Una mirada plástica

El impresionismo

Por: Paul Achar 

En esta ocasión considero pertinente hablar del impresionismo pues es una de las pautas para llegar a la libertad de creación.

Comienza libre, como en la época de las cavernas, después evoluciona y llega a la perfección, crea  reglas  y cuando esas reglas ya son muy duras para expresar lo que se siente, se rompe nuevamente como lo hicieran los impresionistas a fines del siglo XIX. Nació del desacuerdo de algunos artistas hacia los temas clásicos y el academismo de esa época, las propuestas de composición, los colores matizados, el claro-oscuro que eran fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, donde se manifestaba que si no se seguían esos términos era imposible  exponer en las salas oficiales del Salón parisino, así que decidieron unirse en contra del arte académico. 

Los impresionistas eligieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Uno de sus primeros objetivos fue plasmar en sus lienzos una visión  del mundo más directa, sin reglas, y para lograrlo se enfocaron en los efectos que produce la luz  sobre los objetos. La luz tiende a desvanecer los contornos y refleja los colores de los objetos a su alrededor quitando los detalles minuciosos del academismo.

Además se enfocaron en las formas, utilizaban para ello los colores primarios como el rojo, azul y amarillo. También aplicaron los colores complementarios como el naranja, el verde y el violeta.

Mucha gente no sabe de donde provienen los colores complementarios y este es un buen pretexto para comentarlo: son la suma de los colores que quedan sueltos cuando tomamos uno de los colores básicos. Como ejemplo, si tengo un amarillo quedan sueltos el rojo y el azul así que su complementario será el violeta y así sucesivamente.

Con esa técnica lograron dar una ilusión de realidad, aplicaban directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y logranban captar la luz con mayor brillo en sus pinturas. 

Édouard Manet, después de haber trabajado durante seis años en el taller del maestro Thomas Couture, se independizó y puso su propio taller, que después se convertiría en el cuartel general de los impresionistas.

Manet utilizaba colores fuertes y contrastados, buscaba la belleza y la sensación que dan  las formas cuando se  ponen  de modo no acabado, impreciso y esfumado, llegaban incluso a desmaterializarse.

Manet sale completamente de lo que se está proponiendo en esa época, mediante pinceladas pequeñas y un alto contraste da las bases para crear la corriente del impresionismo.  

Sus principales seguidores fueron Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Su gran preocupación fue captar los instantes de luz y para ello salieron al campo con sus caballetes en busca de ella y para intentar capturarla en sus lienzos lograron llegar hasta la vibración de la misma luz. 

Al principio, como es común, nadie los tomó en cuenta; incluso recibieron golpes fuertes de la crítica. Poco a poco se convirtieron en un movimiento que se difundió en todo Europa hasta llegar a América. Además el movimiento creó las bases para el modernismo, tema del que platicaremos en otra ocasión.

Amor adolescente en una sala de conciertos

La puesta en escena ganadora de la Muestra Estatal de Teatro llenó la Sala Felipe Villanueva, no así las expectativas culturales ni el nivel artístico prometido

Por: Silvia Márquez / Toluca

Fue una propuesta escénica lo que llenó la Sala Felipe Villanueva. Sin duda el tema, el amor entre jóvenes, hizo que hasta los pasillos y salidas de emergencia fueran el lugar de acomodo ideal para algunas personas que llegaron minutos después de la tercera llamada.

La puesta en escena ganadora de la Muestra Estatal de Teatro llegó a Toluca enmarcada en el programa Acércate a un Miércoles en la Cultura, patrocinado por el Instituto Mexiquense de Cultura.

Sin embargo, "la mejor obra de teatro del Estado de México" no tuvo la oportunidad de presentarse en un teatro, sino que un espacio construido ex profeso para la música fue el que aguantó cerca de hora y media las ocurrencias de la Comunidad Independiente de Teatro "Neza".

Con su "Crónica de un amor adolescente", la agrupación logró transpolar elementos netamente televisivos a una dramaturgia, que bajo la bandera de comedia, se mostró pobre y carente de sustento, incluso, en el mensaje global.

