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IMPULSO Estado de México || Sección Cultural

Hoy cumpliría 127 años el Caudillo del Sur

Hoy cumpliría 127 años el Caudillo del Sur

Acuérdese, señor Madero, que al pueblo no se le engaña y si usted no cumple sus compromisos, con las mismas armas que lo elevamos, lo derrocaremos: Emiliano Zapata

Blanca Ocampo / Toluca

Hace 127 años nació Emiliano Zapata en San Miguel Anenecuilco, Morelos. Conocido como el Caudillo del Sur, Zapata es hasta la fecha uno de los líderes más importantes en la historia de nuestro país y el que representa de manera más nítida los principios sobre los cuales debe descansar cualquier nación que se digne de serlo: justicia y libertad.

No por nada, la figura de este revolucionario ha sido retomada por movimientos sociales que buscan defender los derechos, no solamente agrarios, que no han podido ser más que palabras sobre papel desde el término del movimiento armado iniciado en 1910.

Sin embargo, además de la vigencia política, Zapata goza de una fama que tiene aún continuidad en las expresiones populares, culturales y artísticas, tales como el corrido, el grabado y hasta el cine; como prueba de ello a continuación reproducimos un corrido escrito por Pablo Neruda inspirado en su leyenda:

Corrido de Emiliano Zapata

Cuando arreciaron los dolores
en la tierra, y los espinares desolados
fueron la herencia de los campesinos
y como antaño, las rapaces
barbas ceremoniales, y los látigos,
entonces, flor y fuego galopado ...

Borrachita me voy hacia la capital
Se encabritó en el alba transitoria
la tierra sacudida de cuchillos,
el peón de sus amargas madrigueras
cayó como un elote desgranado sobre
la soledad vertiginosa,
a pedirle al patrón
que me mandó llamar
Zapata entonces fue tierra y aurora.

En todo el horizonte aparecía
La multitud de su semilla armada.
En un ataque de aguas y fronteras
el férreo manantial de Coahuila,
las estelares piedras de Sonora;
todo vino a su paso adelantando,
a su agraria tormenta de herraduras.

Que si se va del rancho
muy pronto volverá
Reparte el pan, la tierra;
Te acompaño.

Yo renuncio a mis párpados celestes,
Yo, Zapata, me voy con el rocío
de las caballerías matutinas,
en un disparo desde los nopales
hasta las casas de pared rosada.
cintitas pá tu pelo no llores por tu Pancho ...

La luna duerme sobre las monturas,
La muerte amontonada y repartida
yace con los soldados de Zapata.
El sueño esconde bajo los baluartes
de la pesada noche su destino,
su incubadora sábana sombría.

La hoguera agrupa el aire desvelado;
grasa, sudor y pólvora nocturna.
... Borrachita me voy para olvidar ...
Pedimos patria para el humillado.

Tu cuchillo divide el patrimonio
y los tiros y corceles amedrentan
los castigos, la barba del verdugo.
La tierra se reparte con un rifle.

No esperes, campesino polvoriento,
después de tu sudor la luz completa
y el cielo parcelado en tus rodillas.
Levántate y galopa con Zapata.

Yo la quise traer dijo que no ...
México, huraña agricultura, amada
tierra entre los oscuros repartida;
de las espaldas del maíz salieron
al sol tus centuriones sudorosos.

De la nieve del Sur vengo a cantarte.
Déjame galopar en tu destino
y llenarme de pólvora y arados.
... Que si habrá de llorar
pa que volver.

