Las razones del diablo

¿Por qué?

Por: Dionicio Munguía J.

De pronto las noticias son algo que no quisiera leer. Notas que dañan la conciencia humana (al menos la mía). Sentimientos que afloran al conocer, al intuir, al saber. No importa que hayan pasado años desde que lo conocí, desde que tuve la oportunidad de hablar con él, de platicar por un par de horas mientras el cóctel de fin de año de Planeta, frente al Parque Hundido en México se hacía viejo y lleno de luminarias.

Entre las muchas cosas que dijo y que recuerdo, por cierto muy poco, relacionaba el teatro con la vida, la existencia y el silencio con las luces y el escenario. Siempre atrajo la atención, a pesar de que tuviera muchos detractores. Su trabajo se desarrollo por vertientes distintos a los que llevaba el teatro mexicano. Estuvo en contra del teatro como instrumento didáctico, porque consideraba que una buena obra de teatro era más didáctica y comprometida que una escrita expresamente para tal motivo.

Para él, como para Jesús González Dávila, el teatro era la vida misma, la expresión del entorno. González Dávila escribió sobre los desadaptados, él sobre los incomprendidos. Recuerdo con placer la puesta en escena para televisión de Rosalba y los llaveros, primer acercamiento con su obra, primer encontronazo con esa realidad que sabría llevar a buen puerto.

Hoy recuerdo aquellos breves momentos, el instante de la despedida en medio de la noche, desapareciendo en un auto color blanco que se me quedó en la memoria. No puedo decir porqué, pero sucedió así. El martes leí en la prensa sobre él y debo decir que no me gusto lo que leí, porque a un lado estaba también la noticia de la muerte de Laura Urdapilleta, coreógrafa y bailarina que modificó, como él, ciertos conceptos un tanto arcaicos que perneaban la danza en nuestro país.

Este tipo de decesos siempre dejan un espacio en el ánimo de todos aquellos que disfrutamos el arte y la presencia de ambos. No recuerdo nombres de coreografías de Urdapilleta, pero si recuerdo su presencia (majestuosa en ese momento) cuando inauguraron la Escuela Nacional de Danza en Querétaro. Los ojos demostraban la fuerza de su cuerpo y sus manos la gracilidad de la danza. No fue la única vez que tuve la oportunidad de verla; hubo instantes cercanos en Bellas Artes, en Jalapa durante el Festival de Danza Callejera, en Zacatecas, en Guadalajara y en Monterrey.

Y la desaparición de ambos implica, ante todo, el vacío de un breve espacio en el arte de México. Breve, porque los que quedan siguen en activo, produciendo, y cada vez brotan más y más artistas en todos los géneros que, sin llenar totalmente el hueco, si ocupan el espacio que han dejado los que desaparecieron. Es por eso doloroso escribir este tipo de notas, al menos para mí así lo es. No puedo aceptar este tiempo sin todos los que se fueron. Columnas atrás dije que no deberían morir los genios, que es lamentable que suceda, pero no podemos evitarlo.

Ahora tuvimos que hablar de él, de Emilio Carballido, el dramaturgo, el escritor.

Mantarraya

Del amor y la literatura

Por: Heber Quijano 

La literatura, esa investigación escrita de una pregunta infinita, como apunta  Jean Duvignaud, esa intuición tejida palabra a palabra que nos revela un "vago horror sagrado", como lo llamase Borges, y nos hace discernir que la vida es algo más de lo escrito frente a nuestros ojos y más allá también de lo que nuestra experiencia pueda revelarnos, la literatura, pues, todavía tiene mucho que decirnos. El amor, obviamente, no es la excepción. Claro, nuestra educación sentimental, al menos en la era mediática, ha sido pervertida por el melodrama sensiblero, la tragedia grandilocuente del menor esfuerzo, la idea pueril de la predestinación y las milenarias repeticiones del cenicientismo, que si bien habían nacido en los pasquines amorosos, ahora enarbolaron su cursilería en las telenovelas, miniseries y películas de baja factura.

Precisamente por ello, y por quienes se erigen jueces de un litigio exclusivamente particular, entiéndanse "tu vida propia", por quienes se yerguen catequistas de la vida ajena, quienes siempre levantan la mano para opinar de cualquier tema, ¡vamos!, por todos los que viven de frases hechas y estereotipos preestablecidos, ¡dudemos! La duda siempre es más sana que la verdad tajante e indiscutible.

El amor no tiene forma ni estructura, y los pasos a seguir son siempre tan distintos como los caminos por cruzar. Teorizar sobre el amor es una equivocación metódica. Por ello Sabines hace que sus amorosos se rían de "las gentes que lo saben todo/ de las que aman a perpetuidad, verídicamente,/ de las que creen en el amor como en una lámpara de inagotable aceite".  