El público, constituido en su mayoría por adolescentes que agotaron el boletaje a cambio de una calificación, mantuvo la atención en la trama, que de manera simple narró la historia de Julio y Julia, adolescentes que viven su primera cita, las primeras peleas, exploraciones e incomprensión entre ellos y los adultos.

Ante una historia escueta, la base estuvo construida con albures injustificados, groserías sin cabida en el texto y clichés de revistas para quinceañeras, que desembocaron en el juego final de una "teatralidad fingida", tratando de cerrar la obra que había perdido el ritmo y la espontaneidad media hora antes de su final.

Las expectativas que debió generar la obra ganadora de la MET posiblemente fueron lo último en la mente del público a su salida de la Sala de conciertos, pues ante una obra fácil y digerible, sólo quedó la risa.

La catarsis, ese concepto tan añorado por dramaturgos y teóricos teatrales, simplemente tendrá que esperar a una mejor definición de los estándares de calidad que deben ser premiados por las instancias culturales estatales.

Silencios Estereofónicos

Iron Maiden ofreció uno de los mejores conciertos de su trayectoria y Bob Dylan se reinventa cada día

Por: Félix Morriña

¿Qué tal, estimados lectores? Si ustedes no tuvieron la oportunidad de asistir al majestuoso concierto del grupo inglés Iron Maiden en el Foro Sol de la Ciudad de México, el pasado domingo 24 de febrero por la noche, déjenme decirles que se perdieron uno de los mejores encuentros masivos que se hayan registrado en el país, sencillamente porque la agrupación cumplió con su promesa de interpretar material de sus considerados tres mejores discos de su trayectoria: "Powerslave", "Somewhere Back In Time" y "Seven Son of The Seven Son".

La selección de las 19 canciones que integró su concierto de poco más de dos horas fue tan sesudamente bien estudiada por los integrantes de Iron Maiden para seducir a los más de 50 mil asistentes al Foro Sol.

Les comento que había gente de todas las edades, desde el seguidor fiel de la agrupación británica famosa en la década de los años ochenta, hasta infantes que iban de la mano de sus progenitores, lo cual hizo que la química entre la audiencia y los músicos fuera realmente única.

La escenografía empleada para este concierto de la "Doncella de Hierro" fue la utilizada durante las respectivas giras de los discos antes mencionados, además del empleo de la tecnología que fortaleció cada una de las canciones interpretadas.

El sistema de iluminación, audio y video fueron los idóneos para una noche redonda, en la que el heavy metal se hizo escuchar como antaño, cuando era el género que comandaba la escena internacional y no había estación de radio que no lo tocara.

Por otro lado, la aún potente voz de Bruce Dickinson dejó boquiabiertos a cientos de críticos que decían que el chaparrito y fortachón cantante no podría superar a las anteriores presentaciones en vivo y en directo de tan aclamados y demandantes discos. Claro, demandantes en términos de que no cualquiera puede cantar al hilo 19 canciones de una estructura muy difícil, por las historias narradas en distintos registros sonoros. La gente estaba satisfecha con lo que presenciaba.

Incluso muchos llegaron a decir que era el concierto que esperaban en su vida, porque no todas las giras de Iron Maiden están estructuradas de esta manera. El simple hecho de que hayan decidido interpretar material conceptual y no temático en esta gira es motivo para hablar por horas de esta agrupación nodal en la historia de la música contemporánea.

Los que pudieron constatar lo anterior saben que la gira internacional "Somewhere Back In Time", de Iron Maiden, quedará registrado en la historia de los conciertos masivos de México.

Por otro lado, también resultó todo un suceso histórico el primer concierto del maestro Bob Dylan en el Auditorio Nacional, la noche del pasado martes 26 de febrero, tal y como lo habíamos comentado en pasadas columnas.

