Una mirada plástica

Giorgio de Chirico. El pasado perpetuo

Por: Paul Achar*

Giorgio de Chirico fue un gran maestro de la pintura y creador de una basta obra en múltiples técnicas como la pintura, grabado, litografía y escultura. Se comenta que fue adelantado a su época porque su trabajo propone una nueva forma de ver el arte, en su época y hasta nuestros días, lo podríamos ver como un artista futurista y metafísico que buscaba interpretar la parte oculta de la mente.

Con sus investigaciones abrió un nuevo panorama, no nada más para la pintura, sino para ver que existen universos maravillosos donde descubrimos una fusión de la cosmovisión de los griegos y el mundo de los sueños, los cuales De Chirico va develando magistralmente.

Según él mismo, en una entrevista que trasmitían dentro del Museo San Carlos (donde se encuentra la exposición del italiano), se consideraba perezoso, así que yo creo que por eso se dedico al arte para que nadie le dijera que hacer con su tiempo, el cual seguro que lo ocupaba en su trabajo plástico. "Siempre he pintado cuadros metafísicos y físicos, es decir: realistas, conforme me daba la gana. Eso es todo", dice.

A mi juicio, se copiaba mucho, por lo que sí demostró su pereza. Muchos de sus cuadros son muy similares y tanto en su trabajo litográfico como en sus grabados se ve que de verdad era muy flojo porque repetía él mismo y nada más le ponía color, cambiaba de dimensiones, los movía o simplemente centraba la figura.

Como plástico les digo que no es bueno autocopiase, pero a él y a muchos les dio resultados tremendos. Es bueno mencionar que De Chirico sirvió de ejemplo a grandes pintores como Dalí, Magritte, Picasso, Miro, Masson entre otros. Lo cierto es que después del Bosco nadie se había atrevido a trabajar los sueños con tanta maestría, al grado que el mismo De Chirico se acepta como surrealista.

Con esta exposición en el Museo de San Carlos en México D.F., el maestro nos da la oportunidad de comprender parte de los misterios de su mente y de hacer un viaje místico donde convergen sus pensamientos con los nuestros llevándonos de la mano a mundos maravillosos donde sólo a través de su trabajo podremos redescubrirlos.

La museografía, que no es otra cosa que la distribución de la obra, es cronológica y buena como siempre se ha distinguido el Museo de San Carlos, pero hay que comentar que no entiendo como un museo de tanto prestigio se atreve a colocar fichas técnicas equivocadas. Yo sé lo que cuesta traer una exposición como esta y la verdad no entiendo cómo para prepararla se toma tanto tiempo y no se lo hayan dado a cuidar todos esos pequeños detalles que hacen grande una exposición.

Otra cosa que me da tristeza es que para ver a Frida había unas colas impresionantes y en esta, que es también una gran oportunidad para conocer más sobre la plástica y el misticismo, no había mucha gente; seguramente ni se han enterado que ya se va la exposición de este gran maestro.

Sólo quedan unos días y adiós, así que aquellas personas que sean amantes de la pintura y en especial del surrealismo no pueden dejar de ver esta magna exposición de grabados que estará abierta hasta el 8 de octubre. ¿Qué esperan? ya se va y no creo que regrese. ¡Ah! según sé es la más grande muestra de De Chirico que se ha presentado.

Cabe mencionar que en esta muestra podrán disfrutar piezas maravillosa con sentido lúdico y en algunas un tanto naif.

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Obra gráfica que se presenta en la exposición El pasado perpetuo en el Museo de San Carlos (Puente de Alvarado No. 50) hasta el 8 de octubre. Lunes y Miércoles de 10:00 a 18:00 horas. Entrada $25. Domingo entrada libre.

La muestra incluye 161 estampas, entre litografías y aguafuertes, así como el libro Calligrammes (1930) conformado por 66 litografías con las que De Chirico ilustró poemas de Guillaume Apollinaire. También se exponen 12 manuscritos de Jean Cocteau para su libro Mythologie, publicado en 1934.

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*Paul Achar es artista plástico y subastador con más de veinte años en el mundo del arte. Cuenta con más de 70 exposiciones en diferentes galerías, museos, espacios alternativos nacionales e internacionales.