Efectivamente, "El amor es la prórroga perpetua", como dice Sabines. Para Efraín Bartolomé "El amor/ [es] ramo de sombras", más claro ni el agua. En un poema memorable que supera la apocada mente del recitador demagogo, comprometido con el halago superficial, Xavier Villaurrutia erige un credo: "Amar es una angustia, una pregunta/ una suspensa y luminosa duda;/ un querer saber todo lo tuyo/ y un temor de al fin saberlo", y en su arista más lúbrica: "Amar es una insólita lujuria / una gula voraz, siempre desierta". ¿Pecado? Al más puro estilo trovadoresco, como señaló Denis de Rougemont, el amor se alimenta de prohibiciones, por ello "la exaltación de la castidad, produce casi siempre el exceso de la lujuria". Ya Georges Bataille, en El erotismo, nos devela la intempestiva genealogía de esa avidez pélvica, y Gilberto Owen estampa su doctrina: "por la carne también se llega al cielo". El gato de la curiosidad que deambula pardo por las noches, debe revisar La llama doble de Octavio Paz, aunque la muerte le vaya de por medio y descubra que es precisamente la muerte el mayor impulso para desquiciar la pasión y anhelar la eternidad del otro en el amor que uno le profesa, como apunta Paz. En fin, ningún libro va a enseñarnos a amar. Para eso hay que salir a la calle y correr el riesgo, de levantarse, de seguir cayendo, de no perder la fe en la humanidad y de amarnos los unos a los otros. Si no fuese así, ¿para qué abrir los ojos mañana? 

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Silencios Estereofónicos

En abril, la edición XXIV del Festival de México en el Centro Histórico

Por: Félix Morriña

Con una inversión superior a los 26 millones y medio de pesos, la versión XXIV del Festival de México en el Centro Histórico iniciará, en la capital del país, el próximo jueves 10 de abril y concluirá el domingo 27 del mismo mes de este 2008. En este importantísimo encuentro cultural participarán 922 artistas de 20 países que ofrecerán 254 funciones en los 65 foros y plazas de la ciudad de México.

Serán 90 espectáculos, 53 exposiciones de artistas plásticos, 100 actividades infantiles, una restauración y 10 conferencias, clases y talleres magistrales, los que integran la presente edición en la que presenciaremos el regreso del polémico Alejandro Jodorowsky al teatro con su puesta "El sueño sin fin"; la visita del músico bosnio Goran Bregovic con su obra "Cuentos y canciones para bodas y funerales", la cual será sin duda uno de los platos fuertes de este festival; mientras que el flautista mexicano Horacio Franco celebrará tres décadas de trayectoria, entre otras actividades de importancia.

Con el estreno de la ópera "Jenúfa" del compositor checo Leos Janécek, el XXIV Festival de México en el Centro Histórico iniciará sus actividades en el Palacio de Bellas Artes, el día jueves 10 de abril a las 20 horas. Cabe destacar que es la primera vez que esta ópera llega a México y lo más importante es que se presentará la versión original que llevó a la fama internacional a su creador.

"Jenúfa" es una historia de amor y muerte que contiene música fuera de lo común, muy profunda y compleja. Es considerada una de las óperas fundamentales del repertorio operístico del Siglo XX. En México se presentará con la Orquesta y Coro del Teatro de Bellas Artes bajo la dirección del checo Jan Chalupecký y la dirección escénica de Juliana Faesler.

La puesta en escena operística tendrá la participación de cuatro solistas internacionales: Catherine Malfitano, Helena Kaupova, Gianluca Zampieri y Alex Briscein, junto a un destacado elenco nacional.

Por otro lado, el literato, dramaturgo, cineasta, mago y terapeuta, entre otras artes y oficios, Alejandro Jodorowsky, estará en nuestro país para presentar una obra de teatro titulada "Sueño sin fin", después de siete años de no hacerlo oficialmente.

La obra es una fábula sobre el crecimiento interior, en la que dos hermanos celestes que se buscan tras sucesivas reencarnaciones, que pasan de la madre al hijo, de la hermana al hermano, de la amada al amante, mientras transitan los siglos, tratan de llegar a la madurez intelectual sobre su existencia.

En ese tránsito ambos luchan por aprender amar y a liberarse de los miedos que han heredado. Jodorowsky, director de consagrados filmes como "El Topo", "Santa Sangre" y "La Montaña Rusa", se mantuvo siete años alejado de los escenarios y de la dirección de teatro y con "Sueño sin fin" alienta a la crítica especializada a ver su trabajo escénico.