Este interlocutor se dio a la tarea de recoger algunos testimonios de voces autorizadas sobre el quehacer literario de una de las principales plumas rockeras de la historia de la música contemporánea: Robert Allen Zimmerman, mejor conocido como Bob Dylan.Consultamos a los incondicionales periodistas, escritores y reconocidos críticos de México: José Xavier Navar, Juan Villoro, Javier Hernández Chelito, Paco Zamudio, José Luis "La Bruja" Pluma, Muni y Xavier Quitarte. Cada uno de ellos delimitó sus sensaciones, su cosmovisión musical a través de Bob Dylan y externaron su opinión sobre el concierto de exactamente dos horas, en el que cantó gran parte de su reciente disco "Modern Times", así como temas clásicos con nuevos arreglos.

Todos los amigos entrevistados coincidieron en que Bob Dylan se reinventa cada día, jamás toca una canción igual, odia que coreen sus canciones, detesta la parafernalia escénica (no hubo pantallas de video, no existió un manejo de luces espectacular, acostumbrado en este tipo de conciertos masivos; no hubo una sonorización adecuada, todo fue sobrio, estático e intimista) y lo único que le gusta hacer es cantar como le dé la gana, sin planear un set list (escoge las canciones según se sienta sobre el escenario) y que el público comprenda sus letras, disfrute sin exagerar la excelsa música y salga contento, aunque no completamente satisfecho.

Bob Dylan transitó del blues tradicional, el bluegrass, al boggie y el country, pasando por el jazz y el rock básico, muy rupestre. Los cinco músicos que le acompañaban fueron exigidos al máximo y cumplieron con los lineamientos del ganador del premio Príncipe de Asturias en el 2007 y seis veces candidato el Premio Nobel de Literatura.

Como dato extra, les puedo decir que Bob Dylan cantó hiladas ‘Como una piedra rodante’ y ‘La respuesta está en el viento’ de una forma que los escuchas presentes no podían creerlo. Es más, miles de los que estaban ahí no entendieron hasta la mitad de las respectivas canciones que se trataban de las dos rolas más conocidas por millones de personas en el mundo.

Como pueden constatar, queridos lectores, Bob Dylan dio un memorable concierto en el Auditorio Nacional, en el que la nostalgia se convirtió en la más fiel compañera de cada uno de los 10 mil asistentes. De mi parte es todo por ahora y creo que habrá Bob Dylan para rato.

Mantarraya

Efrén Rebolledo y la literatura erótica

Por: Heber Quijano

Después de una sumergida por los precisos y lúcidos juicios y reseñas con los que José Emilio Pacheco realizó, hace ya 37 años, la Antología del modernismo, me quedó la duda sobre si la poesía de Efrén Rebolledo es el bautismo del festejo del "amor sexual", como delimita bien y con su gran delicadeza Xavier Villaurrutia en 1939.

Pacheco llama la atención acerca de la obra transgresora de José Juan Tablada y su gran capacidad por adaptarse a las vanguardias de principio del siglo XX, y postula el poema "Misa negra" como el primer poema erótico, allá por 1893. Dicho poema "alarmó a los Científicos y a Carmen Romero Rubio de Díaz, la afrancesada esposa del dictador oaxaqueño Porfirio Díaz". Quizá podrían encontrarse ciertos ecos eróticos en Sor Juana o más aún en los cantos prehispánicos. Sin embargo, el sentido del erotismo tendería hacia el costado del misticismo, ya en la exaltación sublime de la naturaleza, la guerra y los dioses, y la metafísica o la religión, como ya Bataille ha señalado la carga erótica que tiene el rostro desfallecido del Éxtasis de Santa Teresa de Bernini, en lo que él llama la erótica del espíritu, que no la del cuerpo. La focalización de ejercer el placer a través del cuerpo viene más bien en la lógica industrial y hedonista de la sociedad que consume productos en serie.