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Muestran la evolución del dibujo mexicano

A través de una pequeña muestra de la colección del Museo Nacional de Arte, se observa el proceso técnico y temático de artistas mexicanos en casi cien años

Por: Silvia Márquez / Toluca

El pasado jueves, el Museo José María Velasco abrió sus puertas a la exposición "Dibujos mexicanos. Colección del Museo Nacional de Arte".

Con la presencia de sesenta obras de artistas de la talla de Saturnino Herrán, José Clemente Orozco, Diego Rivera, Alfredo Zalce, José María Velasco, Carlos Mérida y Gerardo Murillo entre otros, se inicia "una serie de proyectos en conjunto con el Museo Nacional de Arte y el Instituto Mexiquense de Cultura que impactarán en el Estado de México", según anunció Miguel Fernández Félix, director del Munal.

Algunos de los dibujos que integran la exposición, nunca habían salido del Munal, de hecho, estaban guardados en las bodegas del recinto. Las obras son parte de la exposición con el mismo nombre que fue inaugurada hace algunos meses en el Distrito Federal y ahora llegan hasta Toluca.

El guión incluye a treinta artistas entre 1859 y 1952. Sobre cartón y papel, en diversas técnicas, se muestra el proceso plástico de dibujos y bocetos. Para tal efecto, las salas de exposiciones temporales se dividen en La disciplina del dibujo, Hacia nuevos lenguajes, Espejos de la fisonomía y Alegorías y bocetos para mural.

Desde la influencia decadentista de los artistas europeos de fin del siglo XIX, hasta temáticas estridentistas y revolucionarias, los visitantes del recinto ubicado en el corazón de esta ciudad, podrán ser partícipes de la enseñanza y aprendizaje, "procesos en que los artistas mexicanos se han visto vigorosamente comprometidos bajo ideales estéticos y políticos". Además de que la exposición "aporta nueva información y referencias visuales en la historia del arte en México" según Fernández Félix.

El recorrido por la planta baja y alta del Museo José María Velasco, habla del surgimiento de nuevos lenguajes artísticos a través de los que somos testigos, no sólo de la evolución de trazos y aplicaciones de color, sino de procesos históricos y sociales que alcanzaron las obras de los mexicanos.

El encuentro con la producción de José Clemente Orozco cierra la exposición. Los bocetos para murales de Orozco, muestran el proceso de estudio del artista, en donde permea la crítica social, tanto en los golpes del lápiz sober el papel como en temática; como un ejemplo están los burdeles de los años cuarenta.

"Dibujos mexicanos" permanecerá abierta hasta el 11 de noviembre.

Muestran la evolución del dibujo mexicano

A través de una pequeña muestra de la colección del Museo Nacional de Arte, se observa el proceso técnico y temático de artistas mexicanos en casi cien años

Por: Silvia Márquez / Toluca

El pasado jueves, el Museo José María Velasco abrió sus puertas a la exposición "Dibujos mexicanos. Colección del Museo Nacional de Arte".

Con la presencia de sesenta obras de artistas de la talla de Saturnino Herrán, José Clemente Orozco, Diego Rivera, Alfredo Zalce, José María Velasco, Carlos Mérida y Gerardo Murillo entre otros, se inicia "una serie de proyectos en conjunto con el Museo Nacional de Arte y el Instituto Mexiquense de Cultura que impactarán en el Estado de México", según anunció Miguel Fernández Félix, director del Munal.

Algunos de los dibujos que integran la exposición, nunca habían salido del Munal, de hecho, estaban guardados en las bodegas del recinto. Las obras son parte de la exposición con el mismo nombre que fue inaugurada hace algunos meses en el Distrito Federal y ahora llegan hasta Toluca.

El guión incluye a treinta artistas entre 1859 y 1952. Sobre cartón y papel, en diversas técnicas, se muestra el proceso plástico de dibujos y bocetos. Para tal efecto, las salas de exposiciones temporales se dividen en La disciplina del dibujo, Hacia nuevos lenguajes, Espejos de la fisonomía y Alegorías y bocetos para mural.