Su anterior trabajo teatral fue la "Ópera Pánica" que fue muy bien recibida por el público mexicano. Sin duda, veremos la evolución de este singular ente cultural nacido en Chile y asentado en Francia en la actualidad. Claro, Jodorowsky vivió muchos años en México, país que le dio muchas satisfacciones.

"Sueño sin fin" se escenificará en el Teatro de la Ciudad del martes 15 al jueves 17 de abril a partir de las 20:30 horas. Los boletos tendrán un costo de 150 a 600 pesos.

En el terreno de la música, no podemos dejar de estar contentos debido a la anunciada visita del músico bosnio  Goran Bregovic (Sarajevo, Bosnia-Herzegovina, ex Yugoslavia, 1950), quien ofrecerá conciertos en el Teatro de la Ciudad y clausurará la presente edición del festival.

Para quien no lo conoce, les diremos que es nada más y nada menos que el compositor de la música de los filmes de su compatriota Emir Kusturica ("Underground" y "Tiempo de gitanos") y que es uno de los más afamados compositores de la región balcánica.

Su discografía incluye mezclas del folclore tradicional de la ex Yugoslavia con rock, música búlgara y otras fusiones europeas que convierten a su música en algo difícil de clasificar, pero no de olvidar.

Goran Bregovic ha grabado desde 1974 a la fecha más de una veintena de discos (26 indica su página de Internet), de los cuales se recomiendan ampliamente las bandas sonoras de "Tiempo de gitanos y Kuduz" de 1990, "Sueño de Arizona" (1993), "La reina Margot" (1994) y la inolvidable "Underground" (1995).

También pueden escuchar "Song Book" (2000), "Balcánica" (2002), "Kris & Goran" (2002), el más reciente "Karmen With a Happy Ending" (2007) y  "Cuentos y canciones para bodas y funerales" del 2002, el cual será presentado en su totalidad por Bregovic y su Orquesta Bodas y Funerales en el Teatro de la Ciudad, el viernes 18 y sábado 19 de abril a las 20:30 horas.

Durante la clausura del festival, el domingo 27 de abril en la Plaza de la Constitución a las 18 horas, Bregovic y banda serán acompañados de una banda mexicana llamada Instrumenta Oaxaca, con quien anteriormente ya habían trabajado en un encuentro musical, por lo que se espera una fiesta única de cortes sonoros poco o nunca antes visto, ni escuchado.

El director del festival es José Wolfer y en conferencia de prensa realizada, la semana pasada en el Palacio de Bellas Artes, dijo que el sello del festival tiene mucho que ver con lo contemporáneo, "con ofrecerle a la gente manifestaciones actuales que puedan remitirla a sus vivencias cotidianas. Pero también queremos mantener un espacio para manifestaciones más tradicionales, más consolidadas, sin dejar en ningún momento de lado el espíritu de aventura".

Para ver con detalle el programa completo de la edición XXIV del Festival de México en el Centro Histórico consulta la página oficial www.festival.org.mx o bien solicita informes a los teléfonos 01 (55) 52 71 98 06 y 01 (55) 52 77 96 97 Ext. 205. Seguro habrá otras actividades de tu interés que en este espacio te iremos informando conforme se acerque el mes de abril.

Escaramuza

El Carnaval de los buitres y sus 7 Pecados Capitales

Por: Polo Castellanos

Impuesto al Valor Agregado IVA, Impuesto Sobre la Renta ISR, Impuesto Empresarial a Tasa Única IETU, Tenencia, Predial, Agua y Gasolina. No cumplirlos, es incurrir en una pena capital y ¡cuidado! Porque puede ser usted excomulgado en este país. Las penas: Tres Aves Marías, unos añitos en la cárcel y una abundante suma de dinero que tendrá que sacar debajo de las piedras. Si usted pertenece a los ochenta millones de mexicanos que viven en la pobreza, pues ya se chingó.

Promovida por el Ejecutivo (quién si no), apenas el 1 de enero entró en vigor un nuevo pecado capital: el IETU. Con 6 pecados capitales los mexicanos ya teníamos el agua hasta el cuello y nos la llevábamos haciendo malabares para mantenernos a flote, pero el último vuelo de los buitres va acabar por ahogarnos. Gane lo que gane un mexicano, tendrá que pagar al parejo el "módico" porcentaje del 16.5% este año, 17% el que sigue y 17.5% los siguientes, como si así no se fuera a sentir tanto. Y si usted anda por el extranjero, también pagará; y si usted hace depósitos bancarios en efectivo, arriba de 25 mil, también; y si usted se distrae… también. "A bailar todo el mundo que estamos de Carnaval".