Ya entrados en el siglo XX, en los bordes indefinidos de la Revolución Mexicana, Efrén Rebolledo publica Caro Victrix en 1916, con el signo inequívoco del triunfo carnal (caro=carne, victrix= victoria), que sí se enmarca en nuestra concepción de erotismo: "Embiste el sexo con la enhiesta caña/ igual que si campara en un torneo,/ y con mano feliz ase el trofeo/ de la trenza odorífera y castaña". Rebolledo devela la hipocresía del pudor porfiriano y engrandece de manera lúdica la sensualidad un tanto inocente y glorifica el cuerpo femenino: "En el vivo combate, los pezones/ que se embisten, parecen dos pitones/ trabados en eróticas pendencias". La glorificación del cuerpo a través del cuerpo, de sus fluidos y de sus márgenes que se desbordan como ríos en crecientes, dejan de ser la "cárcel del alma" medieval y romántica, transitan por la "mecanización" del artefacto más perfecto del universo (de factura divina) de la lógica decimonónica recién conocedora de la fisionomía interna del cuerpo humano, para ser ya no un apéndice, sino parte misma del hombre. Poco después, López Velarde hará gala de tal maestría para esconder y mostrar simultáneamente su deseo erótico cargado de culpas, como Paz ha señalado al compararlo con Baudelaire.

Sin embargo, la pregunta esencial ¿hubo poesía que festejará los placeres de la carne con la inteligencia y la consistencia, con la develación de la palabra entredicha o la entrelínea suspicaz y aguda, con la franqueza del desenfado, anterior a la de Rebolledo? La respuesta seguramente daría para el doctorado, posdoctorado y toda una letanía de investigaciones para los especialistas. Pero eso se los dejamos a la Academia y sus papeles certificados.

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Tosca sorprende en el Palacio de Bellas Artes

Olga Romanko, Fernando de la Mora y Genaro Sulvarán en los papeles principales de la ópera, emocionaron al público en dicho recinto de la Ciudad de México

Por: Silvia Márquez / México, DF

Floria Tosca, de rodillas ante el Barón Scarpia, suplica y cuestiona a Dios en la hora decisiva. Su voz se alza para, instantes después, diluirse entre sollozos y música que se desprende de la orquesta. Tosca pide sólo una cosa: que Scarpia le otorgue el perdón a Mario Cavaradossi, su amante; un pintor de ideas revolucionarias y antimonárquicas condenado a muerte por sedición.

Uno de los momentos más dramáticos de la ópera de Puccini, el aria Vissi d’arte, arrancó un largo aplauso del público asistente al Palacio de Bellas Artes, mientras el verismo de la ópera italiana seguía su curso.

El domingo recibió una cálida tarde y el estreno de la temporada de ópera 2008 en la capital mexicana. Mientras en el Palacio de Bellas Artes se hilaban los pasajes de la obra de Puccini, afuera, una serie de comparsas sudamericanas bailaba a su propio ritmo. Poco importó que a unos metros de distancia Tosca descubriera a Cavaradossi pintando a una mujer rubia, que mostrara sus celos enfermizos y que comenzara la tragedia.

Y mientras la vida cotidiana caminaba bajo los rayos del sol, con la participación de Olga Romanko, Fernando de la Mora y Genaro Sulvarán en los papeles principales, Tosca tomaba fuerza bajo una escenografía e iluminación contemporáneas.

El contraste del vestuario de principios del siglo XX con la concepción arquitectónica de Ricardo Legorreta, mostró un juego interesante en donde conforme la historia avanzaba la escenografía se volvía cada vez más minimalista. El cambio en la balanza se mantuvo gracias a un escenario fijo, que a manera de concha acústica permitió proyectar las voces de los cantantes.

La iluminación también mantuvo un pulso firme en la historia, pues sutilmente, pasó de la luz directa sobre el escenario a un juego de sombras que comenzó con la muerte del Barón Scarpia y terminó con el suicidio de Floria Tosca.

Ésta producción, que se estrenó el año pasado en el Festival de San Luis Potosí, tiene a Enrique Patrón de Rueda en la dirección musical, mientras que la escénica es de César Piña. Participan también Hasmik Papian, quien alternará con Romanko en el papel de Floria Tosca, así como la Orquesta y el Coro del Teatro de Bellas Artes y Schola Cantorum de México.

