en la categoría de Creadores con trayectoria y me invitó a que colaborara en la dramaturgia y la dirección escénica.

"La idea original es de Edna y como tal es la gestora de todo el proyecto, es de la generación del Focaem del 2007 y ahorita va a hacer su entrega en una especie de rendición de cuentas para comprobar su participación como becaria.

"El tema de La cubeta de los cangrejos, que responde a una tierra de migrantes, historias que convergen en un muro, trata sobre el migrante y sus circuntancias que se ven confrontadas ante el muro físicamente y ante otras fronteras que todos llevamos dentro como seres humanos.

"Toda la historia se desarrolla con base en esa temática. En ella aparecen seis personajes que convergen en un punto y cada uno tiene su propio carácter, sus propios conflictos y se enfrentan uno ante el otro. Existe un personaje que es representativo del sistema mexicano y el norteamericano, que según su conveniencia se mueve: es el pollero, que por su condición de mexicano-americano y lo ponemos en un punto de crítica.

"También recurrimos a la historia del hombre que está vendiendo cangrejos y de un lado tiene cangrejos mexicanos y del otro orientales. La cubeta con los orientales está tapada porque cuando uno sale ayuda a los demás, mientras que la de los mexicanos está descubierta porque si un cangrejo llega hasta arriba los demás lo jalan para que no salga".

 

¿Qué pasa con el tema? Ha sido abordado mucho desde la dramaturgia contemporánea, sobre todo del norte del país, ¿por qué traerlo al centro de la República?

"Para Edna la migración es un fenómeno normal, pues desde épocas remotas el hombre cambiaba de lugar para buscar mejores condiciones de vida. En este caso para nosotros la migración responde a otros factores sociales, económicos y políticos que no están funcionando bien y por esa razón muchos migran para tener otras oportunidades.

"De ahí vienen las cuestiones colaterales en las que desemboca la historia personal de cada uno. Hay una transformación del ser humano al dejar su propia patria, sus propias raíces y esto no es privativo del norte del país, sino de todo México".

 

Del lado escénico, ¿qué nos proponen?

"El tema es lo primero que tuvimos que resolver como creadores, tener un texto redondeado para poder partir de él y ver qué estilo emplearíamos para darle tratamiento a la puesta en escena.

"El teatro del cuerpo no lo estamos ocupando mucho, aunque sí tenemos algunos usos plásticos, porque es parte del teatro que siempre hemos estado acostumbrados a ver.

"En este caso la prioridad para nosotros es el tema y las circunstancias agravantes y contradictorias del ser humano".

 

¿Veremos experimentación sobre el escenario?

"Siempre la hay y yo comparto que el teatro experimental parte del dominio de las bases teóricas y el conocimiento de los sistemas. A partir del dominio de eso se puede partir a la experimentación y creo que eso es lo que nosotros estamos haciendo también".

 

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La temporada de "La cubeta de los cangrejos" inicia el 30 de agosto a las 19:00 horas en el Teatro Universitario de Cámara "Esvón Gamaliel". Es una producción de la Universidad Autónoma del Estado de México y del Instituto Mexiquense de Cultura.

Los actores de la puesta en escena son Edna Tovar, Luis Patiño, Fernando Galaviz, Édgar Huitrón, Olivia Ruíz y Sandra Macedo.