Hasta septiembre permanecerá ‘Primer plano’ en Zinacantepec

Hasta septiembre permanecerá ‘Primer plano’ en Zinacantepec

Falta respeto por la obra plástica y por quienes la hacemos: Liudmila Rosales

Blanca Ocampo

Segunda y última parte

A propósito de la exposición titulada ‘Primer plano’, IMPULSO platicó con Liudmila Rosales, una de las dos autoras, junto a Cricel Gutiérrez, de esta muestra que puede admirarse en el Museo Virreinal de Zinacantepec.
¿Los foros son suficientes para los artistas plásticos en esta zona del valle de Toluca o qué crees que hace falta?
“Hace falta todo lo concerniente a la difusión. El mismo trabajo que se realiza en los museos tiene que ser más comprometido y profesional. Vemos, por ejemplo, que hay personas que no tienen la formación y que están en direcciones o en puestos clave, y muchas veces no comprenden el trabajo plástico; desde la curaduría y toda lo que tiene que ver con la museografía, adolecen por falta de conocimientos y no hay un compromiso como debería ser. Sí hace falta que se le dé el respeto debido tanto a la obra plástica como a quienes la hacemos”.
¿Has participado en concursos?
“Sí, ese es otro de los grandes problemas. Me he dado cuenta de situaciones anómalas, donde el hijo de… o el sobrino de… gana y no tienen realmente un trabajo con trayectoria o constante. Entonces te das cuenta  de que el mundo a veces es de relaciones. Y sí, es necesario relacionarte, pero el trabajo plástico implica también que te encierres en el taller y que trabajes, y a veces no puedes ir a hacer mucho trabajo social o mucho contacto con la gente, y eso mengua de alguna manera tu presencia en los concursos”.
La mayoría de las veces el autor difícilmente vive de su obra, ¿cómo equilibras la parte económica y la creativa?
“Para dedicarte al trabajo plástico sí necesitas mucho material y tiempo, entonces o trabajas y sobrevives o haces trabajo plástico. Para los que determinamos vivir de esto es un poco difícil en el sentido de que tienes que ahorrar en determinado momento y luego trabajar y así llevártela. En mí caso, durante el tiempo que tengo dinero compro material y trabajo, pero así resulta que tienes doble preocupación. Regularmente no vives de tu obra porque lo que a veces les gusta a los compradores es algo muy llamativo o algo que les impresione demasiado; entonces tú tienes que hacerte la pregunta: ¿qué quieres hacer?, ¿quieres vender o realizar un trabajo profundamente tuyo?”
¿Cómo se origina este trabajo conjunto con Cricel?
“Cricel y yo nos conectamos en una temática aproximadamente hace 3 meses. Son imágenes, sobre todo expresionistas, y decidimos hacerlo juntas. Nos gustó trabajar así en cuestión de carácter y parece que hubo una conexión incluso para dialogar en torno al trabajo plástico y percepciones tanto sociales como académicas y artísticas; es así como hemos trabajado ya 5 exposiciones juntas”.
¿Cuál es la diferencia que percibes entre la oferta académica de la Escuela de Artes Plásticas de la UAEM y la de Bellas Artes?
“Hay una diferencia muy visible: en Artes Plásticas de la UAEM trabajan teóricamente de una manera más comprometida y los maestros tienen mucho interés en que los alumnos tengan una formación humanista y artística a la vez. En Bellas Artes es un trabajo casi de taller y la cuestión discursiva está muy endeble, aunque son los mismos maestros. Al parecer, tanto los programas de Bellas Artes como la plantilla de coordinadores no permiten que haya esa apertura y ese deseo de un cambio más fluido, más visible en torno a toda esta cuestión discursiva del arte”.

Cada poema tiene su manera de decir cómo quiere ser escrito

Cada poema tiene su manera de decir cómo quiere ser escrito

El ciclo Los deseos presentó a Flor Cecilia Reyes quien habló de su oficio de escritora