La temporada, que tiene como contexto el 150 aniversario del natalicio del compositor italiano y el festejo por los 70 años del Coro de Bellas Artes, continuará hoy a las 20 horas, para seguir el jueves 28 de febrero, el domingo 2 de marzo y el jueves 6 de marzo para después viajar a Culiacán.

Escaramuza

¡Sí, protesto!

Por: Polo Castellanos

Febrero, como septiembre, también es un mes muy importante para la Patria y crucial en la historia de México. Se conmemoran: muere Cuauhtémoc (el último emperador mexica); la promulgación de la Constitución Mexicana (hoy, letra muerta en materia de garantías individuales y derechos humanos); el día del Ejército y las Fuerzas Armadas; la famosa Marcha de la Lealtad (aunque en estos tiempos de inquisidores y traidores, las Fuerzas Armadas a quien deben esa lealtad es a su pueblo, a su historia y a su identidad).

Salen las tropas del General Pershing después del fracaso de su Expedición Punitiva en busca de Francisco Villa (¡Viva Pancho Villa!); es la Decena Trágica; mueren el traidor a la revolución zapatista, Francisco I. Madero a manos de otro traidor; Juárez detiene momentáneamente la invasión extranjera en Veracruz; fusilan a Vicente Guerrero; fusilan a Mariano Matamoros; otro traidor a los campesinos zapatistas y villistas, Venustiano Carranza, comienza su "ROBOlución" (y a darse vuelo todo el mundo); se firma el tratado de Guadalupe-Hidalgo (ese que nos dejó sin la mitad del país); muere Genaro Vázquez Rojas; muere Gerónimo, el último Jefe Apache y del que los apátridas nunca se acuerdan; nació Ignacio Allende; Iturbide, otro traidor, fue proclamado Emperador de México. Ahora nos damos cuenta que, hasta el día de hoy, una buena parte de la historia de México ha sido forjada por traidores.

En este contexto de "héroes" y apátridas se conmemora el Día de la Bandera, la más importante y emblemática fecha de febrero para los mexicanos, franco degenere de la historia escrita por los vencedores. La lealtad a la Patria, los honores a nuestra Bandera y a nuestro Escudo se han convertido en el desfile de patrioteros que de manera oficial y desde la usurpación, salen orgullosos ha desgañitarse en juramentos "por la Patria y la Bandera" a la que pisotean todos los días.

Las recientes modificaciones a la Ley sobre el Escudo, la Bandera y el Himno Nacionales en el Artículo 6o que a la letra dice: "El Escudo Nacional sólo podrá figurar en los vehículos que use el Presidente de la República, en el papel de las dependencias de los Poderes Federales y Estatales, así como de las municipalidades, pero queda prohibido utilizarlo para documentos particulares. El Escudo Nacional sólo podrá imprimirse y usarse en la papelería oficial, por acuerdo de la autoridad correspondiente apegándose estrictamente a lo establecido por los artículos 2o. y 5o. de la presente Ley..." no son más que placebos para decir que la barrabasada que le tuvimos que soportar al ignorante del mandatario anterior con el "águila mocha" ya "no se repetirá". Sin embargo, si aplicáramos la Ley como se debe, el sujeto éste de las botas campiranas, tendría cuentas pendientes con la justicia y nos debe 4 años de cárcel y una multa de mil pesos por "… ultraje al escudo de la República…" según el Artículo 191 de la mencionada Ley.