Mantarraya

Isaak Babel y los cosacos 

Por: Heber Quijano 

"A mi lado veo a un anciano muerto, boca abajo, con la garganta abierta, el rostro partido, sangre azul en la barba como un pedazo de plomo", así nos devela Isaak Babel, en Caballería roja, la guerra entre Polonia, judía y subyugada, contra la extinta Unión Soviética, decimonónica, imperial e implacable: "La caballería es una obra de la magia social, llevada a cabo por el comité central de nuestro partido". Pero es una Unión Soviética en la que ya se vislumbra la fe redentora de sus figuras emblemáticas: "Leí alegre y espié el pensamiento misterioso y retorcido de los cosacos con el pensamiento luminoso de Lenin"; sin embargo, se yerguen como sombras apenas atisbadas. La guerra los supera y no permite nada más importante que lo ocurrido en el frente: la hija que sacude el cuerpo inerte de su padre: "Y ahora quisiera saber yo –dijo la mujer alzando horriblemente la voz de pronto–, quisiera saber dónde encontrará usted otro padre como el mío en la tierra"; la importancia del caballo para los ejércitos anteriores a la primera guerra mundial de un caballo ("El caballo es un amigo- contestó Orlof. //El caballo es como un padre- suspiró Bisenko. Nos saca la vida incontables veces); los escombros sofocados entre llamas, sangre y la desolación de la pérdida de la humanidad misma: "Se come con pólvora –le contesté al viejo– y se adoba con la mejor sangre". No importa contra quién se luche, en la guerra todos pierden. Siempre.

Con ese horizonte, como en toda guerra: "Todo ha muerto en silencio".

Nunca está de más reprochar la devastación provocada por la guerra. Sin embargo, ahora la guerra se ha convertido en un telespectáculo (así de terrible lo señaló Baudrillard). La proximidad de la muerte y de la devastación misma sólo se limita a las imágenes que los mass media hayan desempolvado de su propia autocensura. La reflexión cotidiana sobre la guerra de sus damnificados nos queda lejos. Babel todavía reconoce en ellos una voz profética, la voz popular: "Nos llamamos hombres, pero olemos peor que chacales. Deberíamos avergonzarnos de la tierra", le dice un campesino al soldado. Por eso, el futuro próximo, la mañana siguiente, es el exorcismo de la vida tras la guerra: "El sol, de color naranja, rueda por el horizonte como una cabeza cortada; […] el olor de la sangre vertida la víspera y el de los caballos muertos se filtra en el frescor vesperal". O el infierno mismo, desde el que "un soldado que amenaza ahogarse niega brutalmente de la madre de Dios".

Con una prosa típicamente rusa, que mezcla las descripciones de los paisaje nevados y ensangrentados con la investigación psicológica de sus personajes, al tiempo que bosqueja el contexto político y social, siempre con del silbido de la guillotina con la que los buenos escritores no dejan títere sin cabeza por música de fondo: "La revolución es un placer, y un placer no aguanta huérfanos en casa. Una persona buena hace cosas buenas. La revolución es una buena cosa de los hombres buenos. Pero los hombres buenos no matan; luego la revolución la hacen los hombres malos". En Caballería roja la sangre se hace nieve.

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Una mirada plástica

 

Malinche: fusión de dos Culturas. El Origen

Por: Paul Achar

 

Comienzan los preparativos de una interesante muestra con el tema de la controversial Malinche, que se inaugurará en el último trimestre del presente año en el Museo de Arte de Azcapotzalco, para posteriormente presentarse en diversos espacios del Estado de México y Morelos.

Quiero hacer un análisis previo sobre este importante personaje de la historia de México y del contexto histórico.

Es importante mencionar que la conquista de México constituyó el choque de dos imperios, imaginativos e ingeniosos. Pese a sus diferencias tenían mucho más de lo que creen en común. Hay que tomar en cuenta que los dos utilizan un sinnumero de artículos religiosos, eran pueblos guerreros y conquistadores que utilizaban la fuerza, la crueldad para subyugar a otros pueblos y así dominarlos; los dos amaban la cultura y los ceremoniales y finalmente, fue un encuentro entre dos mundos que dio inicio a un nuevo pueblo.

Y ¿quién era la Malinche, Malintzin o Doña Marina? se cuenta que era parte de la clase alta de la sociedad, lo cual se sabía porque sólo se le aumentaba la terminación tzin a los altos jerarcas. Ella fue cedida como esclava en territorio maya después de una guerra entre un grupo de mayas y aztecas, Malintzin fue parte del tributo que se entregó al ganador como marcaba la tradición de aquellos tiempos. Ella apenas era una niña cuando sucedió y eso le dio la posibilidad de manejar las dos lenguas, la materna que era el náhuatl y la de sus nuevos amos, el maya.