Silvia Márquez / Toluca

 “Cuando escribo me siento en el escritorio; comienzo a tomar notas con lápiz en un block amarillo y después voy armando (...) Me gusta escribir con lápices de punta fina y me encantan las gomas, a lo mejor por mi obsesión de estar corrigiendo lo que escribo. De esta manera comenzó la presentación de Flor Cecilia Reyes en el ciclo “Los deseos”.
Los muros del Museo José María Velasco sirvieron como escenario de la charla que sostuvieron la escritora y Roberto Fernández Iglesias, quien explicó que no existía un ensayo previo por lo que la propuesta fue hablar de la “talacha” poética. “No se trata de demostrar que Flor Cecilia sea poeta, eso el que no lo tenga evidente se va a aburrir mucho porque aquí no se lo vamos a probar; tampoco se trata de interpretar su trabajo. En la carrera de letras, cuando hacía el curso de análisis literario, le decía a los alumnos ‘lo peor que ustedes pueden hacer es ir a las declaraciones del autor sobre su obra’, el autor no siempre es el mejor autor de su obra”.
La manera en la que comienza el ejercicio de creación de la poeta quedó develado ya que como ella misma dijo, “tengo que escribir los poemas en el momento que surgen. En el auto siempre traigo una libretita y lápiz para poder hacerlo, así nace el poema. La talacha viene después. Hay que trabajarlo, hay que irle buscando cómo agarrarlo y ahí existe el trabajo del oficio; se trata de saber cómo esa idea puede manejarse de tal manera que puede establecer un puente con el otro y que tenga claridad. La herramienta es el lenguaje y para eso hay que sentarse a trabajarlo (...) En los poemas cada uno tiene su manera de decir cómo quiere ser escrito. Hay poemas que se inician en un alto mientras voy conduciendo, otros que nacen en una lectura, y unos más que se dan observando, en las conversaciones o después de una lectura”.
Sobre las cosas que se escriben y desechan, la oaxaqueña dijo que está preocupada por quitar las adjetivizaciones excesivas de sus escritos, además de buscar ser más directa con las palabras. “A la página impresa sólo llega una sexta parte de lo que escribo”.
El primer acercamiento que tuvo Flor Cecilia con la poesía fue la lectura de poetas de la lengua española. “Rubén Darío, Sor Juana Inés de la Cruz, Garcilazo de la Vega y Quevedo, estas fueron mis primeras voces. Al memorizar los poemas me gustaba el sonido de las palabras y después comencé a buscar mis propios sonidos, mi propio juego con las palabras y así fue como me contagié del virus de la escritura”.
La influencia de las actividades cotidianas en sus escritos son notables. La fuente de experiencias e historias son sus abuelas, en quienes Flor reconoce dos frentes que ahora convergen entre las páginas; “tuve una abuela poeta que además era costurera y una buena lectora; le encantaba escribir, tenía un sentido del ritmo muy importante y un catolicismo exacerbado. Por otra parte mi abuela materna era una mujer con humildad y sapiencia ancestral impresionante; cocinaba maravillosamente, sabía guardar silencio y tenía una gran presencia y gozo por la vida. En ellas tenía dos posibilidades de aprendizaje”.
Al estudiar la licenciatura en Letras, a escritora buscaba encontrar sus propios caminos ya que mientras ella se asumía como poeta tenía claro que quería acercarse a otros poetas y otros medios de expresión. Posteriormente, el pertenecer a la primera generación de la escuela de escritores de la SOGEM, significó el enfrentamiento con los fantasmas propios. “Los otros géneros –además de la poesía- siempre fueron mi gran temor porque no encontraba la manera de abordarlos y eso solamente podía lograrlo por medio de herramientas que solamente me las podrían dar otros escritores que se enfrentaron a los mismos demonios que yo. La SOGEM  era esta propuesta y finalmente resultó”.
Ante el cuestionamiento de las diferencias entre la escritura masculina y femenina, la poeta dijo que esta situación es anacrónica “y no tenemos por qué parecernos a un hombre desde nuestras posibilidades creativas porque no somos iguales, ni entre nosotras mismas somos iguales”.
La plática con Flor Cecilia dejó claro que la poesía es algo que se da en ella como una necesidad. “Es una necesidad absoluta para reconocerme y para reconocer a los demás. En la poesía no hay una separación entre lo que imaginas, lo que vives realmente y lo que deseas; el que el sueño y la realidad puedan reunirse en un solo poema sin que tengan que brincar ni el tiempo ni el espacio, es una posibilidad que tiene y debe ejercer el poeta”.

LA CIMA

EL ÚLTIMO POETA MALDITO

Bernardino Rubio Tamariz

Los oscuros poetas de la literatura  además  de poseer un sentido clásico de la escritura y una extraordinaria habilidad para encontrar la palabra perfecta cuentan también con un gran talento para describir y narrar lo mórbido del alma humana; durante el siglo XIX y principios del XX se escribieron algunos de los poemas más bellos e incisivos de la literatura gótica ya que su originalidad de narración de historias plagadas de elementos fantásticos y de horror  causaban tanto asombro como malestar entre la sociedad romántica de la época, lo cual los hacia merecedores de un lugar al margen de las escuelas literarias que al no contar con argumentos para frenar y descalificar sus obras los catalogo como Malditos; escritores dominantes de poesía que realizaban la síntesis definitiva del romanticismo que muchos artistas contemporáneos jamás pudieron lograr. 
Como los precursores del simbolismo y de la expresión de las técnicas modernas de la poesía, los poetas malditos eran atraídos por la dicotomía entre lo divino y lo diabólico, sus poemas y narraciones hablan del eterno conflicto entre el bien y el mal, de lo ideal y lo sensual, del horror y de descripciones densas de hechos y lugares mágicos (castillos, bosques encantados, asesinatos, criaturas de la noche etc.) en donde se describen todas las facetas humanas, desde las más sublimes hasta las más sórdidas. Ellos crearon un género de la literatura occidental distinto del realismo convencional, sus novelas, poemas, cuentos y narraciones góticas exploraban temas extravagantes y sobrenaturales  inspirados en la búsqueda de baladas medievales y en los estudios y publicaciones sobre el folklore de las leyendas europeas y americanas. Sus temas clásicos incluyen las apariciones de fantasmas, a los mundos paralelos, los pactos con el diablo, las historias alternativas, las búsquedas mágicas, la realidad invadida por sueños o hechizos monstruosos además de vampiros y licántropos. 
Aunque el novelista y cuentista Edgar Allan Poe se le menciona como el  iniciador del género en América, en realidad puede verse a Howard Phillips Lovecraft  como el último de los poetas malditos de nuestro continente y de la época clásica, aunque sus obras en vida nunca le fueron reconocidas, sus trabajos fueron de las más extraños dentro del genero gótico y fantástico,  por lo que su obra comenzó a despertar un vivo interés sobre todo con su último escrito publicado un año después de su muerte en 1937: “Historia del Necronomicón”, una antología que él mismo había recopilado en donde habla de posesiones de espíritus malignos,  mundos oníricos donde el tiempo y el espacio se alteran irremediablemente, de exorcismos y de entradas a  realidades en otras dimensiones gobernadas por dioses antiguos que caminaban en el cosmo. Un libro envuelto en el misterio y en rumores, en donde el mismo H. P. Lovecraft advierte que su lectura provoca terribles consecuencias, todo esto enmarcado por la persecución de las autoridades y estamentos de la mayoría de los países con organizaciones eclesiásticas en contra del escrito. La realidad es que Lovecraft creó todo un mito alrededor de sus obras, que no fueron publicadas en su mayoría sino hasta diez años más tarde del homenaje póstumo del Necronomicon. 
Su influencia se hace notar en varios poetas americanos como Miguel Ángel Osorio Benítez, Rafael Arévalo Martínez y Jorge Cuesta entre muchos otros. Lovecraft se consagra como el último poeta maldito debido a que sus relatos se recopilaron en varios volúmenes póstumos, entre los que figuran El extraño y otros cuentos (1939) y El cazador en la oscuridad y otros cuentos (1951). Sus mejores novelas cortas son El caso de Charles Dexter Ward (1928), En las montañas de la locura (1931), y La sombra sobre Insmouth (1936), todas ellas llenas de belleza y originalidad de su poesía y de su extraordinario poder evocativo.
 

La Orquesta Sinfónica Infantil de México se presentará en Toluca

La Orquesta Sinfónica Infantil de México se presentará en Toluca

El beneficio social, educativo y de valores que da la práctica musical tiene que ser ampliado y apoyado: Ruíz


Silvia Márquez / Toluca

La Orquesta Sinfónica Infantil de México (OSIM) dará uno de los últimos pasos de su gira nacional 2006 con una presentación en la Sala “Felipe Villanueva” de nuestra ciudad el próximo 12 de agosto a las 19:00 horas. Después de un arduo proceso de selección, ensayos y presentaciones en Tijuana, La Paz, Culiacán, Mazatlán, Tepic, Zamora, Salamanca y Pachuca; Toluca será la penúltima parada antes de cerrar en el Auditorio Nacional, en la Ciudad de México.
En conferencia de prensa, Patricia Serrano, directora de servicios culturales del Instituto Mexiquense de Cultura (IMC), anunció que durante la novena gira nacional de la OSIM por fin se llevará al escenario la invitación hecha desde marzo por el Mtro. Sergio Ramírez Cárdenas, su Director artístico. “Los proyectos comunes como éste reaniman una oferta cultural y es una de las formas de impulsar el trabajo de excelencia” dijo Serrano quién además confirmó que la entrada a dicho evento será gratuita y los boletos estarán disponibles para el público en el Museo José María Velasco, la Dirección de Servicios Culturales, el IMC y el Centro Regional de Cultura de Toluca.
Por su parte, Jaime Ruiz, director de promoción musical de la dirección general de fomento musical del Conaculta, mencionó que la iniciativa de crear la Orquesta Sinfónica Infantil responde a la necesidad nacional de brindar un espacio de capacitación musical de excelencia para la infancia en todos los estados de la República. “Es un proyecto nacional donde trabajan el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Sistema Nacional de Fomento Musical y las diferentes instancias culturales de los estados del país”.
La OSIM fue creada en el 2001 gracias a la convocatoria pública que se hace anualmente a niños y jóvenes de entre 10 y 16 años. “Los niños buscan en internet las partituras, graban un cassette o un disco compacto y lo envían a Fomento Musical que se encarga de pasarlo a un jurado (conformado por maestros especialistas en cada una de las ramas) y se hace una selección de los 160 niños más talentosos de ese año. En el caso de instrumentos como contrabajo y fagot, que son mas peculiares y tienen otras necesidades, se amplia la edad de la convocatoria hasta los 17 años. Una vez conformada la orquesta se les mandan las partituras a cada niño, empiezan a estudiar y nos vemos en un campamento. Éste año empezó el 16 de julio en Oaxtepec, Morelos; ahí reunimos a 160 niños que estudian el repertorio musical. Como caso extraordinario de este 2006 estamos reuniendo a 240 niños, 160 regulares y 80 de las ediciones anteriores que formaron parte de la OSIM. En el caso del Estado de México se encuentran 21 niños, lo cual habla de la potencia musical que existe en este Estado” explicó Ruíz.
El trabajo en el campamento contempla ocho horas diarias de lunes a sábado, que se dividen en ensayos seccionales, por cada familia instrumental y en tuttis donde se reúne toda la orquesta. Después de quince días de campamento y ensayos, la gira comenzó el primero de agosto en Tijuana. “Lo que tratamos es hacer que esta orquesta de niños de todo el país, recorra todo el país”.
Parte del repertorio que interpretará la OSIM, muestra piezas mexicanas como el Huapango de Pablo Moncayo, el Danzón No. 2 de Arturo Márquez, la Chacona de Carlos Chávez; obras contemporáneas como Cubanerías y obras de gran importancia universal como la obertura “Don Giovanni” de Mozart, “Caballería Ligera” y “Poeta y campesino”.
Sobre el impacto de la OSIM y la importancia de la práctica musical en la sociedad, Jaime Ruíz dijo que ésta “debe de ser común en la mayoría de los ciudadanos aunque no terminen en una orquesta sinfónica; es un pegamento social maravilloso porque enseña a trabajar en equipo, a ser disciplinados, a ser perseverantes, a plantearse retos tangibles que después de un esfuerzo los pueden cumplir. El beneficio social, educativo y de valores que da la práctica musical en esta orquesta y en las regionales, tiene que ser ampliado y apoyado, esa una necesidad básica. Qué mejor acercamiento a la cultura que practicando la cultura. Nos enfrentamos a la gran paradoja de la crisis de públicos: antes de comprar un espectáculo, tenemos que practicar el arte para interiorizarlo y poder valorarlo”.

Primer plano: plástica de Liudmila Rosales y Cricel Gutiérrez

Primer plano: plástica de Liudmila Rosales y Cricel Gutiérrez

Bachelard y Jung, mis autores e influencias transmitidas en la plástica: Liudmila Rosales

Blanca Ocampo

Primera de dos partes

Liudmila Rosales es egresada de la licenciatura en Filosofía por la Facultad de Humanidades de la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM) y actualmente cursa el último año de su formación artística en la Escuela de Bellas Artes del Estado de México. De manera individual ha expuesto en distintos foros como: el Centro de Arte y Cultura de la UAEM (CEAC), Centro Cultural Universitario ‘Casa de las Diligencias’, Centro Regional de Cultura de Toluca y en la Cámara de Diputados de la entidad, además de participar en muestras colectivas.
Su exposición más reciente la realiza con Cricel Gutiérrez, también estudiante de artes pláticas en la Escuela de Bellas Artes, lleva por título ‘Primer plano’. Actualmente, ésta se encuentra abierta al público en el Museo Virreinal de Zinacantepec del Instituto Mexiquense de Cultura (IMC), fue inaugurada el 28 de julio y permanecerá en este sitio hasta mediados de septiembre.
Se trata de una serie de 20 obras, 10 de Liudmila Rosales en huecograbado y relieve, y otras 10 de Cricel Gutiérrez con técnicas mixtas, algunas serigrafías y monotipos. En torno a este trabajo, IMPULSO platicó con Luidmila a las puertas del convento franciscano que sirve de marco a la exposición.
¿Cómo comenzó tu formación?
“Inicialmente comencé por la filosofía, tuve intereses estéticos y me adentré a lo que son las artes plásticas; estudié entonces la licenciatura y empecé a producir. Siempre me ha interesado la imagen y sobre todo la cuestión sígnica, lo que ha permanecido como una constante”.
Se compagina entonces la filosofía con tu expresión plástica…
“Sí, definitivamente, un 50% y un 50% porque no todo es la imagen. El interés por la decodificación es medular, tanto en cuestión de investigación como en los trabajos que realizo. Siempre me interrogó en torno a la imagen”.
Sobre tus influencias en la filosofía y en el arte…
“Gastón Bachelard es mi autor, uno con los que inicié a trabajar la cuestión de la imagen y del espacio a través de todos sus libros; por ejemplo, ‘La poética del espacio’, ‘La vida y los sueños’, ‘El agua y los sueños’, todo eso determinó en mí. Pero ya en la investigación, llegué a Jung y toda la inmensidad de códigos que maneja, un lenguaje completamente visual y algo que me llama mucho la atención es la cuestión psicológica, lo que él llama psicología profunda, que es el trabajo de las imágenes originarias, las cuales te remiten al punto de vista antropológico de la imagen, a las primeras creaciones que han permanecido hasta la actualidad y que se mantienen en la mente y en el colectivo de los grupos humanos.
“En la cuestión plástica, inicio con lo arquetípico, la ensoñación, la imaginación o fantasía. Tengo algunos autores que me llaman la atención en torno a eso y que son, sobre todo, simbolistas”.
¿Qué opinas de esta continuidad de lo abstracto sobre lo figurativo y la vigencia de ambas formas?
“Yo creo que seguirán vigentes. El arte trata de transgredir, va por lo no convencional. Entonces el abstraccionismo va a continuar y me parece un discurso increíble por la forma en qué puedes construir a partir de cuestiones ya no tan explícitas en la imagen, sino a partir de las rupturas que se han dado y que han sido, sobre todo, los actos de evadir lo que está hecho con anterioridad o superarlo en cuestión de percepción. Igual la cuestión figurativa va a continuar porque a pesar de que ha habido en la historia del arte varios intentos de dejar atrás la imagen, no se ha podido; entonces hay un regreso nuevamente a la figuración. Considero que permanecerán ambas formas porque son discursos que van paralelos y que pueden continuar sin necesidad de excluirse uno al otro”.
Has mencionado tu interés por las relaciones síginicas, la codificación y la decodificación, fenómenos que se han desgastado en la actualidad a través de la influencia de los medios de comunicación, ¿esto también afecta la percepción del arte?
“Sí. En los medios masivos de comunicación la imagen te la entregan, pero no de manera velada, te la presentan explícita. Hay muchos mensajes, la psicología en conjunto con las artes visuales, ha trabajado para que la imagen llegue con intereses específicos a determinado público y claro que afecta, como ejemplo tenemos la situación que estamos viviendo ahorita en torno a las elecciones”.

www.lavida-real.com, ahora radio

www.lavida-real.com, ahora radio

La propuesta habla de contenido y buena música, chesco para tus oídos

Silvia Márquez / Toluca


“Bienvenido a lvr + Radio, la radio de lavida-real.com. Chesco para tus oídos”. La página de internet creada como un proyecto independiente, imaginada, producida y operada desde Toluca, presenta de esta manera una propuesta que habla de contenido y buena música.
Actualmente se puede escuchar la versión de prueba y planean tener muy pronto la programación completa y definitiva.
El portal habla de una oferta de “una estación de radio que procura cuidado en la selección de sus contenidos, propone programas de opinión y brinda un espacio de difusión de nuevos artistas, sin los prejuicios y viejas prácticas de la vieja radio convencional. Chesco para tus oídos significa un espacio para escuchar, disfrutar, encontrar y reencontrar música; para proponer y ser escuchado también”.
La estación de lvr está disponible en http://www.lavida-real.com:8015 y el contacto es a través de la dirección de correo electrónico: radio@lavida-real.com

lvr
El resto de la página web se mantiene como un difusor de la obra de artistas, mexicanos y extranjeros. La intención, como lo dice Salvador Chávez, es “ofrecer de manera gratuita a los lectores y escuchas interesados, como alternativa al mercado mundializado del arte. Es un proyecto sin fines de lucro que se mantiene por la colaboración de un colectivo que trabaja desde diversas áreas”.
Dichas áreas de lvr son: universo sonoro en donde se pueden descargar mp3 y conocer las propuesta de bandas toluqueñas como Nuvó, Kinny of gold y Blast poetry de la Ciudad de México; el universo visual donde se muestran trabajos fotográficos y pictóricos; el universo literario que ofrece la descarga de textos completos y obra inédita de Alonso Guzmán, Laiza de la Torre, Ernesto Jiménez, Blanca Aurora Mondragón, Diego Garcíarivas y Bettina Chávez Herrerías; de la misma manera hay enlaces de sitios similares y relacionados.
La convocatoria permanente de lavida-real es la invitación a los artistas y creadores para enriquecer el contenido de la página. Asimismo, se propone generar redes de colaboración con diversos sitios y proyectos de asociaciones y colectivos.  

Las razones del diablo | Hacia un taller literario

Dionicio Munguía J.

Siempre que se piensa en un taller literario se plantea una imagen ya común y cotidiana en los asistentes a uno: un tipo que coordina los esfuerzos de otros y otras dentro de la literatura, a veces con eficacia técnica, en ocasiones con efectismo y un sentido de la situación un tanto hipócrita. No son contados los casos de intolerancia talleril. Tampoco los acompañamientos sin sentido de frases clásicas o grandilocuentes.

     Mientras caminaba rumbo a mi taller fui pensando en las posibilidades que se tienen cuando se aproxima uno a un buen taller literario. No tanto por el crecimiento intelectual y artístico que se puede lograr, sino por la evolución literaria que se debe de obtener en un cualquier taller. La creación, sea de la forma que sea, tiene un momento de pasión y un acto de generación de sentimientos.

     Entre más seamos abiertos a la crítica, menos problemas tendremos para aceptar los errores y las sugerencias que nos hacen alrededor de nuestro trabajo. Pocas ocasiones me he enfrentado a gente que no acepta la crítica, y de esas pocas, la mayor parte venía de un taller de elogios mutuos o rechazado de otro donde lo importante no era la literatura. Era obvio que los comentarios no siempre son bienvenidos, menos en estos casos. La labor del coordinador entonces es crear una confianza mutua y un respeto de los dos lados.

     Ezra Pound decía en El arte de la poesía que ”no deberás aceptar una crítica de alguien quien no tiene obra respetable”. Tendríamos que agrega a esta máxima poundiana: “ni de quien no se ha sabido ganar un respeto literario”. No siempre la obra publicada es respetable y no siempre el respeto literario proviene de una tolerancia hacia quien no tiene camino andado en las letras. El taller literario debe fomentar esos dos elementos: el respeto y la crítica no destructiva.

     No siempre se logran las dos cosas, pero el esfuerzo del coordinador debe dirigirse hacia ello con la misma pasión con que se realiza el acto creativo. Si bien un coordinador es también un aprendiz de literato, debe tener conciencia de sus limitaciones humanas y dejar de lado el sentido de semidios que la enseñanza puede provocarle. No son pocos los coordinadores de talleres literarios que, elevados en su ego, se consideran dioses del Olimpo dando sus extensos conocimientos a pobres mortales que nada tienen de igual con ellos. Obviamente esta actitud no siempre propaga respeto, ni mucho menos. La humildad de la enseñanza es tan importante como la enseñanza misma.

     Existe un último elemento que es quizá el más importante: la pasión. Desde que inicié mi labor como tallerista lo que más recalco en quienes asisten en la necesidad de expresar pasión, pero esta pasión no debe salir solamente de los asistentes al taller, sino del tallerista, primordialmente. Sin este elemento de pasión, de nada sirve el hablar por un par de horas frente a gente que tampoco siente la pasión por la literatura. No estoy de acuerdo con aquellos que proclaman que la literatura es fundamentalmente técnica, cuando todo proviene de las vísceras, del corazón. Sin pasión nada existe en este mundo, más o menos dice Eugenio Trías (ensayista catalán de quien se recomienda leer El tratado de la pasión, editado por CONACULTA). Sin pasión la literatura sólo se queda en muros de ciudades invisibles.