Y aunque parezca mentira, nuestro Escudo Nacional no es más que el resultado de la lucha de intereses de quienes han ostentado el poder a lo largo de su historia. Pocas son las banderas que reflejan la historia de un pueblo que ha derramado su sangre por construir un Nación que, aunque a algunos no les guste, tiene historia y uno de los orígenes más extraordinarios de la historia humana. En resumen, todo comienza con un nopal en medio de un lago y un águila encaramada en él (según el Códice Mendocino) y la fundación de la gran Tenochtitlan y aunque la serpiente no se ve (tal vez ya se la había devorado el águila y los tlacuilos no la fotografiaron) la leyenda dice que el águila devoraba una serpiente. Pero fue José María Morelos y Pavón y no el alfeñique de Venustiano Carranza, como todo mundo dice, quien por primera vez toma el águila parada en su nopal como símbolo de identidad y la convierte en una bandera de lucha, y que si bien, México todavía no era independiente, al menos lo era en el espíritu insurgente. Y de ahí pal’ real: con serpiente, sin serpiente, con nopal o sin nopal, con encinos y laureles o sin éstos, volteando a su derecha o a su izquierda, de frente, de lado o de tres cuartos nunca dejó de ser un águila encaramada en su nopal y el símbolo de identidad de esta hermosa Patria, hasta que llegó, apenas en el 2000, un soberano pelmazo y le arrancó de tajo la mitad de las plumas, nuestra historia, cultura, identidad y nuestra dignidad. Hoy, afortunadamente, el águila regresó a su lugar con todas sus plumas.

Unas de las más representativas y hermosas, aunque a Felipillo no le guste y que todavía el día de hoy siguen causando estragos en el hígado de los apátridas, son el águila republicana y la juarista, y no sólo por su gran estética sino por su historia. A esta última águila los usurpadores decidieron exiliarla de los billetes de veinte (si hubieran podido hasta a Juárez habrían quitado) por convertirse en el símbolo de la Convención Nacional Democrática y del "Presidente legítimo" (otro al que se le extravió la brújula).

Y para los que todavía dudan en que los artistas no participan ni aportan nada a la vida de este País y que no tienen nada que ver con la historia y la identidad de México, sepan que el Escudo Nacional fue diseñado por el extraordinario pintor y muralista potosino Francisco Eppens, quien, por cierto, también nació en febrero; el poeta y literato, Francisco González Bocanegra escribió el Himno Nacional y el músico y compositor Jaime Nunó realizó la música.

En este escenario de finísimos "patriotas" el pueblo de México, ÚNICO depositario de sus símbolos patrios, tiene restringido el uso de su Bandera y de su Escudo ahora también con cercos militares y policiacos. Si vivieran Vicente Guerrero y Nicolás Bravo ya le habrían puesto a la Bandera de la Plaza de la Constitución las siglas que le ponían a sus banderas: SIERA, Sector Insurgente en Rebeldía Absoluta.

Así que si usted es de los que, cuando observa nuestra bandera, siente mariposas en el estómago y se pone como pavo real henchido de orgullo e identidad, entonces hágase un verdadero patriota y defienda a su país del puñado de traidores que tienen sumida en la miseria a su Patria. Levante la voz, tome protesta, jure lealtad y honor a su Patria y con la Bandera en la mano gríteles de frente: ¡SÍ, PROTESTO!

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Silencios Estereofónicos

"La noche en el maizal", libro de María Eugenia Leefmans, en el que convergen ficción y novela histórica

Por: Félix Morriña

"La noche en el maizal" es una novela histórica que se fusiona con la ficción literaria de corte prehispánico. Esta novela es el reciente libro de la escritora nacida en Caracas, Venezuela en 1944 y asentada en territorio mexiquense desde 1969, María Eugenia Leefmans, el cual de paso vale mencionar, pertenece a la colección de la Biblioteca Mexiquense del Bicentenario, coordinada por el doctor Alejandro Vargas y creada por el actual Gobierno del Estado de México, a cargo de Enrique Peña Nieto.

La sede de la presentación de "La noche en el maizal" fue nada más y nada menos que el auditorio Sotero Prieto del Palacio de Minería de la Ciudad de México, justo donde se lleva a cabo la vigesimonovena edición de la Feria Internacional del Libro.

El crítico literario Miguel Cossío Woodward, quien se encargó de presentar esta novela, mencionó que "La noche en el maizal" es un trabajo literario hecho con maestría y rigor histórico, escrita por una mujer fascinada por la magia de las civilizaciones prehispánicas de México desde que llegó a este país, que le ha otorgado la nacionalidad.

