Columnas

Una mirada plástica

 

El ritmo de Polanco

Por: Paul Achar

 

Dentro del marco de las actividades del "Festival Ritmo de Polanco", en conmemoración del 85 aniversario de la Comunidad Ashkenazi, con la participación de un importante sector de la Comunidad Judía de México, el pasado lunes 19 de mayo, a las 19:00 horas se inauguró la exposición colectiva "Arte en la Delegación Miguel Hidalgo", que se exhibe en el Patio Central del Edificio Delegacional, ubicado en Av. Parque Lira # 94, colonia Ampliación Daniel Garza y permanecerá hasta el 29 de mayo.

Con la colaboración de una paleta muy variada de artistas Raquel Aguirre, Ahutzi, Isaac Asch, José Brener, Elena Brucilovsky, Romina Bulhosen, Samia Bulhosen, Alejandro Caballero, Elvira Cain, Ángel Calvo, Roberto Campos, Maribel Carranco, Alberto Chávez, Sonia Checa, Mariana Domínguez, Renee Farca, Dina Eugenia Gómez, Adolfo González, Gregorio González, Jorge Guerrero, Eduardo Hernández, Porfirio Hernández, Andrea Holoschutz, Isaac Holoschutz, Jéssica Holoschutz, Paul Achar, Rocío Kaples, Noe Katz, Sergio Copelovich, Míriam Libhaber, Lilia Ester López, Raul López Aguilar, Humberto Márquez, Adolfo Maya, Iliana Maya, Rivaldo Maya, Miki, Claudia Nierman, Sergio Nurko, José Antonio Padilla, Ricardo Plaza, Xolotl L.Polo, Alfredo Rodríguez, Janet Rosado, Jesús Saldívar, Rino Serrano, Charly Shoes, Carolina Vázquez y Sara Waisburd, todos en un formato único donde la fotografía, gráfica y pintura se unen para dar una reseña de lo más significativo que ha sucedido en los últimos 85 años en Polanco con obra de grandes artistas y uno que otro colado en pequeño formato que nos presentan un viaje donde la arquitectura, personajes estilizados y los almacenes son unos de los elementos más recurrentes.

Es importante mencionar que un comité especializado en las Artes Gráficas seleccionó 55 piezas las cuales le dan color a esta exposición.

Nos encontramos con piezas muy interesantes como una mujer de compras o el barquito en las fuentes de Emilio Castelar que ha sido un ritual de los fines de semana donde los padres llevan a sus hijos a depositar esos tremendos veleros de control remoto, o el rabino cruzando la calle donde ni tráfico había en aquellos días, donde uno podía cruzar la calle y no pasaban autos por lo menos en 15 o 20 minutos, ahora son los mismos que te tardas mucho en cruzar la misma calle que parece un viaje a la luna, todos se encuentran en la conquista del espacio donde la cortesía se cambio por echar lámina y no dejar pasar a nadie, esculturas que por nuestra falta de observación no sabíamos de su existencia.

Fue muy curioso cuando un fotógrafo nos enseñó su trabajo y era una foto de una maravillosa escultura que se fundía con el entorno pero preguntábamos dónde está esa obra tan maravillosa y nos contestó que se encontraba en el Parque del Reloj. De verdad creí que no estaba cotorreando y tuve que ir a corroborar que efectivamente existe.

Otra de las obras que me llamaron la atención fue una secuencia de fotos que nos mostraba una de las iglesias más emblemáticas de Polanco; la de San Agustín.

Vale la pena ver las obras expuestas pero en lo personal la museografía no me gustó nada, creo que se podría haber visto mucho mejor y menos apretada. El evento fue inaugurado por la delegada junto con la presidenta de la comunidad y el vicepresidente de Holi Art quien vino desde Monterrey para este evento a preparar el itinerario de la muestra hacia allá.

Seguro muchos de ustedes se preguntarán qué es la comunidad Ashkenazí. Pues son todos aquellos judíos que sus familias provenientes sobre todo de países del este y el centro de Europa, como Alemania, Polonia, Rusia, Ucrania, Lituania y Hungría, y que en México ha llegado ya a su quinta generación.

Los Ashkenazí conforman aproximadamente 50 por ciento de una comunidad judía mexicana diversa, que en su totalidad suma hoy más de 40 mil integrantes que buscan preservar su cohesión y cultura y, a la vez, integrarse a todo lo que sucede en nuestro país.