Ya de por sí es un Vía Crucis estar al corriente con la burocracia de los usureros del Sistema de Administración Tributaria SAT, con este nuevo impuesto, henchido de trampas y recursos para robarle sus míseros ahorritos a los mexicanos, viviremos haciendo trámites para estar en paz con los mercachifles de la Secretaría de Hacienda. 

De la recaudación de este nuevo robo calificado, claro está que ni un sólo peso va a dar a la cultura. No importa que ésta, según un estudio de la Sociedad de Autores y Compositores de México, nada más de lo que corresponde a la industria que protegen los derechos de autor, genera más del 7% del Producto Interno Bruto. Tan sólo en 1998, generó 1.5 veces más que el sector agropecuario (eso no es nada nuevo, hasta la señora de las quesadillas produce más que este sector), 1.7 veces más que la industria de la construcción, el doble de las telecomunicaciones y 5 veces más que las remesas internacionales. Y los buitres, ¡felices!: "Dineros, dineros". 

Y aquí, la cultura va para atrás (para variar) y a los artistas nos quieren desaparecer. Según Conaculta y Bellas artes, presentaron sus lineamientos de cultura basados en "las propuestas de artistas y creadores" con los que "consensuaron" los mediocres programas culturales para el resto del sexenio. Habrán sido sus paleros o los artistas del macramé y las damas de la Vela Perpetua, porque ni las sociedades autorales de este país, ni los artistas y  creadores estuvieron presentes. Demostrando una vez más la clara política de discrecionalidad y segregación hacia los sectores culturales que generan recursos para este país.

Políticas perversas, impulsadas desde los Pinos y que ponen en riesgo la identidad y la historia de una nación y que se contradicen a lo suscrito ante la Organización de Naciones Unidas en la Declaración Universal de los Derechos Humanos. 

En México, ya sabemos cual es la precaria situación de los artistas, creadores y las industrias culturales. Es uno de los sectores que más produce y es uno de los que más paga impuestos y servicios: agua, luz, gas, los que tienen auto o moto, tenencia y gasolina, seguridad social, médicos, etcétera, materiales para desarrollar su trabajo; predial; renta; si tienen hijos… ¡ufff!; ISR; IVA. Y ahora, IETU. A su vez y para vergüenza de todos, también es uno de los sectores que menos recursos y apoyos recibe. 

¡Ah, pero claro! Los buitres no son bueyes, son buitres y entre otros, quedan exentos del nuevo impuesto: La Federación, Entidades Federativas, Municipios y partidos políticos (que casualidad). Así que si usted no sabe porque tenemos un nuevo impuesto, pregúntele a su buitre favorito, perdón, quise decir a su diputado federal, por qué aprobaron la Reforma Fiscal sin consultarlo a usted. Por qué nuestros diputados diletantes sólo atienden a sus intereses políticos y partidistas y no los de la Nación. 

Y luego se espantan de que la gente se salga a la calle a protestar, "que nacos"; o que la delincuencia crece; o que vuelen por los cielos los ductos de PEMEX, "son terroristas"; o que los campesinos abandonen sus tierras para ir a que los exploten y los maten en Estados Unidos; o que al narcotráfico cada vez le sea más fácil reclutar "camellos"; o que cada vez existan más grupos armados; o que la delincuencia organizada tenga cada día más reclutas; o que los artistas se mueran de hambre, "eso es normal". 

Y mientras el Carnaval de los buitres siga en la comparsa, Siete Pecados Capitales no son una invitación ha ser "más responsables", ni a "entrar en la reflexión" sobre el "México unido que queremos", sino una invitación abierta a la sublevación y a una revolución social. 

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Una mirada plástica

Anoche no dormí

Foto y texto: Paul Achar

El pasado jueves 24 de enero inauguraron la exposición de escultura, instalación y alto relieve Anoche no dormí, de Miguel Ángel Madrigal en la Galería Enrique Guerrero, en la ciudad de México.

El título de la exposición no tiene nada que ver con la misma, según dijo en exclusiva para IMPULSO Estado de México el autor al responder el cuestionamiento sobre el nombre de su exposición.

Asimismo comentó que "no quería guiar a los espectadores hacia un concepto, sino que pretendo dar rienda suelta a la imaginación", por lo mismo decidió no poner fichas técnicas, lo cual es un buen pretexto para no elaborarlas, pero en esta ocasión su omisión fue deliberada, al menos eso fue lo que dijeron.

Lo que no saben es que por lo menos se debe poner una ficha con la técnica, aunque se omita el título de la pieza. Conocer la técnica es muy importante, ya que los materiales utilizados, medidas, año de creación permiten ubicar la obra en una época, y, acorde a los materiales, reconocer el grado de dificultad y la habilidad de la manipulación de éstos para dar forma a su propuesta.