"La noche en el maizal" es una obra imprescindible, porque en ella convergen ficción y novela histórica, gracias a que María Eugenia Leefmans supo encontrar y recrear, con admirable riqueza, las pulsiones eternas de una raza cósmica, cuyas raíces se hunden en un pasado glorioso, mientras que su mirada trasciende, como vuelo de águila, la finitud de los tiempos.

La novela es una fusión excelente de una investigación puntual y meticulosa de poco más de siete años por parte de la autora y la reelaboración poética, a semejanza de los libros de pinturas prehispánicas. Es un libro que nos presenta cuánto fuimos y seremos siempre, porque, como en sus personajes, estamos hechos de la sustancia de los sueños.

"Antes de escribir esta novela, hice primero un poemario de inspiración prehispánica que se llama ‘Muchas lunas después’ (UAEM, 2000) y este libro lo escribí porque me molestaba que Nezahualcóyotl no tomara en cuenta a la mujer, no le escribiera, ni cantara. Entonces, tuve el atrevimiento de hacerlo yo a través de este poemario, en el que hablo del alumbramiento, la luna, la flor de cacao, la flor de maíz, entre otros temas. En este poemario escribí ‘La noche en el maizal’ que con el paso del tiempo decidí que así se llamaría la novela que ahora nos motiva a la charla", acotó María Eugenia Leefmans.

La poetisa, escritora, ensayista y crítica literaria agregó que al momento de estudiar la poesía prehispánica le llamó la atención la princesa Macuilxóchitl, la única poetisa de quien se tiene referencia de aquella época: el reinado del poeta Nezahualcóyotl. La autora de "La noche en el maizal" retomó a esta singular mujer como personaje principal de su novela, la cual anunció en entrevista puede darle continuidad a la historia hasta con dos obras más, pero por el momento dejará vivir en la memoria colectiva la trayectoria de Macuilxóchitl.

Para ahondar más sobre los motivos que orillaron a María Eugenia Leefmans a encontrar dos momentos históricos diferentes del periodo azteca en su novela, que la aleja del rigor del ensayo literario, pero la motivó a dejarla como novela de ficción, basada en los lineamientos de la novela histórica, señaló:

"Sabemos que la princesa Macuilxóchitl es hija del consejero azteca Tlacaélel y tuvo un hijo llamado Cuauhtlapaltzin, de quien se desconoce quién es el padre. Basándome en esta información, se me ocurrió que al ser ella contemporánea de Nezahualcóyotl (1402-1472), los podía hacerse conocer para que se encontraran en ‘La noche en el maizal’. Para hacer esta novela me basé en testimonios de la época, documentos minuciosamente estudiados y con mucha bibliografía que no puse en la novela porque no venía al caso, si ya se explicó que es ficción basada en hechos reales".

María Eugenia Leefmans ha escrito poesía, narrativa, teatro y ensayo. Entre los libros que podemos recomendar ampliamente están "Sobre la tierra extraña" (1999), "Los fantasmas huyeron" (1998), "La dama de los perros" (2001), "Furia melódica" (2005) y por supuesto "La noche en el maizal" (sacado al mercado literario en el 2007). Es considerada en el Estado de México una voz autorizada para hablar de la Décima Musa, Sor Juana Inés de la Cruz.

"La noche en el maizal" es una novela corta (como recomienda deben hacerse los libros en este siglo XXI, según el intelectual Carlos Fuentes), porque en la actualidad la gente vive mucho más aprisa y requiere de materiales accesibles que les enseñe de manera rápida momentos trascendentes. Por tal motivo, las 118 páginas de esta novela se leen prácticamente de una sentada. ¡Disfrútela!

Enfrentan Museos Universitarios diversos retos culturales

El Comité Mexicano del ICOM llevó a cabo una mesa redonda sobre las preblemáticas de dichos espacios

Por: Silvia Márquez / Toluca

El Comité Internacional de Colecciones y Museos Universitarios (UMAC), organización que depende del International Council of Museums (ICOM), llevó hasta las instalaciones de la Facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad Autónoma del Estado de México su segunda mesa redonda con el tema "Reflexiones sobre nuestros museos universitarios".