Desde la influencia decadentista de los artistas europeos de fin del siglo XIX, hasta temáticas estridentistas y revolucionarias, los visitantes del recinto ubicado en el corazón de esta ciudad, podrán ser partícipes de la enseñanza y aprendizaje, "procesos en que los artistas mexicanos se han visto vigorosamente comprometidos bajo ideales estéticos y políticos". Además de que la exposición "aporta nueva información y referencias visuales en la historia del arte en México" según Fernández Félix.

El recorrido por la planta baja y alta del Museo José María Velasco, habla del surgimiento de nuevos lenguajes artísticos a través de los que somos testigos, no sólo de la evolución de trazos y aplicaciones de color, sino de procesos históricos y sociales que alcanzaron las obras de los mexicanos.

El encuentro con la producción de José Clemente Orozco cierra la exposición. Los bocetos para murales de Orozco, muestran el proceso de estudio del artista, en donde permea la crítica social, tanto en los golpes del lápiz sober el papel como en temática; como un ejemplo están los burdeles de los años cuarenta.

"Dibujos mexicanos" permanecerá abierta hasta el 11 de noviembre.

Por quinta ocasión “Las Almas” tomarán Valle de Bravo

Proponen organizadores del Festival de las Almas un encuentro internacional de expresiones artísticas y culturales, aunque sin una línea temática específica

Por: Silvia Márquez / Valle de Bravo

Envuelta en 151 actividades, la quinta edición del Festival de las Almas en el municipio de Valle de Bravo abrirá el próximo 26 de octubre con la participación del ensamble estatal de danza "Alan" de Ossetia Alania, Rusia. A partir de ese día y hasta el 3 de noviembre, cuando el cierre recaiga en la presencia del cubano Francisco Céspedes, el programa propone intervenciones artísticas y culturales que van desde el tradicional concurso de ofrendas hasta conciertos, exposiciones, talleres o presentaciones literarias y dancísticas.

En el ámbito internacional, trece países son los invitados: Brasil, Colombia, Cuba, Chile, España, Francia, Japón, Perú, República Dominicana, República Popular de China, Rusia y Venezuela. La mayoría de los grupos con una o dos presentaciones.

Los estados de Morelos, Quintana Roo, Veracruz, Oaxaca y el Distrito Federal también estarán presentes en los escenarios. Este 2007 serán once los puntos neurálgicos del evento internacional, mas seis subsedes, que aunque pretenden ser el vínculo del Festival vallesano con el resto del Estado de México, sufrieron una reducción de dos tercios con respecto a las del año pasado.

Viejos conocidos del Festival regresarán al pueblo mágico. Nombres como Mario Iván Martínez, Eva María Zuk, René Thompson, Bertha Balestra, Flor Cecilia Reyes, Alberto Chimal, Enrique Bátiz y la banda Congal Tijuana, entre otros, repiten cartel en la programación.

Los ciclos de cine mexicano e infantil, forman parte de otro elemento que pretende enriquecer la oferta del Festival. Lo cierto es que las propuestas fílmicas incluyen títulos como la conocidísima Sexo, pudor y lágrimas o Entre Pancho Villa y una mujer desnuda. A manera de explicación, Agustín Gasca Pliego, titular del Instituto Mexiquense de Cultura (IMC), dijo que es "difícil traer películas que están en proceso de venta, por todo aquello de los derechos". Al ser cuestionado sobre otro tipo de propuestas, agregó que se están preparando dos películas producidas por el IMC y "si están listas, las podremos ver aquí".

De nueva cuenta se deja ver el vínculo que guarda el Festival mexiquense con el evento cultural más importante de Latinoamérica, el Festival Internacional Cervantino (FIC). La presencia del Ensamble de canto y danza de Jilin, agrupación de la República Popular de China, es el enlace de ambos.

Las exposiciones plásticas recaerán en la Colectiva Vallesana, Cartonería oaxaqueña, con la presencia de más de veinte artistas de Oaxaca, entre ellos Francisco Toledo; Acuarelistas mexiquenses del siglo XX y las exposiciónes de Humberto Guadarrama y Elba Hernández.

Lo más destacado de literatura correrá a cargo de Juan Domingo Argüelles con una conferencia magistral, así como el encuentro de narradores del Distrito Federal y el Estado de México.