Hay otras dos variantes de la comunidad judía en México: la sefardí, originaria de España y que migró al Mediterráneo, en especial a Turquía, de donde vinieron al país, y la proveniente de Medio Oriente, en especial de Jerusalén y lugares aledaños, que a su vez se divide en la de los judíos de Alepo y los de Damasco, ambos lugares en Siria.

Pero uno de ellos, la comunidad Ashkenazi hizo posible este encuentro donde con el pretexto de celebrar sus 85 años dan la oportunidad de integrarse en una exposición donde no sólo judíos participaron, sino artistas que los une su país y un lugar en particular en esta ocasión Polanco.

La ventana indiscreta

Everything is illuminated

Por: Eridania González Treviño

"Todo se ilumina a la luz del pasado"

Jonathan Safran Foer

Un lugar perdido en la memoria. Un lugar que antaño fue hermoso, fértil y próspero. Un lugar que no existe más. Un campo repleto de girasoles y en medio una pequeña cabaña y dentro de ella, Trachimbrod. Una búsqueda al final iluminada. Ésta es la historia de un hombre y un lugar. Jonathan Safran Foer, novelista en nuestro mundo y coleccionista en el ficcional, carga, desde muy pequeño, sus recuerdos en pequeñas bolsas de plástico, por temor a olvidar. Cada objeto coleccionado tiene su relato, un pasado que lo cubre de significado. Un día, Jonathan recibe una fotografía que lo induce a emprender su larga y rígida búsqueda.

Everything is illuminated

 (Todo está iluminado, 2005) es la sutil y detallada adaptación al cine de la novela del mismo nombre. La cinta respeta la estructura narrativa del texto. Construida como una ópera a partir de cinco capítulos significativos y recurrentes en el título, desde la obertura al comienzo de una búsqueda muy rígida hasta la iluminación. La película se desarrolla en ambientes cómodos a la vista, escenarios bucólicos, completamente abiertos, caminos largos y un lugar muy lejano y pequeño, un espacio simbólico sumergido en Ucrania, fundado en 1835 como territorio de los judíos, totalmente destruido en 1942.

A partir de una tierra real Trochinbrod, se evoca otra inventada, mítica, Trachimbrod, y se copia la historia para hablar, no del lugar, sino del hombre y su permanencia en la tierra o su temor de desaparecer de ella. Es una historia del pasado capaz de sostener el presente. Dos mundos antagónicos que se encuentran amistosamente y cuyo origen es el mismo. Un objeto que cerrará el ciclo de una vida. Una película para aquellos que piensan que el pasado debe ser guardado en un rincón lejano de la memoria.

Es la primera película de Liev Schreiber y la también primera novela del escritor estadounidense Jonathan Safran Foer en cuyo argumento, para mi gusto, lo menos relevante es la reminiscencia de la vida de un judío. La actividad de este personaje nombrado "El coleccionista" es lo que da la significación verdadera a la narración, en sí; es el objeto el que significa y al que no debemos perder de vista para comprender el sentimiento humano respecto a su propia existencia.

La búsqueda del origen y el conocimiento certero del pasado haría de los hombres entes superiores. La comprensión del objeto y el otorgamiento de significado implican la comprensión misma del interior del individuo. El objeto alcanza tal importancia que, por ejemplo, aunque Trachimbrod dejó de existir, digamos, en el mapa, el lugar se conservó por sus recuerdos. No aquellos contenidos en la memoria, sino, en objetos cargados de sentido que alertan a la memoria. Por manos de su última habitante, la existencia de Trachimbrod y sus habitantes se concentraron en múltiples cajas de cartón.

Los tres personajes que emprenden juntos la rígida búsqueda –Álex, narrador en off de la historia y autor ficticio de Everything is illuminated; El abuelo, personaje por demás enigmático, melancólico y doloroso, y Jonathan, el coleccionista– encontrarán en Trachimbrod la justificación de sus existencias.

Dos tipos de pasado son los motivos esenciales que activarán la historia. Uno es el desconocido, perteneciente a Jonathan, quien contempla la posibilidad de "el otro" que existe en diferente tiempo, lugar y espacio. El segundo, tormento de un viejo, es la negación del pasado y su inevitable reaparición. Ambos personajes serán liberados, Jonathan Safran al otorgar significado a sus objetos heredados, y el afligido viejo al reencontrase con su pasado y con aquel puñado de tierra que abandonó y creyó haber olvidado. De esta manera despierta de aquel ensueño que lo mantenía oscilante entre dos realidades.

En efecto, los objetos son importantes: camafeos, libros, cartas, hojas, fotografías, polvo… Todos, sin excepción, guardamos algo, por muy pequeño que sea, que nos sostiene visible o invisiblemente en este mundo. El objeto coleccionado se guarda siempre celosamente para confirmar nuestra existencia, nuestro arraigo material en la tierra, incluso después de la muerte. Nosotros existimos para el objeto, éste es el que eterniza porque permanece, el hombre sólo lo significa. Los guardamos "por si acaso alguien viene a buscarnos". "Everything is illuminated in the light of the past."

Las razones del diablo

 

Salve Benedetti

Por: Dionicio Munguía J.

 

Miente de manera flagrante aquel que no haya cantado a Benedetti en las versiones de Nacha Guevara, Amparo Ochoa, Óscar Chávez, Joan Manuel Serrat, Quilapayun, Los Olimareños y todos aquellos trovadores de peñas latinoamericanas que abundaron en los años setenta y ochenta en la república mexicana. Miente aquel que no haya enamorado a una secretaria con el poema de Benedetti "Yo soy la secretaria ideal", a pesar de que el poema era más una burla que un homenaje.

Y eso todos lo sabemos. De alguna forma estamos inmersos en la cultura beneditiana a pesar de que el propio poeta no era más conocido de manera popular que otros. Y si Nacha Guevara hizo popular a Benedetti en el cono sur, por acá tuvimos a Amparo Ochoa, Guadalupe Pineda, Eugenia León y algunas desconocidas cantantes que no pasaron más allá de las peñas. Algunas veces el canto se trasladaba a la plaza, sobre todo cuando había manifestaciones en contra del gobierno en turno y uno, chamaco imberbe de cerca de dieciséis, se acercaba sin entender nada, pero disfrutaba de la música.

Hoy me he enterado que Mario Benedetti entra y sale del hospital, con problemas de salud, complicaciones que se alivian y vuelven. Me entristece verlo así, después de que apareciera como marino alemán declamando en alemán en El lado oscuro del corazón, esa película que se ha vuelto un ícono de la filmografía contemporánea en español. Benedetti, a pesar de que no les guste a muchos, siempre será el poeta de lo social, de lo divertido, de la conciencia de un Uruguay que apenas va saliendo de la depresión producida por el militarismo, por los gorilas y milicos, por los conservadores que nunca comprendieron que la poesía también puede mover montañas, aunque sean internas y pequeñas. Muchos crecimos declamando: "si te quiero es porque sos mi amor, mi cómplice y todo, y en la calle codo a codo, somos mucho más que dos". O leímos el cuento de los feos, o suspiramos con Nacha cantando los poemas de Mario Benedetti.

Mi corazón y el de muchos nostálgicos sufrirá cuando el poeta fallezca, y como dicen los viejos, debemos estar preparados para ese momento. Sí, es cierto, será un poeta menos en la tierra, una poesía que estableció los cánones de lucha en las palabras e hizo que otros, no tan buenos, siguieran sus pasos sin mucha fortuna. Va a doler su muerte, pero por el momento sigue con nosotros, provocándonos sobresaltos y haciendo que vayamos rápido a la máquina de escribir, computadora, fax u lo que sea, para tratar de ganar la primera nota después de su muerte.

Ahora no intento ganar la primicia. Sólo extender mi deseo de que siga unos días más o meses más o años con nosotros.

 

Mantarraya

Nostalgia de lo perdido

Por: Heber Quijano

Hoy podría hablar con palabrotas, chingadazos y vituperios. Hoy podría ponerme melancólico y arrastrar por estas letras los balbuceos que provocan la comprensión del funcionamiento canibalesco de la sociedad posmoderna, neoliberal, consumista, explotada y explotadora. Hoy podría fingir que mi generación percibe con pelos y señales la realidad que se cierne, como alacrán: la opresión de los medios de comunicación, el problema metafísico de perder el trabajo, el destino aciago del finiquito, de la desaparición de la seguridad social, laboral, ecológica, identitaria, sexual… bueno: siempre es hoy; nunca, mañana.

Hoy despertamos con las certezas del cambio climático, de las crisis alimentaria y energética, y del comienzo de la carrera armamentista en busca del poder sobre el agua. Me daría miedo darle a mi hijo por herencia un mundo con tal panorama (y conste que no estoy sumándole la deuda externa). Sin embargo, recuerdo que hace 113 años, el 19 de mayo para ser exactos, cayó en el combate de Dos Ríos el alma espiritual latinoamericana que tanto hubiera querido por pendón Simón Bolívar: José Martí. El precursor del modernismo. Político, periodista y escritor alguna vez avecindado en nuestro país, sigue alumbrando desde sus obras y pensamiento la antorcha de la revolución cubana, y sigue siendo su padre ideológico.

Si bien, ya entrados en los avatares de la globalización, la idea de una Latinoamérica homogénea, hermana y compañera, pudiera sonar romántica y anticuada; también cabe señalar que lo "latino" es tenido por uno y homogéneo en los lugares recónditos de la ignorancia globalizante, en la que las diferencias sólo son percibidas por el precio. En el peregrinaje intelectual e ideológico que tanto nos falta revisar, José Martí se planta tanto en su poesía como en su carácter político como un gran roble que sólo da la sombra de la filantropía, la ilusión de un mundo equitativo, sin discriminación y con la oportunidad de que todos estemos unidos por el amor a la patria y a la libertad.

Hoy, también recordé a aquellos jóvenes del Mayo francés de 1968 que convirtieron la libertad, la fe en la humanidad, en su reclamo contra la guerra y contra la represión de la sociedad de la posguerra contra todos los grilletes: la moral, el napalm, las prohibiciones del sexo, de las drogas, el terror al socialismo. Este movimiento juvenil caminó por la primavera de Praga, se fue al verano del amor en San Francisco, pasó terriblemente por Tlatelolco, y siguió su torbellino por todo el mundo. Se quedó implantado en el inconsciente colectivo de todos aquellos que alguna vez hemos pensado que este mundo puede ser mejor, que no somos unos burdos soñadores —o que al menos no somos los únicos—, que el sueño no ha terminado, que el amor es la verdad que nos hará libres. Vamos, hoy de nuevo podemos decir: "Seamos realistas, pidamos lo imposible".

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Escaramuza

Al maestro con cariño

Por: Polo Castellanos

 En la escuela, la maestra dice:

A ver Pepito, ¿cómo te imaginas la escuela ideal?

¡Cerrada, maestra!

La manzana que tradicionalmente se depositaba en el escritorio de los maestros, símbolo ejemplar de la buena conducta y las buenas costumbres o símbolo inequívoco de que el soborno y la corrupción pueden comenzar en un salón de clases, hoy se ha podrido y enfrenta uno de sus más grandes retos, la llamada: "revolución educativa" en el marco de una abominable Alianza para la Calidad de la Educación.

Catalogada como el "proyecto educativo más ambicioso de la historia", sólo demuestra la ignorancia en la materia de Historia de México (por eso estamos como estamos).

El proyecto más ambicioso en la historia fue en realidad el impulsado por José Vasconcelos y la educación socialista del Gral. Lázaro Cárdenas, ambos boicoteados hoy, justamente por quienes pasaron de noche por la escuela y se ostentan como salvadores de la educación: un presidente usurpador, una charra sindical, y una tecnócrata en economía que dirige la educación del país y claro, apoyados por una botarga que dirige la Secretaría de Hacienda que es, en palabras de una charra, "solidario y comprensivo" con la educación.

Con semejante planilla de especialistas, México está muy lejos de una revolución educativa que beneficie al pueblo y al país. No sólo se mordieron la lengua (no pasa nada, la lengua viperina vuelve a crecer) cuando en la conmemoración del "Día del Maestro" se volcaron en autocomplacencias y zalamerías: "Sr. Presidente", "Sra. Secretaria", "Maestra" por aquí y por allá, en entregas de reconocimientos tardíos y por demás demagógicos a maestros longevos que han dejado sus vidas en los salones de clases, aunque algunos de ellos, cómplices de las atrocidades y el letargo educativo de este país o simplemente artífices fieles de la descomposición del Estado mexicano.

A cincuenta años de la lucha magisterial encabezada por el maestro Othón Salazar y el Movimiento Revolucionario del Magisterio MRM, la "revolución educativa" del Gobierno será el pretexto para que las golpizas de entonces, de la policía montada, los heridos y los asesinatos tengan ahora una nueva justificación. "Te alineas o te alineas maestrito". Ya de por sí 50 años después estamos como al principio, el magisterio democrático defiende sus demandas originales, más las demandas actuales sobre cuestiones de fondo en la transformación de la educación, de profesionalización de la planta docente, de mejores condiciones, de trabajo, vida, salud, etcétera. Y el desconocimiento de los charros que dirigen el Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación SNTE que ya desde entonces lamían el hueso que les aventaban desde la presidencia de la república, sobre todo en el sexenio de Adolfo López Mateos, otro que pasó a la historia oficial como un "impulsor" de la educación con el libro de texto gratuito (proyecto vasconcelista) y los demagógicos desayunos gratuitos y no como el asesino y represor de campesinos, obreros y maestros que en realidad fue. Como el asesinato del líder campesino Rubén Jaramillo, la persecución de maestros y el encarcelamiento de artistas como el Coronelazo, el muralista David Alfaro Siqueiros.

Pero una maldición pareciera que persigue a los maestros democráticos, desde sus sarcófagos las momias que dirigen el SNTE vigilan de entre sus trofeos, lápidas de maestros asesinados, su hueso y sus poderes plenipotenciarios que sobreviven sexenio tras sexenio. Quienes controlan el conocimiento y la educación controlan al país.

Mientras, la vergüenza de la "revolución educativa" se escuchó en todo el país, la persecución de maestros democráticos continúa. Las órdenes de aprehensión siguen ejecutándose, las torturas y las desapariciones forzadas de maestros siguen vigentes, hoy, después de los trágicos hechos de Oaxaca, se les acusa de terroristas.

Así las manzanas podridas de los escritorios del sindicalismo magisterial y sus frentes abiertos en los Pinos, llevarán en su conciencia e historia la muerte de cientos de maestros que han entregado sus vidas a la educación, a su pueblo y a su país. Y las cabezas de maestros como las de Genaro Vázquez Rojas y Lucio Cabañas Barrientos, obligados a tomar las armas para defender sus vidas por intentar hacer transformaciones sociales a través de la educación, seguirán cayendo junto con un país que aprendió a dejar manzanas en los escritorios de sus maestros para obtener buenas calificaciones o hacer chistes de Pepito, reflejos indiscutibles del sentir popular, y con la dedicatoria: "A mi maestro con cariño".

Silencios Estereofónicos

"Providencia", el nuevo disco de La Barranca será presentado en el Metropólitan

Por: Félix Morriña

Realmente no pude esperar a la noche del viernes 30 de mayo para escuchar directamente en vivo en el Teatro Metropólitan el contenido del nuevo disco de la agrupación mexicana La Barranca a pesar de tener Providencia (Producción hecha totalmente independiente por la banda en este 2008. Distribuye Fonarte Latino) en las manos desde hace un mes.

No había querido ni siquiera oírlo porque desde que me enteré que La Barranca regresaba con su alineación original, esa que escuché cuando presentaron su primer disco El fuego de la noche (Opción Sónica, 1995) en un viejo y abandonado cine de San Ángel, al sur de la Ciudad de México, me prometí que no escucharía los 14 cortes que integran Providencia, para no prejuiciarme y para que lo disfrutara en bruto, en directo, como varias veces lo hice antaño.

La obligación periodística de informar me orilló a escucharlo antes y gratas fueron las sesiones en las que además de una música bien planificada, estudiada, deseada, inspirada, me encontré con letras profundas, introspectivas y espirituales, acordes a la forma de conducirse de un trío de cuarentones como son los integrantes de La Barranca.

Aparte, las letras de las canciones no son largas, la mayoría son de seis estrofas y seis versos bien estructurados y estudiados, donde las ideas caen en cascada armonizada. Se nota el proceso de una cuidadosa escritura previa a través de los años, como de la evolución en el proceso creativo de José Manuel Aguilera y compañía.

Sin mencionar la palabra maduros, porque esa etapa le pertenece a los que piensan en la retirada y La Barranca está por darnos muchos materiales más y superiores, los integrantes de la banda transitan por uno de los momentos claves de su carrera y llegan justo en el momento en el que no hay muchos grupos con calidad en la lengua de Cervantes.

Encima de eso, el disco contiene un cuadernillo con las letras de las canciones, un grabado del maestro y constante colaborador del grupo, Joel Rendón dedicado a San Miguel Arcángel (a quien por cierto el líder de la Barranca, José Manuel Aguilera, le dedica la melodiosa ‘San Miguel’). Hay también una muy buena foto del trío con máscaras antiguas (prehispánicas) tratada por Brenda Tizcareño.

Para que lo recuerden, la alineación de La Barranca es Alfonso André en la batería, Federico Fong en el bajo y el mencionado José Manuel Aguilera en la guitarra y voz, quien es además el principal letrista. Claro que en su primera etapa tuvieron el apoyo de varios músicos de soporte para las grabaciones como para las giras y conciertos en foros pequeños.

Como muchos saben, Federico Fong y Alfonso André decidieron iniciar otros proyectos musicales al paso de los años de esa primera etapa del grupo para dejarle los puestos a los hermanos Arreola (José María y Alonso), entre otros músicos invitados.

Para el nuevo disco Providencia, La Barranca se hizo acompañar en algunos temas del reconocido violinista Jorge "Cox" Gaitán, la chelista Mónica del Águila, la pianista Magali Aguilera y el trombonista Rubén Cifuentes. El cantante de Café Tacuba, Rubén Albarrán puso su voz en la pieza ‘Haiku’ y Muna Azul (de la banda del mismo nombre) hizo coros en la canción ‘Una nota que cae’.

En lo particular quedó grabada en mi memoria la guitarra hipnótica de la canción ‘La expedición’, quizá porque es la pieza de fondo de su página de Internet (www.labarranca.com.mx) que al estar consultándola para cotejar algunos datos y al dejar la computadora en descanso se reproduce sin parar.

También será porque está dedicada al guitarrista Ricardo Ochoa, otrora integrante de Los Eléctricos y ex marido de la cantante Kenny. La Barranca dedica además de Ricardo Ochoa, una rola que comprende dos tracks del disco (el 6 y el 7) a Víctor del Real, titulada ‘La Huida-Inventa’, pieza que si escuchas por separado, cada extracto te da la impresión de que se trata de una introducción y luego la rola como tal.

El disco está dedicado a varias personas, pero llama la atención la mención del literato Alberto Blanco, autor de El corazón del instante al final del cuadernillo de Providencia. Ojalá nos lo expliquen durante la presentación del disco la semana entrante en el Teatro Metropólitan.

Por otro lado, es importante mencionar que La Barranca ya presentó este nuevo disco el pasado sábado 17 de mayo en el Teatro Diana de Guadalajara, donde seguramente también dieron a conocer la salida de un disco alterno llamado Construcción, basado precisamente en el título de un tema instrumental del mismo nombre incluido en Providencia.

El tema "Construcción" es el único instrumental del álbum Providencia y en él se aprecia al grupo en su mejor postura progresiva, al estilo King Crimson para que se den una idea, pero que al escucharlo te das cuenta de que es La Barranca con esa fuerte influencia, para no caer en exageraciones. Este disco alterno se podrá conseguir sólo durante los conciertos de la banda, no estará en venta en las tiendas. Si no puedes ir a alguno de sus conciertos y te interesa, puedes obtenerlo por medio de su página de Internet antes mencionada.

El disco Construcción es un material sampleado, editado y grabado con doblaje de pistas y voces del álbum Providencia, totalmente instrumental. Su tiraje es mínimo para coleccionistas y seguidores fieles del grupo.

No queda más que reiterarles que el próximo viernes 30 de mayo en punto de las 21 horas (acceso desde las ocho de la noche), en el Teatro Metropólitan se llevará a cabo la presentación de Providencia, séptimo disco de La Barranca en lo que será la tercera reinvención de la banda, pero esta vez con su alineación original como trío con la ayuda de su fiel colaborador Eduardo del Águila, encargado del sonido y coproductor de los tres últimos discos del grupo. El precio de los boletos va desde los 130 hasta los 400 pesos. Por allá nos vemos y mucha suerte.

Una mirada plástica

Un migrante en cada hijo te dio

 

 

 

Por: Paul Achar

Una exposición donde la luz es la que hace la diferencia, cajas que guardan la información de una historia que nos pertenece a todos, las barreras mentales, físicas y espirituales, están presentes en nuestras vidas, que sólo con la luz es develada, despejando las tinieblas de nuestro entorno permitiéndonos reencontrarnos con el ser supremo.

Cada tela impresa e iluminada es un camino de reflexión donde símbolos bien cuidados nos invitan a liberarnos de esas ataduras que nos atan a la materia.

La nostalgia del amor, el eros que nos da el impulso para cruzar una frontera sin importar las dificultades que existan para poder mejorar la calidad de vida de nosotros o de nuestros seres queridos, alambres de púas, francotiradores o simplemente los lazos que nos unen a nuestra patria, nuestro hogar, otorgándonos la fuerza necesaria para regresar a nuestra tierra, se hace presente en las piezas de esta muestra que con maestría nos comparte el maestro Xólotl Polo.

Últimos días de esta muestra en la casa de la cultura José Martí ubicada en el corazón del D.F., hasta el 26 de mayo, antes de que parta a Guerrero, lugar en donde termina su recorrido.

 

El inicio

¿Cómo surge la idea de la exposición?

"Es un afán llevar mi obra a diferentes lugares, lejos de los centros urbanos importantes. Llevo mi obra a poblados donde no hay museos o de plano ni Casas de la Cultura. Expongo mi obra en las escuelas donde creo que hago un bien o como digo en ocasiones, una exposición netamente con un perfil social. No espero que la gente vaya a ver mi obra, yo voy a ellos. Esto lo hago no con la intención de vender, pues en ningún momento lo deseo, sino el de mostrar el arte pictórico a los demás. Después de varios años haciendo esto, el ir a estos lugares, poco a poco me di cuenta que en muchos sitios se sufre del problema de la migración. En mis recorridos he estado en lugares donde sólo ves mujeres, niños y gente de la tercera edad. El campo está expulsando, por diferentes factores, a su gente; a las mujeres y hombres productivos.

"Ver familias rotas porque el padre migró. Ver a niños criados por sus abuelas, niños rotos porque sus padres tal vez ya no regresen, pues estos hacen otra familia en el otro lado. Ver a cinco hermanos totalmente desnutridos y enfermos donde la mayor de sólo 17 años hace la función de madre-padre y cuyos padres tal vez ‘quedaron’ en el viaje pues desde que salieron hacia el norte, hace ya cinco años, no saben de ellos. Es doloroso ver ha estos niños disfuncionales, inadaptados, olvidados, rotos.

"Esto es un ejemplo de lo que he visto estos últimos años, es por eso que empecé a realizar esta serie de cuadros como una catarsis, pues me resultaba muy doloroso llevarlos en mis pensamientos, estos cuadros son una cura para mí pero ojalá sea un motivo para que todos reflexionemos sobre esta problemática".

 

¿Qué pretendes lograr con esta muestra?

"La intención es que la gente, primero tenga un momento de contemplación visual y que las imágenes lo lleven a estados emocionales. Estos pueden y deben ser diferentes en cada espectador. Segundo, es que esta contemplación los lleve a reflexiones personales. No es mi intención crear una exposición pedagógica, lo que plasmo sólo son los devaneos de una reflexión personal. Esto enriquece a la obra en sí misma".

 

 

¿A qué sector de la sociedad va dirigida?

 

"Las obras artísticas deben de ser vistas y contempladas por las niñas y niños; y por los jóvenes. Es por eso que esta exposición trataré de llevarla a los municipios donde se está sufriendo la problemática de la migración.

"Aún cuando sé que mi obra se determina por una influencia cultural que me ha rodeado y formado y una geografía en la he estado, quiero que mis obras sean vistas por el mayor público posible, independientemente de su cultura o precedencia geográfica.

"Siempre he pensado que las obras de arte en sí mismas no son elitistas ni marginan a la sociedad. Son los hombres y mujeres conformados en sus diferentes grupos sociales los que dicotomisan el arte y como consecuencia sus espectadores se autoexcluyen marginando a los demás.

"Es cierto que vivimos en una infinidad de aldeas globales, cada una con sus propios símbolos y signos, pero esto no quiere decir que el arte que producen esté hecho para apreciarse y entenderse sólo por ellos; todos podemos apreciar y sentir el arte independientemente de su procedencia. El arte en su sentido puro es universal como el amor".

¿Cuánto tiempo te tomó preparar esta muestra?

 

"Hay obras que tendrán los tres años de haber sido realizadas, pero cuando me di cuenta de lo que estaba haciendo racionalmente fue hace menos de un año, antes de su primera exhibición. En un principio eran obras aisladas en el tiempo. No tenía pensado realizar una muestra, sólo las pinté por una catarsis personal, fue posteriormente que medité, que lo que estaba haciendo era digno (eso creo) para una muestra, entonces empecé a estudiar más acerca del tema y sobre todo a trabajar".

¿Tienes pensado itinerar esta muestra por el Estado de México?

 

"Es mi intención exponerla en el Estado de México por sus diferentes municipios, aun cuando ya estuvo expuesta en el Centro Regional de Cultura, del 26 de febrero al 27 de marzo. (Pedro de Ascencio No. 103. Col. La Merced y Alameda. Toluca. Estado de México)".

¿Cuáles son las principales preocupaciones a las que se enfrenta un pintor como Xólotl?

 

"Actualmente me preocupa y me ocupo de trabajar más al interior, más personalmente, quiero hurgar en mí y plasmar ese tema que sólo me competen a mí. Quiero realizar obras cuyos temas no sean generales o universales. Como el caso de la exposición Un migrante en cada hijo te dio. Y técnicamente me ocupo en realizar obra en medios no convencionales, utilizar técnicas que estén utilizando otros medios como la publicidad y la mercadotecnia".

 

La ventana indiscreta

Barton Fink y el secreto de la creación

Por: Eridania González Treviño

Con el anuncio del próximo estreno de la nueva película de los hermanos Coen, Burn after reading –aún sin fecha de proyección anunciada para nuestro país– vino a mi mente la no tan larga lista de filmes que he disfrutado de estos escritores y directores estadounidenses.

El particular estilo de sus películas impide ubicarlas en un género específico, ya que se han caracterizado por inventar su propia corriente cinematográfica. Incluso cuando se trata de homenajes a rodajes que marcaron un estilo en Hollywood o recreaciones de obras literarias trasladadas al lenguaje visual. En estos casos la narrativa se aleja de su discurso original y se reescribe en su totalidad. Por ejemplo, Oh Brother, Where are Thou? –2000– (¿Dónde estás hermano?), basada, aunque no lo parezca, en la Odisea de Homero, conserva ciertos elementos como el viaje recorrido por Ulises, la espera de Penélope, la participación de las sirenas y el cíclope, por mencionar las más recordadas por los lectores de literatura clásica. Sin embargo, no existen los dioses griegos ni las travesías heroicas; de hecho, el héroe original, Ulises u Odiseo, es rebajado a lo mundano, incluso ridiculizado, con un personaje que juega el papel de antihéroe.

The Big Lebowski

–1998–, cuyos orígenes se encuentran en la novela policíaca The Big sleep del estadounidense Raymond Chandler; y No country for old men –2007– de una novela del mismo nombre del escritor norteamericano Cormac McCarthy, sufren cambios similares, y la fatalidad cobra tintes agudos a partir de la comicidad de los hechos más mundanos a los que cualquier individuo sobre la Tierra está expuesto.

El humor negro, la comedia de enredo, el malentendido, la violencia en diferentes tonos, el drama, la ambigüedad moral, forman parte de los instrumentos estilísticos utilizados por Ethan y Joel Coen, en la mayoría de sus rodajes. Todos se desarrollan a partir de personajes y situaciones muy representativas de la vida en Estados Unidos; sin embargo, la transformación de estos elementos alcanza niveles artísticos verdaderamente radicales hasta convertir el objeto fílmico en una obra clásica de culto.

Esto sucede con Barton Fink (1991), la más bella película de los hermanos Coen, y cuya creación se relaciona con la vida de estos dos cineastas, sin caer en lo anecdótico. Trasladada a 1941, año en el que Estados Unidos participa de lleno en la Segunda Guerra Mundial, Barton Fink se desarrolla con el simple pretexto del escritor enfrentado a la página en blanco cuando ya tiene más que éxito y cuando su búsqueda se concentra en la creación de un "teatro vivo" para el hombre común. Barton Fink, personaje inmerso en un mundo donde él resulta ser ese hombre común, descubre que no existe la gente ordinaria, que nadie se repite y detrás de una bonachona cara redonda puede estar el "diablo".

Escenarios plagados de imágenes singulares son el toque sombrío de este filme tan extraño. Un pasillo inmensamente largo y eternamente tranquilo se convertirá en el elemento de conexión con la realidad y con el inframundo. Un cuarto húmedo y viejo será el alojamiento quizás permanente de nuestro dramaturgo. Una postal que evoca la paz, la belleza y la eternidad de la vida. Una caja que representa las culpas y los pecados. Paredes delgadas. Una máquina de escribir que atormenta. Una obra maestra. Un hombre que se quema por dentro. Un hombre que no perdona. La soledad innegable conformada de ruido ulcerante bañado de silencio. Un dramaturgo temeroso, un escritor en blanco que se busca a sí mismo.

Barton Fink compone su obra maestra acerca de la lucha interna contra el dolor porque "escribir viene de un dolor intenso". Un libreto con el que intenta mostrar algo hermoso de "todos nosotros" y donde se hace evidente que más allá de lo cotidiano existe el complicado entramado interior del ser humano, que hará recuperar al artista la creatividad mermada en el pasado.

Cualquier romanticismo ideológico intentado por los personajes será destruido por la fatalidad conjugada con el humor negro, elementos que acompañarán a cada uno de los filmes de estos ingeniosos cineastas, que a diferencia de otros escritores y directores cinematográficos, los hermanos Coen han dirigido sus miradas a la literatura y a la vida real, colocándolas en contextos crudos ocurridos a personas con interiores destruidos, con vidas existentes exclusivamente en la mente. Y al final únicamente resignación, salvo algunas excepciones.