Pongo en duda ese comentario de que las fichas no se pusieron por capricho del autor, aun cuando puede ser una estrategia del museógrafo, pues así daría mayor importancia a las obras buscando que no haya ningún distractor para la obra.

Cuando llegué a la galería pensé que la propuesta era muy similar a la de Sony, porque aun cuando la obra de Miguel Ángel es muy contemporánea, no es propia. Estoy seguro que se inspiró en la nueva imagen de la marca antes mencionada y si no ustedes mismos juzguen.

El alto contraste entre el blanco y el negro es el tenor de esta muestra. Las paredes blancas y pulcras destellando luz y las piezas en negro mate, altos relieves, esculturas e instalaciones iban dando un discurso donde el equilibrio era el verdadero motivo de esta muestra.

Gatos hidráulicos, resortes, amortiguadores, estructuras que simulan motocicletas, manchas que al observarlas detenidamente comienzan a tomar forma exteriorizando un mundo donde las motos son el instrumento para explicar el equilibrio.

Como comentó Miguel Ángel Madrigal, se encontraba caminando por la Gran Vía en Madrid, España cuando vio muchas motocicletas desordenadas, como si el viento con su capricho hubiera tomado un pincel y creara una escena donde el equilibrio era lo único que exaltaba la composición de esa maravillosa muestra, así que con ese pretexto desarrolló esta exposición.

Miguel Ángel Madrigal cuenta con una buena trayectoria para el poco tiempo que tiene en el mundo del arte, es licenciado en artes plásticas egresado de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Autónoma del Estado de México.

Lo respaldan otros estudios en instituciones de gran prestigio como el Instituto Morelense de Bellas Artes en Cuernavaca, Morelos, el taller de escultura del Maestro Kyoto Ota Okusawa, el Instituto Regional de Bellas Artes en Cuernavaca, Morelos, entre otras.

Cuenta con seis exposiciones individuales y cinco colectivas en las que destacan el Museo Muros de Cuernavaca, Morelos, la fundación Bilbao del Arte en Bilbao, España.

La muestra estará abierta hasta el primero de marzo del 2008 en Horacio 1549-A entre las calles de Solón y Ferrocarril de Cuernavaca en la colonia Polanco de la ciudad de México en los siguientes horarios: de lunes a viernes de 10:00 a 15:00 y de 16:00 a 19:00 horas, sábados de 11:00 a 14:00 horas.

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Silencios Estereofónicos

Una noche Apocalyptica a cuatro chelos metaleros y una batería en el Auditorio Nacional. El maestro Bob Dylan espera turno en el mismo foro de la ciudad de México

Por: Félix Morriña

Vaya, hace apenas una semana decía que algunos detractores de Apocalyptica manifestaban a los cuatro vientos que su fórmula de éxito musical pronto acabaría por saturar a su público, gracias a que ejecutaban material grabado por gigantes del metal pesado a nivel mundial y que lo poco que habían compuesto no sería motivo para mantener a esta banda en el gusto continuo de sus seguidores.

Seguro se llevaron tremenda sorpresa la pasada noche del martes 5 de febrero, cuando Apocalyptica interpretó gran parte del contenido de su reciente disco "Worlds Collide" y los éxitos que le han dado fama internacional en un abarrotado Auditorio Nacional (casi 10 mil asistentes) con éxito poco visto en músicos de corte academicista, es decir, educados en conservatorios.

Las informaciones que llegan hasta esta redacción indican que los conciertos de Apocalyptica en Monterrey (sábado 2 de febrero) y en Guadalajara (miércoles 6 del mismo mes) estuvieron a la altura de las expectativas de la audiencia de esas entidades, pero un colega que tuvo la oportunidad de asistir a los tres encuentros musicales me confesó que definitivamente el mejor de todos en México fue el del Auditorio Nacional, es decir, al que fue este interlocutor.

Mi contacto, explicó que el concierto del Auditorio Nacional fue de mayor importancia por la sencilla razón de que la agrupación finlandesa se entregó por completo, ya que no "pichicateó" en interpretar más piezas de lo previsto en el programa planeado; sudaron hasta quedar prácticamente muertos; fue mejor porque la participación de la gente llegó al éxtasis, y sobre todo, porque la acústica del Auditorio Nacional (el foro más importante de América Latina para conciertos internacionales) ayudó a distinguir cada chelo, cada nota y cada improvisación de los integrantes de Apocalyptica.