Ayer, unos minutos después de las 10 de la mañana, se plantearon problemas regionales y en común en los espacios museísticos de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), la Universidad de Durango y la propia UAEM.

De acuerdo con Luisa Fernanda Rico Mansard, coordinadora responsable de la Mesa de Museos Universitarios del ICOM-México, los museos y las colecciones universitarias cumplen diversas funciones, principalmente enmarcadas en la educación formal (uso docente, como material didáctico, préstamo a domicilio y apoyo en la investigación) y la educación informal (aquellas que se divulgan y exhiben). Es por eso que los museos universitarios deben regirse bajo tres esferas o campos de acción: la docencia, la investigación y la difusión de la cultura.

Las propuestas museográficas, según Rico Mansard, deben estar "acorde a las necesidades de las universidades y a un nuevo campo de conocimiento".

Posteriormente tomó la palabra Santiago Aja Guardiola, curador del Museo de Anatomía y Anatomía Patológica de la UNAM, quien resaltó que los museos universitarios deben salir de la idea de que están hechos especialmente para universitarios, provocando una apertura a todo tipo de público. Los cánones para lograr tal objetivo se basan en el dinamismo de las propuestas y la promoción de los propios museos.

"Hay que acercar a los que les interese, porque la gente llega al museo a ver porquerías. Los museos deben estar dirigidos a todo tipo de público y así se deben diseñar, para que lo entienda desde un niño de primaria hasta alguien con un posgrado", dijo.

La propuesta de Aja Guardiola contempla la homogeneización de la cultura y del conocimiento por medio del papel educador del museo, así como la identificación del museo como un sitio de interés turístico.

Enrique Arrieta Silva, director del Museo Regional de Durango, expresó que las universidades mantienen sus objetivos y planes alrededor de la cultura, por lo que el museo se debe insertar en dicha dinámica, posicionándose en la mente de los universitarios en particular y de la sociedad en general.

Además, ante la falta de recursos económicos destinados a la cultura, el museo debe echar mano de la imaginación, así como formar redes de museos y "hacer a un lado los protagonismos para juntar esfuerzos".

Por último, Elaine Reynoso Haynes de la Dirección General de Divulgación de la Ciencia de la UNAM y Patricia de la Fuente de la Dirección General de Artes Visuales, también de la máxima casa de estudios del país, coincidieron en que los factores que influyen en la composición del público son el contexto sociocultural, el contenido del museo, los mensajes y objetivos, la imagen proyectada, la generación de expectativa, así como la relación entre el museo y el público.

La confrontación entre el público meta y el público real permite al museo buscar estrategias para atraer a los sectores de la población que no asisten, así como la inclusión de mecanismos que sirvan para atender al público no esperado, como exhibiciones y actividades especiales, capacitación de los anfitriones, adaptaciones físicas en el mobiliario, textos en diferentes niveles o cédulas en braille.

Para la especialista en museos científicos, "los museos universitarios deben ser el reflejo de las tres funciones básicas con las cuales trabajan: investigación, docencia y difusión cultural, mismas que deben permear en todos los procesos del museo".

Bajo ese tenor, los museos como oferta cultural son "la cara pública de la Universidad, ya que muchas veces se convierten en el primer o único contacto de los asistentes con la Universidad". Por otra parte, para la comunidad universitaria, el museo debe verse como espacio de convivencia, un foro de expresión y de cambio.

En el ámbito educativo, dijo, es obligación del museo mantenerse en capacitación y actualización continua para servir como apoyo y complemento de la educación formal; mientras que dentro de la investigación el recinto contribuye al cuerpo de conocimiento que genera la propia Univesidad, a la vez que lo muestra y continúa con estudios, evaluaciones e investigaciones.

Las conclusiones obtenidas de la Mesa Redonda fueron registradas por los responsables para generar un documento de consulta y aplicación en los diversos museos universitarios del mundo.