Asímismo fue entregada a Hernán Cortés el 15 de marzo de 1519 por los caciques de Tabasco, junto con otras 19 mujeres, algunas piezas de oro y un juego de mantas. Después fue bautizada y regalada a Gonzalo Portocarrero, uno de sus capitanes. Cuando Cortés descubrió que ella dominaba el náhuatl, la comienzó a utilizar como interprete del mismo al maya, ya que Jerónimo de Aguilar, que era un español cautivo que aprendió el maya, fue rescatado por Cortés y gracias a estos dos interpretes se abrió un dialogo entre los aztecas y los españoles hasta que la Malintzin aprendió el castellano. En ese momento ella se convirtió en la única interprete entre ellos.

No debe haber duda alguna de que, más allá de su servicio como intérprete, Malintzin asesoró a los españoles sobre las costumbres sociales y militares de los nativos, y posiblemente realizó también tareas de lo que hoy llamaríamos de "inteligencia" y "diplomacia", jugando un papel muy importante durante la primera parte de la conquista.

Ella logró hacer la fusión entre las dos sangres teniendo un hijo de Cortés de nombre Martín.

Cabe mencionar que hoy en día es muy difícil creer que existe sangre pura dentro de nuestro país ya que estamos inmersos en una vorágine de razas y credos que se funden en el crisol de nuestro México día a día.

Y no olvidemos que la conquista no ha terminado. Ya bien lo dijo Camilo José Cela "la historia tiene ya el número de páginas suficientes para enseñarnos dos cosas: que jamás los poderosos coincidieron con los mejores, y que jamás la política (contra todas las apariencias) fue tejida por los políticos (meros canalizadores de la inercia histórica)".

Los invitamos a que estén pendientes de esta exposición que está preparando la Fundación Summa de Talentos A. C. Así como de una serie de exposiciones de personajes que han forjado nuestra historia.

 

La ventana indiscreta

 

 

 

El pasado cinematográfico de Christopher Nolan

 

Por: Eridania González Treviño

 

"Cada objeto revela algo muy íntimo de otra persona… es un gran privilegio verlo".

Cobb (Following)

 

Amante del blanco y negro, del dramatismo y la sorpresa, Christopher Nolan, joven escritor y director inglés, se consagra con su excelente trabajo en la realización de The Dark Knight (2008) y, por su puesto, con el antecedente introductorio de ésta, la entonces esperada Batman Begings (2005) cuyo argumento retoma a un personaje atormentado surgido de lo más oscuro de la noche.

Renovado a mediados de los ochentas por Frank Miller y sumergido por él en el mundo patológico del resentimiento, Batman abandona al súper héroe y se convierte en el investigador secreto de una ciudad verosímil con personajes verosímiles. Así, el Joker surge como el burlesco antagonista que raya de manera ‘consciente’ en la locura y lo grotesco, y quien, como buen psicópata exhibicionista, está dispuesto a ofrecer a todo espectador, una muestra de cierta crueldad inteligente y refinada perfectamente planeada.

El disfraz es un elemento importante que implica la doble personalidad del individuo. El espectador conoce la identidad de ambas estructuras: Bruce Wayne encuentra su doble en Batman, sin embargo, un juego muy gustado y utilizado por Nolan es aquel que consiste en no permitirle al espectador ser intérprete omnisciente de la historia, de esta manera, el público también será sujeto de los engaños del Joker, jamás sabrá de dónde viene y a dónde fue, mucho menos quién está detrás de la enmascarada sonrisa, papel muy a la medida para este personaje.

La reinterpretación de estos personajes más ubicados en el realismo humano de nuestro mundo se debe a experimentos fílmicos y juegos estructurales basados en argumentos posibles, identificados por cualquier espectador, que encuentran su origen en un pasado cinematográfico donde el carácter de los personajes es el centro de la historia y el detonante de su desarrollo.

Este juego, aplicado directamente al espectador, comienza su ejercicio con Following (1998) y lo lleva a la cumbre de la perfección con Memento (2000). Ambos, filmes de limpia y novedosa realización se caracterizan por su experimento narrativo aplicado a un género denominado Film noir o cine negro de las décadas de los treinta y cuarenta, que se hace más evidente en el primero de ellos.