Estoy de acuerdo en cada punto señalado líneas arriba, como también mucho tuvo que ver el ingeniero de audio que trae la agrupación finlandesa, quien supo aprovechar al máximo las cualidades físicas del recinto de Reforma y Campo Marte (ciudad de México), porque ha habido otros ingenieros que no sacan adelante el concierto del artista en turno a pesar del equipo de producción y audio del Auditorio Nacional.

Pero lo más importante registrado por sus seguidores la noche del pasado martes 5 de febrero fue que los integrantes de Apocalyptica, al terminar el recital de poco más de hora y media, en el que interpretaron un programa de 19 piezas de corte heavy metalero a cuatro chelos y una batería, salieron en una impresionante limusina negra de seis puertas e igual número de ventanillas para estacionarse brevemente frente al Auditorio Nacional y dejarse fotografiar por sus fans.

Los jóvenes veinteañeros que se dieron cita al recital y que se quedaron a adquirir algunos productos de la oficial y pirata mercadotecnia masiva de Apocalyptica (discos, vasos, tazas, encendedores, playeras, prendedores, pancartas, etc, etc), tuvieron el privilegio de ver el arrogante poderío económico del grupo, como su gran fama internacional, pero con mucho tacto lo manejaron, al dejar fotografiar el majestuoso vehículo sin la seguridad mínima con ellos abordo y asomándose por las ventanillas.

Sólo se alcanzaba a ver desde fuera de la limusina botellas de whisky caro, champaña, cerveza, mujeres bellas y se escuchaban contagiantes risas de satisfacción por un concierto de poco más de 90 minutos bien trabajados. Sin duda, es una agrupación famosa nacida de la funcional idea de interpretar, inicialmente, en chelos rolas de bandas metaleras de renombre mundial, como Metallica, Pantera, Sepultura, Faith No More, Slayer y Rammstein, entre otras.

Con el paso del tiempo, Apocalyptica se ganó al público exigente interpretando material compuesto por sus integrantes, además de mejorar sus presentaciones y agregando a un baterista a la agrupación.

Cabe recordarles a nuestros lectores, que Apocalyptica vino a México a promocionar el contenido de su reciente disco "Worlds Collide". Eicca Toppinen, Paavo Lötjönen. Perttu Kivilaakso, Antero Manninen y Mikko Sirén (batería), integrantes de Apocalyptica, tocaron en su gira un cover de David Bowie titulado ‘Heroes’ (que en lo particular me hizo girar sobre mi propio eje con todo y esguince agudo en el Talón de Aquiles del pie izquierdo) y uno de la genial maestra cantautora alemana Nina Hagen, llamado ‘Seeman’.

Claro está que ejecutaron en el Auditorio Nacional ‘Seek and Destroy’ y ‘Enter Sandman’, de Metallica, como también ‘Grace’, ‘I’m Not Jesus’, ‘Ion’, ‘Helden’, ‘Last Hope’, ‘SOS’ y ‘Worlds Collide’, temas de su reciente disco. Vaya que fue una muy buena velada alejada de los excesos de antaño y con mucha alegría festiva heavy metalera a cuatro chelos y una batería.

Por otro lado, el varias veces candidato al Premio Nobel de Literatura, Bob Dylan, presentará en esta segunda visita al país en plan de trabajo el contenido de su "Modern Times" (grabado en estudio en el 2006), como también del disco recopilatorio "Dylan" (2007), algunas canciones del material en vivo "Live at Canegie Hall 1963" (sacado al mercado en el 2005) y parte del disco que hiciera con su banda Travelling Wilburys, titulado "The Travelling Wilburys Collections" del 2007.

La leyenda del rock realizará una gira por cinco países de América Latina entre febrero y marzo, llevando su "Never Ending Tour" al sur de la frontera estadounidense, informó recientemente en su página de Internet el veterano cantante. En la Ciudad de México actuará la noche del martes 26 de febrero en el Auditorio Nacional (20 horas). Los boletos más baratos cuestan 275 pesos y el más caro mil 780 devaluados pesitos.

Dylan, de 66 años, se presentará en tres ciudades mexicanas entre el 26 de febrero y el 2 de marzo, para luego hacerlo en Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, en una serie de conciertos que culminarán el 20 de marzo.

Robert Allen Zimmerman, mejor conocido como Bob Dylan en el mundo de la música y como Elston Gunnn, Blind Boy Grunt, Lucky Wilbury, Boo Wilbury, Elmer Johnson, Sergei Petrov y Jack Frost en el mundo de la literatura, es un artista asociado siempre con la década de los años sesenta, pero sus recientes tres discos han regresado a Dylan al mundo contemporáneo y retomado por jóvenes talentos en todas las bellas artes.