Para este 2007 se espera la presencia de 160 o 170 mil personas, ante lo que el presidente municipal de Valle de Bravo, José Martínez Doroteo dijo que se contará con operativos que incluyen a 130 elementos de seguridad municipales y 165 elementos de la Agencia de Seguridad Estatal (ASE). Asimismo se pretende que el de las Almas sea un Festival "cultural y familiar" por lo que estará prohibida la venta de bebidas alcohólicas y se regulará el comercio informal.

Con respecto a los años anteriores habrá un cambio en el Foro principal, que antaño estuvo en el Jardín Principal. Ahora se colocará en la Alameda del Bicentenario en donde, a pesar de contar con un tamaño menor, se prevé que asistan entre 5 y 6 mil personas.

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Numeralia

4,5 millones de pesos es la inversión del Festival (sin contar los apoyos de patrocinadores y gobierno municipal). Se mantiene igual a la del año pasado.

8 días de actividades.

151 actividades programadas:

11 de cine.

15 de danza.

11 exposiciones.

33 de música.

10 actividades literarias.

6 multidisciplinarias.

15 ofrendas.

35 talleres.

15 presentaciones teatrales.

11 foros en Valle de Bravo.

6 sedes alternas en Apaxco, Cuautitlán Izcalli, Nezahualcóyotl, Temascalcingo, Texcoco y Toluca.

Sin la mano izquierda la otra mano se inhabilita

El director de orquesta, Fernando Lozano presenta La mano izquierda, su ópera prima en literatura

Por: Tlaneci Ortega Torres / Toluca

La mano izquierda es el título de la primera producción literaria del maestro Fernando Lozano, donde comparte con los lectores su experiencia como director de orquesta, labor artística que ha desarrollado desde 1966.

Ante jóvenes, músicos y medios de comunicación, Lozano presentó la noche del jueves su ópera prima como escritor en el auditorio "Silvestre Revueltas" del Conservatorio de Música del Estado de México (COMEM), en compañía de Laszlo Frater, Balbi Cotter y Miguel Ángel Porrúa.

En su libro, el fundador de la Orquesta de la Ciudad de México, describe las "anécdotas y peripecias" – como él menciona – al llevar la batuta de conjuntos musicales en auditorios nacionales e internacionales a lo largo de 45 años.

"Este libro es para quienes intentan incursionar en este oficio, para que se preparen técnica, física y emocionalmente" dijo el autor.

A su vez, subrayó que La mano izquierda es también para el público en general, para llevarlos a la profundización en el mundo de la música y orientarlos de forma específica en el conocimiento de la dirección orquestal.

Fernando Lozano indicó que los músicos interesados en este oficio "delicado, sutil y lleno de recobecos", deben tener conciencia no sólo de la estructura teórica pues además de eso deben desarrollar una especial capacidad humana para "despertar el espíritu de colaboración entre los instrumentistas y con ello darle brillantez a la música".

"El director debe saber convencer a la orquesta y obtener su ánimo, para que ésta logre el convencimiento del público", continuó.

Al intervenir en la presentación, Balbi Cotter, primer violín del Cuarteto de Bellas Artes, se refirió al libro de Lozano como "una publicación que lleva al lector hacia la comprensión de la dirección de orquesta como un gran oficio". Mencionó que la preparación del director orquestal "es imprescindible, para lograr la calidad y la unidad de una orquesta".

Para Laszlo Frater, director general del COMEM, "ésta no es una obra literaria de entretenimiento, en cambio, es un manual de dirección de orquesta" y reconoció en el contenido del libro una labor didáctica "muy bien estructurada" para la especialización en esta labor.

En palabras de Miguel Ángel Porrúa, "el contenido de La mano izquierda puede ser mayormente comprensible para quienes están familiarizados con la música" pero al mismo tiempo, "esto lo convierte en un libro de cultura general para aquellos a quienes les guste conocer sobre variados temas".