Following

comienza su desarrollo desordenado y fragmentado con la toma entre los créditos iniciales de una mano cubierta de látex que ordena pequeños objetos, entre ellos una fotografía, dentro de una caja de recuerdos. No es el inicio de una historia lineal, de hecho no es el inicio ni lo de en medio ni lo del final, es sólo un detalle que muestra motivos esenciales que darán la respuesta a vacíos intencionales de la historia, tal escena se unirá con otra de manera muy sutil, casi imperceptible por su alejamiento temporal entre una y otra.

Casualmente, la primera escena de Memento es una mano que agita una fotografía instantánea cuyo contacto con el aire difumina la imagen hasta desparecerla, al igual que como se difuminan los instantes inmediatamente después de dejarlos pasar, así comienza el camino hacia atrás de una historia que necesita ser contada de reversa y, al igual que Following, es un rompecabezas con movimiento que debe ser armado hasta conocer todas y cada una de las piezas.

La fijación casi fetichista con los objetos describe a los personajes. Por un lado, un escritor que gusta de seguir personas se convierte en blanco perfecto de un engaño, y pasa de ser el observador analista capaz de ver a alguien entre la multitud y convertirla en un individuo, a volverse un vulgar mirón incapaz de definir a sus víctimas a partir de los objetos que guardan. Este personaje, cuya existencia es necesaria, se opaca ante la presencia de otro que se conceptualiza como exquisito antagonista, refinado e inteligente, que le ganará la parida. Por otro lado, un investigador de seguros que no recuerda absolutamente nada y cuyos recuerdos son, quizás, artificiales, será el medio que su opuesto utilice para cumplir su objetivo, recurso igualmente explotado en The Dark Knight.

Los diálogos, las imágenes, las secuencias, se construyen de forma similar a una conversación que relata recuerdos, o la exteriorización de un pensamiento, como en un fluir de conciencia, totalmente automática y propia de la mente humana. Los personajes cuentan su historia tal y como la recuerdan, o en el caso de que la hayan olvidado, la describen conforme la arman.

Christopher Nolan evidencia al espectador. En Following expone el voyeurismo –con y sin connotaciones sexuales– de los que gustan del espectáculo que ofrece el cine, el mirón y "tú" son la misma persona y son los mismo ojos, es fácil acostumbrarse a la contemplación, mientras que en Memento sólo se pone de manifiesto la tan linda e inconsciente costumbre de ver.

Se baja el telón; muere Víctor Hugo Rascón Banda

"Rascón Banda fue un defensor a ultranza del derecho a la libertad de la creación": Flor Cecilia Reyes

 Por:  Silvia Márquez / Toluca

 Ayer, México se despertó con la noticia de la pérdida de un hombre de cultura. Víctor Hugo Rascón Banda murió a las 5:30 horas de ayer, sólo cinco minutos después de haber ingresado al Hospital Inglés, en la Ciudad de México.

A consecuencia de una leucemia linfocítica crónica, el escritor, dramaturgo, abogado y presidente de la Sociedad General de Escritores de México (Sogem), abandonó el mundo de las representaciones teatrales y se adentró en el umbral de los nombres memorables que defendieron la cultura mexicana contemporánea.

Flor Cecilia Reyes, directora de la Escuela de Escritores Sogem del Estado de México, recordó a Rascón Banda como "una persona que impulsó la cultura en este país. Su trabajo como promotor de otros escritores, solidario en cuanto a los libros, a la promoción de la literatura, lo marca con un papel muy importante en México. Además su presencia en los estados, en el nuestro principalmente, fue siempre definitorio en cuanto al apoyo a la Escuela de Escritores. Estaba dispuesto a lo que fuera con tal de que nuestra escuela continuara y se siguieran formando escritores aquí y en otros puntos del país".

Aunque calificó la noticia de su muerte como "esperada", también la consideró como "una gran pérdida para la comunidad literaria de este país".