Famoso por discos clásicos como "The Freewhelin’ Bob Dylan" (1964), "Highway 61 Revisited" (1965), "Blonde On Blonde" (1966), "Blood On The Tracks" (1975), "Time Out Of Mind" (1997) y "Love and Theft" (2001), entre otros, también ha sido retomado recientemente en el séptimo arte en "I’m Not There" en la que la actriz Cate Blanchett interpretó a Bob Dylan en un papel que le valió el Globo de Oro hace unas semanas.

Cabe recordar que Bob Dylan vino a México hace 17 años y tocó en el extinto Cine Ópera, donde los teloneros fueron Los Lobos y en aquella ocasión dejó pasmados a los más de cuatro mil asistentes, pero demostró que sufre el "Síndrome de John Lennon", es decir, piensa que en cualquier momento lo van a matar, que lo van asesinar por escribir sobre la decadencia del sistema capitalista y en específico de la Unión Americana.

Y no es para menos, al huraño genio de la música contemporánea nadie le ha igualado su manera de escribir sobre situaciones adversas al sistema político gringo, como tampoco su manera de componer, de vivir y de analizar los fenómenos socioculturales de la segunda mitad del siglo XX a la fecha.

Si bien es cierto que nunca aprendió a cantar como un barítono, su manera de interpretar sus letras es muy singular y distinguible.

El compositor del himno de los años sesenta ‘Blowin’ In The Wind’ y de la famosa ‘Like A Rolling Stone’, es sin duda un genio al que no puede ningún amante de la buena música dejar pasar la oportunidad de verlo en vivo y en directo, y esa ocasión será el martes 26 de febrero en el Auditorio Nacional. Mucha suerte y allá nos vemos.

El arte, una permanencia en la tierra

Para la grabadora Dina Eugenia, la gráfica es una catarsis, tanto en la realización como en la recepción

Por: Gabriela Contreras / México, DF

Para Dina Eugenia, la gráfica, es el la luz que ha guiado sus pasos. Comenzó sus estudios en acuarela hace más de veinte años con el maestro Manuel Arrieta y con Coati Rojo en el Museo Nacional de la Acuarela, más tarde se inició en el grabado con el maestro Ninel Auret.

Su talento la ha dado más de cincuenta exposiciones individuales y colectivas en México, España, Inglaterra, Francia. Además su obra forma parte del acervo del Ino-Cho Paper Museum, Agawa Fun Kochi-Ken, Kochi, Japón2001 y del Tama Art University Museum en Tokyo, Japón

El deseo de la inmortalidad permanece en el movimiento de las obras de Dina Eugenia. Cuando se encuentra frente a ellas, se sitúa en la posibilidad de encontrar y sentir la belleza, la trascendencia y la espiritualidad impregnadas por la gran factura en su trabajo.

¿Cuál es el significado de la gráfica en tu vida?

"La gráfica es primero una tabla de salvación. Yo estaba en una depresión muy profunda porque había perdido a una persona muy importante en mi vida, entonces el grabado vino a representar una nueva luz, un nuevo camino para ser algo que yo tenía que expresar. Eso es para mí el grabado, la expresión de lo que yo tengo en mi mente".

¿Qué encontramos en tu obra?

"Encontramos personajes, vivencias, historia, dependiendo del momento en que pongo a dibujar. Me gusta mucho dibujar mujeres, principalmente mujeres negras porque yo vengo de una familia de raza negra. Cuando murió una de mis tías la pinté. Es muy curioso porque siempre me llega en un momento especial y yo lo vuelvo a reflejar en el papel.

"Generalmente desarrollo una historia; estoy muy obsesionada con la permanencia de los seres humanos en el planeta. Tengo mucho tiempo trabajando la tierra y si revisan mi obra se van a dar cuenta de lo recurrente que es éste tema, los árboles, el renacer.

"Esas historias de vida las trato de plasmar ahí, como una semilla que cae de un árbol te puede dar una nueva vida, no nada más como un ser humano, sino como una permanencia en el planeta".

¿Qué deseas trasmitir a las personas a través de tus grabados?

"Mis sentimientos, eso es lo que a mi me gustaría transmitir y plasmar en la obra, que la gente los capte, pero eso es muy simbólico, porque puedes exponer algo, porque puedes plasmar un sentimiento que a la gente le resulta diferente.

"Yo tengo un grabado donde está una mariposa saliendo de un capullo, es una grieta de donde salen las hojas y de las hojas sale una mariposa que se va transformando. Lo que traté de hacer fue una metamorfosis y cuando expuse este cuadro hubo personas que lo captaron así, pero alguien me dijo que era terrorífico, le causaba miedo, porque en vez de ver la vida, ella reflejaba la muerte, entonces, aunque muchas veces trates de plasmar tu sentimiento, la gente lo capta de otra manera".

¿Tú te sientes satisfecha con eso?

"Yo creo que es la magia del arte, aunque trates de transmitir algo el espectador vive en otro mundo, entonces ve una realidad diferente a la que plasmas. Ojala siempre pudiéramos plasmar lo que queremos que el espectador viera, pero como vemos lo que nosotros traemos en la cabeza, el espectador encuentra otro punto de vista. Aún así, el objetivo es muy satisfactorio".

¿Y qué pasa con las nuevas gráficas digitales?

"Creo que pueden servir de apoyo, yo como grabadora tradicional no las utilizo, sirven de apoyo pero nada más, no como un medio para hacer gráfica. A mi me gusta plasmar sobre la placa directamente".

¿Cuáles son tus proyectos?

"Quiero lograr que la gente conozca más mi trabajo. Éste año vuelvo a caer en la tierra, yo quería otra cosa, pero la inercia de este planeta me lleva de nuevo a la tierra. Mi objetivo es ir al mundo micro para plasmarlo en macro".

Las razones del diablo

Across the Universe

Por: Dionicio Munguía J.

Ya antes había comentado sobre los satélites que viajan por el universo con datos muy representativos de la humanidad. Una placa de oro, un disco de platino, muestras de las artes humanas, el símbolo universal del hombre, en fin, la civilización del tercer planeta del sistema solar conocido como la Vía Lactea, al menos por lo seres vivos que habitan dicho planeta.

Entre todas las manifestaciones humanas la música es quizá, según el gusto de cada quien, una de las mayores creaciones. Puede domar fieras, dicen los poetas. Alimenta el corazón y el espíritu y logra que los niños se calmen, tengan un mejor desarrollo emocional y mental y sepan distinguir los diversos matices de la sociedad en que viven.

Otros ha declarado a la música como el alimento del alma, aquel mítico maná bíblico que cayó del cielo para alimentar a los judíos en su peregrinar rumbo a tierra santa. La música, según las escrituras judeo cristianas, es el instrumento por el que Dios, en su magnífica presencia, da a conocer las bondades de su juicio y permite el disfrute máximo con sólo utilizar uno de los cinco sentidos.

Para los filósofos, la música es la meta del conocimiento humano, aquello que crece en el interior de hombre y brota con sonidos medidos, nada caóticos (aunque a veces se escuchen ciertas melodías, nuevamente según el gusto de cada quien, que pareciera eso, caos), armonía pura que logra el regocijo del alma y tranquiliza el stress, la ansiedad, los nervios, todo aquello que altera la conciencia humana más allá de los límites impuestos por la sociedad.

Para los artistas, sobre todo quienes hacen música, la música es sólo eso, arte que sublima la conciencia del hombre, que lo hace ser más civilizado y menos animal (aunque los animales existen en todos lados y tengamos ejemplos verdaderamente aberrantes). La música, entonces, es para un servidor lo mejor que pudo crear el hombre, y que aún, en estos días, sigue teniendo la importancia de unir a la sociedad, de cerca o de lejos, de diferentes ideologías políticas o razas, para la música eso no existe ni ha existido desde el inicio de sus tiempos.

He sabido, por la prensa obviamente, que la canción Across the universe de Lennon y McCartney, compositores e integrantes del cuarteto de Liverpool, The Beatles, será difundida en diferentes ondas, por el universo, con el fin de dar a conocer la existencia de la humanidad, y otros puntos que en realidad no tienen la menor importancia. Y aquí viene la pregunta que todo el tiempo que he pasado escribiendo esta columna me he venido haciendo. ¿Por qué precisamente una pieza musical es quien representará a la humanidad en este viaje sideral de las ondas, tanto hergzianas como no?

¿Y por qué precisamente una pieza de rock y no una obertura de Bach, por aquello de la exactitud matemática que el genio alemán imprimió a su obra? ¿Por qué los Beatles? Quizá la respuesta no sea tan simple como aparenta. Seguramente, y después de dar a conocer la noticia, algunos de los detractores del grupo inglés habrán sacado sus garras, sus dientes, sus gritos desaforados y peleado, según ellos, por un mejor representante musical.

Yo estoy de acuerdo con la NASA al utilizar la canción de los Beatles como el acorde que represente a la humanidad por el espacio. Qué mejor pieza que la elegida para decirle a quienes nos escuchen más allá de nuestras fronteras espaciales que existimos en este lugar de la Galaxia. Ahora sí me gustaría echarle un ojito, un oído y lo que se pueda al mundo exterior, tan sólo para disfrutar de la pieza de los Beatles en el espacio estereofónico del universo (ojalá y la hayan enviado en estéreo).