Directores de orquesta mexicanos

Durante la sesión de preguntas, Frater cuestionó a Fernando Lozano sobre el posible futuro de la dirección orquestal en México, considerando la poca participación y trascendencia de directores mexicanos en concursos internacionales. Lozano contestó que él está seguro de que muchos músicos mexicanos tienen la capacidad y la disciplina para lograr ser destacados o reconocidos en este ámbito, no sólo en concursos sino como artistas en esencia, "lo único que necesitan es impulso, apoyo y espacios, los cuales son ocupados por extranjeros" argumentó. Mencionó que, cuando supo que la dirección de la Orquesta Filarmónica de la UNAM se encontraba a cargo de un extranjero, él procedió a enviar una carta de extrañamiento al rector Juan Ramón de la Fuente, demandando la incentivación y el patrocinio a jóvenes directores mexicanos para incursionar seriamente en esta labor artística. Aclaró que "no es malo que vengan extranjeros a dirgir orquestas mexicanas, pero no es bueno tampoco" si lo que se desea es favorecer este oficio en el país.

Al respecto, Lozano mencionó que la elección de quién dirige una orquesta no debe ser hecha en función "de conveniencias económica y de reconocimiento", por el contrario, "debe invitarse a gente que ayude en la edificación y engrandeciniento de dicha orquesta".

El proceso de edición y publicación

Al respecto del título del libro, Lozano explicó que éste surgió cuando, al lesionarse la mano izquierda, se dio cuenta de la importancia de ésta, pues "aunque podía escribir o comer sólo con la mano derecha, no podía realizar otras actividades como vestirme" comentó al auditorio. En esos momentos fue cuando percibió algo elemental para el ser humano: sin la mano izquierda la mano derecha se inhabilita y "para un director de orquesta esto no es diferente". Fue entonces, cuando decidió nombrar su obra La mano izquierda.

Miguel Ángel Porrúa, fundador del sello editorial con el mismo nombre, platicó al público el proceso de creación de la obra escrita de Lozano. Para él fue el primer libro que publicó después de 20 años en materia de música y el único de dirección orquestal. La edición representó todo un reto por las imágenes y gráficos que debían incluirse.

"Fue una incursión muy interesante, una experiencia de aprendizaje que asumí porque me gusta el saber", comentó.

Porrúa admitió frente a los asistentes su "amor por la palabra escrita y por la música", sin embargo, "a veces, una hermosa pieza musical puede comunicar más y provocar un sentimiento de forma más profunda que un conjunto de letras", finalizó.

Para concluir la presentación, Fernando Lozano agradeció la asistencia al público y la compañía de sus colegas y amigos y comentó que dirigirá una serie de conciertos en Yucatán en los próximos días de septiembre.

Los coeditores de La mano izquierda son la Universidad Nacional Autónoma de México, la Dirección General de Publicaciones y Fomento Editorial y Editorial Miguel Ángel Porrúa.

El pensamiento más allá de la belleza pura

La obra del artista plástico Jesús Saldivar se nutre del recorrido por técnicas y materiales, así como la exploración de formas y pensamientos

 

Por: Silvia Márquez / Metepec

 

Jesús Saldivar respira el arte "hacia adentro". Así lo dice él, así lo vive y lo plasma en su trabajo. Esa expresión introspectiva podría sonar paradójica pero, como él la concibe, es la manera más honesta que tiene como artista para conectar con el papel, la placa, el buril, la tinta y el color.

El artista plástico originario del Distrito Federal, se reconoce propiamente como grabador, aunque ha incursionado en diversos campos del arte. Su historia comienza en la infancia, donde prendió la chispa de la curiosidad y el tratamiento de materiales naturales, pues recuerda que en el taller de carpintería de un tío, tuvo contacto con el tallado de raíces.

La adolescencia y juventud lo llevaron por diversos caminos, en los que el dibujo nunca se apartó de su mano. A pesar de que en su vida profesional no se dedicó a la actividad artística, fue en Taxco, Guerrero donde hace más de veinte años se unió al grupo de fundadores del Instituto de Artes Plásticas de dicha ciudad. Ahí, en el espacio recién fundado en aquel entonces, comenzó sus estudios formales, que los llevó a la par de su desarrollo como responsable del área de comunicación gráfica en el Departamento de Difusión Cultural del Instituto.

Después de Taxco, la inquietud de explorar nuevos territorios lo llevó a Cancún, lugar que vió nacer su taller de producción artística, diseño gráfico y serigrafía.

Algunos años después regresó a la Ciudad de México donde se reencontró con ex compañeros del Instituto de Taxco. La amistad con algunos de ellos lo impulsó a exponer parte de su producción, que hasta entonces permanecía sólo a la vista de algunos cuantos.

Una fue de la mano de la otra y así, las exposiciones fueron sumando en número y lugares. Desde la capital de nuestro país hasta el viejo continente, son testigos de la producción plástica de Saldivar, quien de manera entusiasta trabaja en sus próximas exposiciones, que ahora serán individuales.

 

Interacciones, técnica y pensamiento

Más allá de procesos técnicos o del recorrido histórico por las diversas técnicas de impresión, para Jesús Saldivar el grabado es la posibilidad de encontrar sentido a sus múltiples voces internas.

Etimológicamente "grabar" viene del alemán "graben" que significa cavar. Las obras de Saldivar excavan en los recovecos de los pensamientos, de las figuras que danzan en la memoria y que la mente produce sin permiso alguno.

Saldivar dice que ha sido criticado por no trabajar sobre ideas preconcebidas, pero para él, las respuestas se las da el trazo inclasificable sobre papel o las manchas de la tinta sobre la tela. A partir de un primer contacto, se acciona el mecanismo de la imaginación y entonces el artista comienza un recorrido interminable por las cuestiones esenciales del pensamiento humano, incluyendo todas las posibles ramificaciones del árbol del conocimiento.

Jesús reconoce no encontrar con facilidad el final de una obra. "Se puede arruinar por completo en la constante búsqueda por la perfección", opina.

 

Proyección

Una evolución en su obra, es lo que Jesús experimenta en cada trabajo realizado. Una evolución en su carrera es en lo que trabaja para conseguirla.

Actualmente su obra se puede ver en el Museo de la Acuarela de Toluca en la exposición colectiva "H20 agua como medio. La relación del arte con el agua", así como en la itinerante "Sor Juana a la luz de los tiempos".

Para el próximo año ya tiene confirmados lugares en el Distrito Federal, donde expondrá de manera individual.

Las razones del diablo

Silencio, Pavarotti

Por: Dionicio Munguía J.

Para Areli

Hoy no tengo muchas ganas de escribir. Frente a la ventana de mi casa observo el día lluvioso mientras en el reproductor de compactos suena la lejana voz de Pavarotti. Lejana, porque es una grabación de la opera Norma de Bellini realizada en los años setenta. Y entonces recuerdo que ya no está en este mundo el inigualable Luciano. Que hace ocho días dijo adiós a los mortales y se puso a un lado de los inmortales seres que han legado su extraordinaria presencia para deleite de los demás.

Soy exagerado a veces. Por momentos creo que las cosas no deberían suceder de esa manera, que deberíamos prohibir la muerte de algunos seres humanos para que sigan deleitando a nuestros hijos y nietos de su maravillosa presencia, pero el destino no es así, ni la vida. Debemos sufrir porque se fueron, a pesar de que nunca estuvimos frente a ellos, de que jamás los escuchamos en vivo y sólo fue un televisor el medio por donde supimos que alguna vez vino a México. Y eso debería de bastarnos, pero no es así.

Yo veo a mi hija sentada a un lado mío, jugando con sus muñecas. Por momentos levanta la carita y se pone a contemplar el cielo y entonces le pregunto qué le pasa. Ella, con ingenuidad me dice que aquella voz que se escucha en la grabadora es triste, que no sabe porqué pero que suena triste. ¿Cómo podría explicar la opera de Bellini a una niña que ha descubierto la tristeza en la voz de Pavarotti? Me cuesta creer que posea esa simpleza de espíritu para sentir, a su corta edad, las emociones más complejas. Me ha sorprendido con la Callas, más chica, mirando arrobada el rostro de María mientras interpreta a Verdi. Por supuesto que no sabe que escucha. Por supuesto que todavía no me he detenido a explicarle el porque de tanto grito, como dice uno de mis sobrinos.

Y ahora, en esta tarde lluviosa, días después de la muerte de Luciano, aquí estoy, en la ventana, contemplando la lluvia que cae sobre Toluca, aceptando que en este mundo la voz de Pavarotti no se volverá a escuchar. Es una tristeza inexplicable la que me embarga, pero comprendo que no podría llorar, aunque lo hice en privado, frente a los demás.

Adiós, Luciano, que tu voz perdure en los discos que grabaste y que tu imagen se siga viendo en las pantallas de televisión por muchos años. Porque esperamos recordarte muchos años más.

Narración de cuentos y trova para niños... Isidro Delgado presenta “Cuentrova”

La fusión de la trova y la narración de cuentos dirigida al público infantil es una creación artística posible y apremiante para la mejora de las condiciones actuales del mundo

Por: Tlaneci Ortega / Metepec

Cuentacuentos y trovador, Isidro Delgado presentó el día de ayer su disco Cuentrova en un evento organizado por el Instituto Mexiquense de Cultura (IMC) en la Biblioteca Central "Leona Vicario" de Toluca, mismo que fue presenciado por niños, adultos y jóvenes, quienes tuvieron la oportunidad de escuchar la propuesta de Delgado, una mezcla entre dos actividades artísticas hasta ahora poco usual: la trova y la narración de cuentos.

Isidro Delgado tiene 36 años, pero comenzó su actividad artística cuando sólo tenía 15, desde entonces ha escrito y compuesto canciones que son interpretadas por él y otros cantantes. Ha producido junto con otros músicos diversas obras discográficas y ha participado en varios festivales nacionales e internacionales, todo ello dentro del género musical conocido como trova.

No manches, Gabriela, La princesa distraída y El gato dormilón, son sólo algunos de los títulos incluidos en el disco Cuentrova y los cuales fueron interpretados por el autor ante el público que de momento reía y se sorprendía al escuchar las letras y la música.

Delgado reconoce su gusto por este género musical desde temprana edad, situación que lo llevó a escribir, componer e interpretar canciones, pero admite que la inspiración para crear tales obras ha surgido en gran parte de su pasión por la literatura, especialmente por la narrativa y los cuentos para niños, así es como surgió la idea de crear Cuentrova.

Al respecto, Isidro Delgado mencionó en entrevista con IMPULSO, que ha producido y publicado diversas obras discográficas, sin embargo, Cuentrova tiene un lugar significativo para él pues en ella se conjugan dos formas de crear arte: narración de cuentos y música, además porque es "la primera producción totalmente independiente y personal", en la cual ha trabajado tanto en la producción lírica y musical como en el diseño artístico de la portada y el proceso de difusión.

Sobre la temática de los cuentos que el autor presenta en este disco, dirigido principalmente al público infantil, comentó que son: el amor, la amistad, la paz, el cuidado del ambiente y la libertad de expresión, los principales valores que consideró al escribir. Aclaró que en la construcción de las historias y en la utilización del lenguaje empleado, tuvo presente "la condición vertiginosa y dinámica" del pensamiento de los niños, pues "su mente no es pequeña o limitada, como los adultos creemos que es" argumentó.

Isidro Delgado desea que sus cuentos musicalizados a través de la trova lleguen a un amplio número de personas, sean niños, jóvenes o adultos, pero sobre tal deseo, antepone el interés de que dicho público disfrute y entienda la esencia de Cuentrova. Asimismo, comentó que prefiere "la calidad por encima de la cantidad" en cuánto al público que adquiera su obra pues para este trovador-cuentacuentos, el éxito del disco no radica en su venta sino en el proceso de creación mismo.

Relativo a la vinculación que hace entre la trova y los niños, Delgado opina que la conjugación de este género musical, la narración y la reflexión sobre la situación actual del mundo es una creación artística imprescindible que no es posible dirigir solamente a un auditorio adulto o joven, sino que, por el contrario, su extensión hacia el público infantil es apremiante para la mejora de las condiciones sociales y aún ambientales de la Tierra.

Finalmente, dentro de sus proyectos futuros comprende la culminación en este año el disco titulado Electrodoméstico el cual produce junto con el poeta Armando Lira y también tiene la intención de publicar en diciembre de 2007 o enero de 2008 Canción minoritaria, otra producción discográfica.