"Tuve la oportunidad de verlo por última vez cuando ingresó, el mes padaso, a la Academia Mexicana de la Lengua con un discurso brillante a propósito del teatro en México. El teatro es una manera de tomarle el pulso a lo que está sucediendo y eso fue de alguna manera lo que él expuso en este discurso. Cuando ingresó a la Academia Mexicana de la Lengua fue una ceremonia muy emotiva porque sabíamos que el final estaba cerca, entonces también fue muy importante presenciar ese reconocimiento que se llevó con mucho orgullo un hombre de gran trabajo que lo tenía más que merecido", dijo.

A pesar de que sólo tenía 60 años, Rascón Banda, aún con su tanque de oxígeno a cuestas, "tuvo una gran energía hasta el final, con una gran fuerza en la palabra que fue lo que lo distinguió en los distintos ámbitos en los que se movió; porque además de su importancia como dramaturgo, como crítico y como guionista, fue un personaje en la academia, en la banca de México y en la promoción de los escritores, fue un defensor a ultranza del derecho a la libertad de la creación", recordó Flor Cecilia Reyes.

La escritora dijo que el principal homenaje que se le puede hacer a Rascón Banda, es "simplemente leerlo", así como "ir al teatro, insistir en que la resistencia real está en la cultura, mirar y hacer un análisis crítico de lo que pasa en nuestro país".

 

 

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"El teatro es la más injusta de las artes, la amante más exigente, que sólo te regala tres minutos de aplausos, si te va bien".

Víctor Hugo Rascón Banda, escritor.

 

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Perfil: Víctor Hugo Rascón Banda

 

El dramaturgo Víctor Hugo Rascón Banda nació en 1948 en Uruáchic, pueblo minero de la sierra de Chihuahua, al norte de México. Por tradición familiar debió dedicarse a la minería, sin embargo, su vida tomó otros caminos, enfocados a la creación literaria.

Se convirtió en un destacado abogado, pero sobre todo, en una personalidad cardinal de la dramaturgia mexicana.

Salió tempranamente de su pequeño pueblo para continuar sus estudios. Sin embargo, regresó para alimentarse de los personajes e historias que le fueron cercanos, es decir de la sabiduría rarámuri y de la extranjería alemana, francesa y española presente en su tierra.

En 1979 escribió su primera obra de teatro titulada Voces en el umbral, donde recreó la vida de dos mujeres, una alemana y una tarahumara, que ven su vida transcurrir del auge a la decadencia minera.

Su primera obra llevada a los escenarios fue Los ilegales, la cual marcó el inicio de una carrera marcada por éxitos de público, así como el reconocimiento de la crítica y la academia.

Por sus obras de teatro logró obtener diversos premios nacionales e internacionales tales como: Ramón López Velarde 1979, Teatro Nuestra América 1981, Juan Ruiz de Alarcón 1993 y Rodolfo Usigli 1993.

Recientemente recibió la medalla Xavier Villaurrutia, premio otorgado por la comunidad artística del país, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes para reconocer su trayectoria.

Su obra dramática está conformada por medio centenar de textos, obras como Contrabando, La mujer que cayó del cielo, Sazón de mujer o Apaches son la clave de acceso al universo rasconbandiano.

Rascón Banda era el director de la Sociedad General de Escritores de México, y fue ampliamente reconocido por la comunidad teatral del país y por su aportación a la cultura nacional.
Sus obras teatrales gozan de una amplia aceptación, por lo que han sido ampliamente escenificadas y editadas.

Para reconocer su labor algunos reconocimientos nacionales llevan su nombre como el de Composición Dramática de Monólogo de Quintana Roo, Concurso de Teatro Unipersonal de Quintana Roo y Premio de Dramaturgia de Nuevo León.

Además de su creación dramática, realizó varios guiones para cine como: Días difíciles, Morir en el Golfo, Playa azul, Jóvenes delincuentes, La muerte del Padre Pro y Rosa de California.

Durante sus últimos días fungió también como Asesor del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, tesorero de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, presidente de la Federación de Sociedades Autorales y vicepresidente de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores.